Elvis Presley: The Searcher [2018]

Es cierto que se ha hablado y escrito hasta el cansancio sobre su vida y obra, sin embargo hay un par de razones por las que la producción de HBO "Elvis Presley: The Searcher" debe ser considerada como el documental definitivo acerca del célebre Elvis Presley. La primera de ellas es lo completo del material incluido y la claridad de los enfoques de la narración que deambula libre de artificios, entre los compases del idilio entre el country, el R&B y el bluegrass, entre otros ritmos. La segunda y quizás la más importante, es cómo sin dejar de lado los lineamientos básicos que dicta el género, va acomodando cada una de las piezas que le permiten dimensionar la trascendencia del protagonista a nivel histórico, mientras emerge vestido de evocación, el lado más entrañable del joven de Memphis lleno de sueños, y que prevalece hasta cuando comienza a ser consumido por las implicaciones del show, reduciendo su protagonismo a esos momentos en que en sus canciones es más evidente aquello que las hacía únicas, el gozo y el profundo vínculo que tenía con sus raíces. Es así que mientras escuchamos los testimonios de Priscilla Presley y su amigo de la infancia Red West, además de los de músicos como Tom Petty y Bruce Springsteen, acompañados de una selección musical que con mucho sentido dramático sirve como telón de fondo, asistimos tanto a sus procesos creativos que develan la inteligencia con que aquel joven funcionaba rompiendo las reglas, como a su afinidad por detectar las reacciones del público hasta hacer de éstas una herramienta para llevarlos por los caminos que les va dictando con sus canciones. "Elvis Presley: The Searcher" es un imprescindible documento fílmico de más de tres horas de duración que presenta un relato completo de la pasión, el control, el drama visceral y la maestría de Elvis Presley.

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Elvis Presley: The Searcher [2018]

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Tristeza

> Por Biciman.©   




Antipasión / lateral sin centro
pena mal cobrada / la mano de vos
sudario de vos / suplente de arquero
la raya del miedo / córner sin balón
frenesí bombero / maladelantada
tu pierna en mi cara / peligro de vos
el casigol / el palo y afuera
el que patee cualquiera / total nunca entra
orsai de la vida / cabezazo a la nada
alma hecha pelota / fuori della copa
tristeza uno / alegría cero.

Amazing Grace [2018]

Nacida en Memphis en 1942, Aretha Louis Franklin creció en una familia bautista, y es gracias a dicho credo que dio sus primeros pasos en el mundo de la música. En 1967, la hoy legendaria "Respect" la convirtió en un nombre imprescindible. Le seguirían grandes éxitos de la talla de "Chain of Fools" o "I Say a Little Prayer". Desde entonces, jugó con géneros como el jazz ("Satisfaction"), disco ("La Diva"), pop ("Love All the Hurt Away") o R&B ("Through the Storm"). En 1972, con una veintena de álbumes grabados, dio un giro decididamente góspel a su carrera con "Amazing Grace". Durante la grabación de ese álbum, Warner Bros Pictures encargó al por entonces director de moda Sydney Pollack el rodaje del que sería uno de los acontecimientos musicales de la década. Aretha Franklin, quien por entonces tenía treinta años, ya se había constituido en una de las más celebradas artistas de R&B y soul de la historia. En lo que la propia Franklin concibió como un regreso a sus orígenes artísticos, la cantante se unió al pastor y músico James Cleveland y al Coro Comunitario del Sur de California para grabar en directo, durante dos intensas noches, el que pasaría a ser uno de sus álbumes históricos. Desgraciadamente, diversos problemas técnicos impidieron que este evento se estrenara en su momento. Fuentes cercanas a Pollack saben que llevó la espina clavada hasta sus últimos días. Ahora, una década después del fallecimiento del autor en 2008, el productor Alan Elliott, acompañado de figuras de la talla de Spike Lee, recuperan este documento imprescindible: el trabajo en vivo de una artista y su sintonía con el público.

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Amazing Grace [2018]

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La bici de Michael

- ¿Por qué caemos, Bruce?
- Para aprender a levantarnos. 
[Michael Caine]

Hi-Fidelity Dub Sessions XIII

>Tracklist

01- Vaticaen Box - Nawak British
02- Atlantis Dub - Manwel T
03- Optimism Oxygen [Feat. David Lynch & Lee Scratch Perry] - Dubblestandart
04- Tribal Ground - Mad Professor
05- La Vita - Kukan Dub Lagan
06- Time - Panda Dub
07- Plan sur la comète - Jean Paul Dub
08- Emergent Resurgence - Globular
09- Homage To The Dub Masters - Zoungla
10- Technofari [3rd Ear Remix] - Soundaholix

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Hi-Fidelity Dub Sessions XIII

Ocio

> Por Rainer Maria Rilke.






Con frecuencia me pregunto si esos días en que nos vemos obligados a permanecer ociosos no son, justamente, los días en los que nos involucramos en la actividad más profunda; si nuestras acciones, aún a pesar de suceder en algún momento posterior, no son sino las últimas reverberaciones de un vasto movimiento que se produce en nuestro interior en los días de ocio. Como sea, es fundamental entregarse al ocio con confianza, con devoción, incluso, tal vez, con alegría. Los días en que ni siquiera nuestras manos se mueven son tan increíblemente silenciosos que apenas es posible levantarlas sin que oigamos un ruido atronador.

Dylda [2019]

Una respiración entrecortada, un paréntesis en el tiempo, con la mirada perdida en un pasado que, cada minuto de cada día de cada instante vivido, se intenta olvidar, sin conseguirlo. La película comienza con un respiro cortado, una asfixia recurrente, un sonido inolvidable. ¿Cómo superar el trauma que ha dejado una ciudad sitiada durante una guerra? Inspirada por la novela, "La guerra no tiene rostro de mujer", de la Premio Nobel de Literatura 2015, Svetlana Aleksándrovna Aleksiévich, el cineasta ruso, Kantemir Balagov, que ya había arrasado con "Tesnota", presenta su segunda película, "Dylda" (también conocida como "Beanpole" o "Una gran mujer"), aún más intensa, fascinante y luminosa. Leningrado en 1945 no era una fiesta. La Segunda Guerra Mundial lo ha devastado todo: la ciudad, el cuerpo y las almas de sus habitantes. Dos jóvenes, Iya y Masha, que se conocieron durante el asedio de la ciudad, han sobrevivido a duras penas. Una de ellas, dejó a cargo de su amiga lo más preciado de su vida. Pero nada es eterno, y ante su desaparición, ambas tratan de encontrar un sentido vital, las fuerzas para seguir viviendo y la esperanza de construir algo que motive su futuro. Un inmenso drama, como en las grandes novelas de Fiódor Mijáilovich Dostoyevski, con los recovecos del alma rusa a flor de piel que el cineasta ha convertido en un instante luminoso. Frente a las duras circunstancias de la situación, Kantemir Balagov utiliza una paleta cromática cálida y envolvente: unos rojos sedosos, verdes exultantes y naranjas armoniosos, como el deseo de unas jóvenes que con 24 años desean volver a soñar. Si ya en su ópera prima, el director mostraba una joven combatiente que reivindicaba su voz y defendía sus opiniones, en esta ocasión, gracias a las imágenes de Svetlana Aleksándrovna Aleksiévich, por fin, la guerra se aleja de la mayoritaria narración masculina. Todo lo contaban los hombres, las mujeres callaban. Fue la misma guerra, pero con versiones muy distintas. Una magnífica película a la altura del gran talento de su director.

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Dylda [2019]

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Nuevo Proyecto: SUBFORO

"Subforo" es un proyecto colectivo de traducción de subtítulos de películas independientes y documentales de arte difíciles de conseguir en la red, incluso mediante pago, ya que la mayoría no tiene distribución digital o comercial en países de habla hispana por no contar con traducción al español. En la web de "Subforo" se puede editar, descargar y debatir sobre los subtítulos compartidos, además de sugerir nuevos títulos a buscar y traducir. La página incluye un tutorial para colaborar con la traducción de los subtítulos de forma comunitaria, un listado de los subtítulos disponibles para traducir o descargar, y un foro para preguntar, recomendar y discutir las cuestiones relacionadas a las ediciones y las descargas. Apelamos al sentido comunitario para el uso y la compartición de esta herramienta colaborativa para que se expanda y perdure lo más posible. A quienes tengan el suficiente interés cultural y espíritu solidario (y tiempo) para participar en este proyecto: ¡bienvenid@s!

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For No Good Reason [2012]

"For No Good Reason" es un recorrido por la obra del artista Ralph Steadman, uno de los ilustradores británicos más representativos de la cultura de los años 70, particularmente conocido por sus trabajos con el periodista y escritor estadounidense Hunter S. Thompson. De hecho, sus dibujos y su tipografía ayudaron a configurar la imagen de Raoul Duke, el alter ego de Thompson en "Miedo y Asco en Las Vegas". Hunter S. Thompson fue el inventor del periodismo gonzo que implicaba dejar a un lado la aburridísima y dudosa objetividad de la prensa académica. El gonzo de Thompson y Steadman comenzaba eligiendo un evento deportivo de renombre como el Derby de Kentucky, la pelea entre Alí y Foreman o la Marathon de Honolulu. También podían salir a la búsqueda desesperada del “sueño americano” y terminar en ese simulacro obsceno perpetrado en el desierto de Las Vegas. Una vez allí se sumergían en el acontecimiento empapados en alcohol y otros narcóticos. El evento terminaba perdiendo toda importancia y ellos se convertían en protagonistas. Tras la sátira descarnada de sus colaboraciones con Thompson, Steadman utilizó su arte como un arma política contra la nefasta administración Nixon o la guerra en Vietnam, El Salvador o Biafra. Steadman también ilustró textos de William S. Burroughs, autor de "El almuerzo desnudo", como, por ejemplo, la oración por el día de Acción de Gracias dedicada a John Dillinger. Treinta años después, Johnny Depp y el director del documental, Charlie Paul, le rinden homenaje en esta pieza donde se incluyen entrevistas a Terry Gilliam y Richard E. Grant, con música de Slash, All American Rejects, Jason Mraz, James Blake, Ed Harcourt y Crystal Castles.

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For No Good Reason [2012]

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Milagro

> Por Biciman.©   




Una ausencia
está hecha de pasado
le sobra futuro
no tiene presente.
Una presencia
a veces
está hecha de milagro
del más allá
que ahora está acá.

Astor Piazzolla: The Next Tango [2007]

"Astor Piazzolla: The Next Tango" es un documento fílmico firmado por el director José Montes-Bacquer que reune tres interpretaciones en vivo del autor argentino y una entrevista de 45 minutos realizada por Andrés Salcedo para la televisón alemana. En ella nos encontramos con un Piazzolla íntegro, agudo, soberbio, autocrítico, honesto y feliz. Casi a forma de monólogo e intercalando segmentos musicales ya sea solo, con orquesta o con su quinteto, el artista habla de su encuentro con Arthur Rubinstein y de su osadía al llevarle un “Concierto para piano”, que el polaco se encargó de aclarar que para ser concierto le faltaban los arreglos para orquesta y que luego de tocarla en su presencia le sugirió que estudiara y lo contactó para ello. Relata sus años de estudio con Ginastera y la importancia en su vida (“mi segunda madre”) de Nadia Boulanger, quien prácticamente le ordenó que se dedicara al tango. Su período con Troilo, los contratiempos por intentar modificar una música popular como el tango, la historia del bandoneón, las distintas técnicas para ejecutar el instrumento, su interpretación de lo que significa el tango en cuanto a danza, citas a Borges y a Sábato y una autodefinición certera: “Yo no soy mi música. Yo soy anti tango”. Acompaña al dossier el corto documental "Calle Descartes, Número 16: Astor Piazzolla" producido por el canal argentino Encuentro, que retrata la amistad entre Astor Piazzola y José Pons, un argentino residente en el número 16 de la calle Descartes de París, en una casa convertida en epicentro y punto de encuentro de algunos de los más brillantes artistas argentinos y franceses de la generación de los 70, una amistad que cambiaría sus vidas, partiendo del archivo privado de grabaciones inéditas, cartas, películas y fotografías recopiladas por la familia Pons durante décadas.

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Astor Piazzolla: The Next Tango [2007]

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La bici de Nicole

Me siento atraída por gente cautivadoramente imperfecta. 
[Nicole Kidman]

Jimi Hendrix: Electric Church [2015]

Casi cuatrocientas mil personas asistieron a la actuación más multitudinaria en la carrera de Jimi Hendrix, la que tuvo lugar en la segunda edición del Atlanta Pop Festival en 1970. Fue a unos cien kilómetros al sur de Atlanta, cerca de la ciudad de Byron, en el Estado de Georgia, donde se celebró el también llamado "Woodstock del Sur" y valorado ahora como el último gran festival de rock de Estados Unidos, con más 30 actuaciones musicales entre las que se contaron las de Bob Seger, B.B. King y The Allman Brothers. La actuación de Hendrix no sólo fue de importancia a nivel musical, sino también en términos socio-políticos. Los organizadores querían contrarrestar la división cultural que en el sur profundo de Estados Unidos era muy evidente. Asumían que el público rural no recibiría de buen grado a las bandas de "pelo largo", y esos artistas negros y blancos no podrían compartir fácilmente el mismo cartel; Atlanta Pop se propuso desafiar estas creencias. La música y mensaje de amor universal de Hendrix lo convirtieron en el artista ideal para representar esta visión, y, convenientemente, fue el primer artista contratado para el festival. En el agobiante calor de Georgia, entre motoqueros intimidantes contratados como seguridad, cientos de miles de jóvenes fans de la música llegaron a la localización del festival, derribando vallas y no dejando a los organizadores más opción que declarar el festival como un evento gratuito. Las fuerzas de la ley, que no estaban equipadas para controlar tal cantidad de gente, adoptaron la política de no intervenir en el control de la multitud, el uso de drogas y la desnudez. Contra todo pronóstico, el evento resultó ser muy pacífico. Para cuando Jimi Hendrix Experience se subió al escenario la tarde del 4 de Julio, el público había aumentado a más de trescientas mil personas. "Jimi Hendrix: Electrical Church" presenta la historia de cómo la emergente cultura de festivales de música rock descendió en masa al pequeño pueblo rural de Byron, Georgia, y fue testigo de la inolvidable actuación de Hendrix.La película detalla el esfuerzo realizado por el promotor de Atlanta, Alex Cooley, para crear el festival musical definitivo. Este documento histórico incluye entrevistas con los miembros de la banda Experience de Hendrix, Billy Cox y el fallecido Mitch Mitchell, y también de Paul McCartney, Steve Winwood, Rich Robinson, Kirk Hammett, Derek Trucks, Susan Tedeschi, el organizador del festival Alex Cooley y muchos otros. La película contiene impresionantes imágenes de 16mm en color de la actuación de Jimi Hendrix en el Día de la Independencia, a tan sólo dos meses de su prematura muerte. Algunas de las interpretaciones destacadas incluyen clásicos como "Hey Joe", "Voodoo Child", "Purple Haze" y extraordinarias versiones de canciones como "Room Full Of Mirrors", "Freedom" y "Straight Ahead". Según Bill Mankin, que trabajó en el armado del festival, "en el centro del remolino estaba el mago maestro con su guitarra: la personificación de una vida vivida plena y salvajemente, sin barreras, sin límites, y dirigiéndose hacia las estrellas a toda velocidad".

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Jimi Hendrix: Electric Church [2015]

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Los yetas

> Por Biciman.©   


El derrame (una propina de pena) de la burguesía estandarizada hasta el agote (pigmentados apenas) colesteriza la grasa centenaria de las capitales y fluye en fáctica mente hacia un vertedero inviable cercado por las fallas randómitas de una falaz prescindible innovación. Modernizar el sueño con un pasado setenta años mejor, subterraneando la conciencia como si la historia fuera un caño que se anula por omisión, es servil a las corporaciones de dudas que fabrican empanadas para todas las preguntas y atragantan a los palo$ al bicho cuestionador. Las larvas son larvas por nuevas o por viejas. Hay gusanos voladores y otros viven bajo tierra, subliminales carnadas de poblaciones muertas. En la guerra de las dietas, los colmillos sin coronas se afilan en los bordes con el hambre de respuestas. Las empanadas aguantan el retorcijón de los yetas. La felicidad descongelada menudea la revuelta, al calor unánime de la originaria receta: se acabó la resistencia, ¡ahora el contraataque!

Shot! The Psycho-Spiritual Mantra of Rock [2016]

Crear una estrella es básicamente crear la imagen de una estrella. Mick Rock, el fotógrafo protagonista del documental de Barnaby Clay, lo entendió perfectamente, y se dedicó durante décadas a inmortalizar a algunas de las más célebres estrellas del rock, a quienes supo dotar de una imagen única. El artista, nacido en Londres en 1948, pasó primero por la Universidad de Cambridge, donde estudió Lenguas Modernas, para luego incursionar definitivamente en la fotografía. Sus inicios fueron azarosos y un tanto caóticos: comenzó tomando fotos casi como un juego, bajo los efectos del LSD. Su amistad con Syd Barrett y una serie de retratos que le hizo al músico fueron el pasaporte a la fotografía de figuras del rock, que rápidamente se multiplicarían. David Bowie, Iggy Pop y Lou Reed fueron algunas de las celebridades que entonces posaron para su lente, a los que se sumaron bandas como Queen y los Ramones. El consumo sistemático de drogas y la práctica frecuente de yoga fueron sus principales fuentes de inspiración, y fueron marcando el pulso de sus creaciones. En ese universo de creatividad, euforia y excesos se sumergió Barnaby Clay con "Shot! The Psycho-Spiritual Mantra Of Rock", proponiéndole al espectador una suerte de viaje a través de la vida y obra del fotógrafo. Al igual que el protagonista de su película, Clay conocía de cerca el universo de las bandas de rock cuando realizó el film, ya que se había desempeñado como director de videoclips musicales de bandas como Yeah Yeah Yeahs y Dave Gahan, además de trabajar en comerciales y cortometrajes. En su documental sobre Mick Rock cruzó relatos en primera persona del propio Mick con imágenes de archivo, diversas fotografías que el artista fue tomando con el correr del tiempo y la dramatización de uno de los momentos más duros de su vida, cuando debió ser internado en un hospital y sometido a un cuádruple by-pass. Mientras que lo primero es sumamente interesante, la dramatización de la internación de Mick (interpretada por el propio fotógrafo) se detiene en los pormenores de la salud del artista, en su adicción a la cocaína y en los modos en los que fue resolviendo diversos problemas personales. Pero es, sobretodo, infinitamente fascinante conocer el proceso que derivó en la tapa de Transformer, el célebre disco de Lou Reed; o acceder a la historia de la portada del álbum de Queen "Queen II", cuya foto se inspiró en una imagen de la diva cinematográfica Marlene Dietrich. Estos y algunos otros datos históricos son sin lugar a dudas el fuerte de la película, que consigue reunir una buena cantidad de información sobre los procesos creativos del universo del rock durante las décadas del setenta y ochenta. Desde el ascenso del glam rock en Londres hasta el desarrollo del punk neyorquino, todo está registrado por Clay de la mano de Mick Rock, en un film valiosísimo por la cantidad y calidad de los testimonios y documentos que reúne.

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Shot! The Psycho-Spiritual Mantra of Rock [2016]

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La bici de Michelle

El matrimonio es una guerra de porcentajes. 
[Michelle Williams]

Funk Off Vol 7

>Tracklist

01- A New Funky Generation - The Messenger
02- Instrumental One - Prince
03- Chemical Funk - Da Damn Phreak Noize Phunk
04- The Original Sound - Low Fidelity Jet Set Orchestra
05- Make Your Mind Up - Instant Cities
06- Bitches & Friends - DJ Rodriguez
07- Instrumental Six - Prince
08- Fluid - Jestofunk
09- Four Channel Sound - Low Fidelity Jet Set Orchestra
10- At Home In Space - Fila Brazillia

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Funk Off Vol 7

Insociable

> Por Arthur Schopenhauer.




El hombre inteligente tenderá, ante todo, a evitar cualquier dolor, cualquier molestia, y a encontrar el reposo y el ocio; buscará pues, una vida tranquila, modesta, defendida de los inoportunos, después de haber mantenido durante algún tiempo relaciones con lo que se llama los hombres, preferirá una existencia retirada, y, si es un espíritu muy superior, escogerá la soledad. Porque cuanto más posee en sí mismo un hombre, menos útiles le pueden ser los demás. Así pues, la superioridad de la inteligencia conduce a la insociabilidad.

Nico, 1988 [2017]

El 22 de julio de 1988, cuatro días después de su muerte, The New York Times publicaba un escueto obituario: "Nico, que cantó con el grupo pop Velvet Underground y se convirtió en una de las estrellas del cine de Andy Warhol, murió el lunes tras caerse de una bicicleta en la isla española de Ibiza. Tenía 49 años". Poco quedaba ya del ícono de los 60 y los 70, de aquella chica alemana que hablaba en inglés, cantaba en inglés y, probablemente, pensaba en inglés -tuvo una relación complicada con su país de origen, habiendo nacido en los albores de la Segunda Guerra Mundial- y que quiso convertirse en modelo, cantante, actriz y musa de la subcultura sesentera. Lo consiguió. Y lo perdió por culpa del enganche al ácido y a la heroína, y sumergida en sus últimos años en giras decadentes al lado de grupos de segunda categoría, desapareció en la oscuridad de su propia sombra en la soleada Ibiza. La directora italiana Susanna Nicchiarelli presentó en 2017 "Nico, 1988", una biopic centrada en los dos últimos años de vida de la artista, antes de que una hemorragia cerebral acabase por llevársela. "He estado en lo más alto. He estado en lo más bajo. Y los dos sitios están vacíos". En los últimos años de su vida, el lóbrego escepticismo y la languidez marca Nico -si no impostada, al menos seductora para el underground- degeneraron en un escepticismo real, en la estampa difícil de mirar de una espiral de autodestrucción consciente, de picos de heroína en un tobillo marcado por las agujas, de exabruptos erráticos humillantes y de pequeños momentos de lúcida calidez, sobretodo hacia un hijo, Ari, trastocado por los mismos demonios que su madre. La película de Nicchiarelli desmonta el mito para retratar a una mujer superada y rebelde, que se maneja tan bien como mal cuando el foco se apaga. Es esa dicotomía, la de una artista capaz de comportarse como una diva caprichosa y subversiva y la de una madre que no sabe bien cómo amar a su hijo -que Alain Delon nunca reconoció como suyo-, deja entrever esa fragilidad con la que es difícil no conectar. Una mujer que debe seguir reconociéndose como Nico, la rubia lánguida de voz grave y pestañas infinitas, y como Christa -su nombre real y por el cual la llaman sus conocidos-, una cincuentona deteriorada por el abuso de drogas y en la que prácticamente es imposible reconocer al mito de la moda de veinte años antes, que se arrastra por salas de mala muerte consciente de que el interés que despierta es el de una leyenda caída. Una cantante empeñada en quitarse la muletilla de "Nico, ¿la de la Velvet Underground?" y demostrar ser una artista por derecho propio.

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Nico, 1988 [2017]

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La bici de Manu

La resignación es un suicidio permanente. 
[Manu Chao]

Maria by Callas [2017]

¿Qué se sabe de la cantante de ópera Maria Callas que no se haya dicho? Probablemente nada. Por eso con ella, como con tantos mitos que conocemos a través de decenas de documentales, libros y hasta de biopics, quizás no quede otra que seleccionar, recortar y pegar. Un trabajo que no quita dignidad a quien lo hace, siempre y cuando lo haga con extraordinaria sensibilidad e inteligencia. Es lo que hizo el realizador y fotógrafo francés Tom Volf en “Maria by Callas”, un documental que no deja de conmover a lo largo y ancho del mundo por el retrato que hace de la soprano más popular y trascendente del siglo XX. Se nota la sensibilidad visual de Volf, quien para hacer este documental encaró uno de los trabajos de rastreo y selección más extraordinarios en torno a la figura de Maria Anna Cecilia Sofia Kalogeropoúlos (1923-1977). No solo recopiló cientos de fotografías, raras entrevistas televisivas, videos caseros y todo aquello que tuviera que ver con ella. En el proceso sacó del polvo registros insólitos: Maria en el yate de Aristóteles Onassis, Maria enojada con el director del Met, Maria oliendo flores o respondiendo preguntas a los reporteros que la acorralan al bajar de un avión. Y entre esos registros, la reveladora entrevista que le dio al británico David Frost, en 1970, que fue televisada y que se creía perdida. Él la encontró y tomó de ella el eje estructurador del relato: “Hay dos personas dentro mío. Me gustaría ser Maria, pero también está La Callas, a la que tengo que responder. Así que debo lidiar con ambas lo mejor que puedo”, le dijo a Frost esa vez la diva, y el documental sostiene estas dos dimensiones: ella fue una mujer que supo crear un mito sobre sí misma, pero a la vez era una persona común, con su costumbre de recortar recetas de cocina y pasear a sus perros. En este sentido, el documental habla con una desnudez emocional que conmueve. El montaje de Volf es perfecto y minucioso, ya que encontró la forma de que solo las palabras de “La Divina” vayan articulando su historia. Y cuando no es ella misma, es Fanny Ardant quien lee sus cartas (algunos la recordarán interpretándola en “Callas Forever”, de Franco Zeffirelli). En una dimensión más amplia, este trabajo no deja de contar lo que significaba ella para la cultura efervescente de los años de posguerra. Pero las secuencias más sensibles son otras: cuando Volf descubre los puntos de contacto entre su biografía y las arias que cantaba. Escuchadas en contraste con su vida, todo tiene nuevos significados. La música es el lenguaje más poderoso y Volf lo sabe, y como la propia Maria nos dijo, toda su vida está en su legado, y su legado fue la música. Si quisiéramos conocer realmente a Maria Callas bastaría oírla en “Casta Diva” o “Ah non credea mirarti”. Ese es el testimonio más fiel, y todo el resto será literatura. En este caso, de la buena.

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Maria by Callas [2017]

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Brillar

> Por Biciman.©   




De tanto insistir
solo
brillando
el efecto
del afecto
va a causar
(preferiblemente de noche)
un gran apagón
de la soledad.

Alejandra [2013]

La poeta argentina Alejandra Pizarnik (1936-1972) es un referente de la literatura contemporánea latinoamericana y un mito acrecentado por su tragedia personal y temprano suicidio. Fue un ser poco convencional, pero que hizo de la poesía su vida. "No quiero ir / nada más / que hasta el fondo", escribió en la pizarra de su habitación antes de ingerir 50 pastillas de seconal que le quitaron la vida. Era el 25 de septiembre de 1972 y la poeta de 36 años había salido con permiso del hospital psiquiátrico de Buenos Aires, donde se encontraba internada por un grave estado depresivo y dos intentos de suicidio. Fue así que a poco de andar, no demoró tomarse su muerte como ingrediente para la leyenda de poeta maldita. Aunque imitada en su escritura y en su forma de vestir (en su velorio aparecieron chicas vestidas y peinadas como ella), es la forma en que trabajó el lenguaje lo que le dio un papel relevante en la poesía latinoamericana. Flora Alejandra Pizarnik nació el 29 de abril de 1936 en Avellaneda, al sur de Buenos Aires. Allí sus padres se instalaron tras dejar Rovne, una aldea ruso-polaca. El matrimonio tuvo dos hijas: Myriam y Flora, y se dedicó al comercio de joyas. Dos hechos marcaron la vida de la poeta. La primera, la reiterada comparación que hacía su madre con su hermana Myriam y por otro, su condición de inmigrante. Mientras su hermana crecía delgada, bonita y femenina, Alejandra vivió una adolescencia con problemas de acné, los que se sumaron a su tartamudez, asma y tendencia a engordar. Su pavor a la gordura fue tal que la llevó a ingerir anfetaminas, que por entonces se conseguían fácilmente. En la secundaria, Pizarnik fue una estudiante rebelde que escribía de noche en una pequeña libreta negra mientras leía a Faulkner y Sartre, además de los franceses Artaud, Baudeleire, Mallarmé, Rilke, Rimbaud, y se fascinaba con el surrealismo. En 1954 ingresó a la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires, donde se cambió de la carrera de Filosofía a la de Periodismo, luego a Letras y finalmente al taller del pintor Juan Batlle Planas, pero luego abandonó todo estudio formal. Allí conoció a Juan Bajarlía, quien la acercaría a los movimientos de vanguardia y la ayudó a corregir su primer libro: "La tierra más ajena", el cual costeó su padre y lo firmó con su nombre completo: Flora Alejandra Pizarnik. La escritora soñaba con ir a Francia y pudo vivir en París durante cuatro años (1960 -1964); años fundamentales para la evolución de su estilo y para poder disfrutar una intensa vida social y cultural. Con el escritor Julio Cortázar mantuvo una amistad hasta su muerte e incluso se llegó a decir que el personaje de La Maga de la obra "Rayuela" se habría inspirado en ella, pero Cortázar, aunque no lo desmintió públicamente, escribió a un amigo que cuando la conoció ya había terminado el libro. En 1964 regresó a Buenos Aires como una poeta madura. En lo personal, según sus amigos, volvió más torturada y viviendo una agudización de sus tendencias obsesivas, hasta su desenlace fatal en 1972. El film documental "Alejandra" de Virna Molina y Ernesto Ardito, narra la vida de la Pizarnik, desde los principales conflictos que fueron dejando una profunda marca en su obra, bajo el contexto de ruptura y vanguardia de los años 60’ y 70’. Con un lenguaje cinematográfico intimista y sensorial, y un relato cargado de tensiones psicológicas y pasionales, la puesta sumerge al espectador en el universo interno de Alejandra, para comprenderla desde su núcleo creativo y humano. Así, sus diarios personales, sus cartas, sus poemas, el relato de sus amigos y familiares; son la herramienta que arrojan pistas sobre el misterioso camino que la llevó a su autodestrucción. Hoy, luego de su muerte y tras ser censurada por la dictadura, fue redescubierta por las nuevas generaciones, quienes la convirtieron en un mito, siendo la poeta argentina más leída.

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Alejandra [2013]

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La bici de Juliette & Giovanni

De joven moría de risa, ahora de melancolía. 
[Juliette Lewis, con Giovanni Ribisi]

Autoluminescent: Rowland S. Howard [2011]

¿Cuál podría llegar a ser el equivalente musical de la prosa oscura de Edgar Allan Poe o Lord Byron, del existencialismo nietzscheano o del cine expresionista alemán de Lang y su heredero Herzog? Difícil es encontrarlo, pero en la figura de Rowland S. Howard converge un poco de cada uno de estos referentes. El músico absorbió en sus jóvenes años dramáticas influencias que naturalmente se plasmaron a lo largo de su carrera en canciones de heridas abiertas provocadas por profundas espinas que jamás pudo desenterrar. Ese fue su sello: poesía romántica y gótica, una escalofriante voz melancólica que penetra bajo la piel y los huesos y una forma única y personal de tocar la guitarra, que alojó su particular estilo en el no-virtuosismo. Lamentablemente, su legado es reverenciado por unos pocos y desconocido por unos cuantos, aún en tiempos donde todo se expande cibernéticamente. Quizás por ese motivo y con el fin de rendirle un merecido tributo, salió en el 2011 el documental "Autoluminescent", co-dirigido por Richard Lowenstein y Lynn-Maree Milburn. El film preserva con mucho cuidado las frágiles memorias del cantante y guitarrista, recordado por su hermético círculo de íntimos y admiradores (Nick Cave, Lydia Lunch, Mick Harvey, Genevieve McGuckin, Henry Rollins, Thurston Moore, Nick Zinner, Bobby Gillespie, Kevin Shields, Douglas Hart). Todos coinciden en que era un ser con una extraña vibra enigmática guardado al silencio de las emociones, un romántico empedernido de personalidad enamoradiza, un sensible introspectivo que tenía mejores migas con la compañía femenina que masculina. Howard arrancó como un pretencioso adolescente de la Blank Generation en la escena post-punk australiana, tocando en Young Charlatans para luego unirse en el ‘78 a la formación de The Boys Next Door junto a Nick Cave y el baterista Mick Harvey. Ante el consejo de muchos, la banda emigró hacia Londres para ‘estar en la cresta de la ola’, donde pasó a llamarse The Birthday Party. Contrariamente a lo esperado, no hubo demasiada aceptación de su música ni en la capital inglesa ni en Nueva York porque la tendencia apuntaba hacia el synth pop y se consideraba a la propuesta demasiado violenta, visceral, profana y aterradora. Entonces se trasladaron al oeste de Berlín, donde finalmente dieron en el blanco, con un público con el que congeniaron, al que el cineasta Wim Wenders describió como ‘personajes marginales vampirezcos salidos de la mezcla entre Nosferatu y El Gabinete Del Dr. Caligari’. Allí las tensiones se empezaron a acentuar y las búsquedas sonoras y líricas de Nick y Rowland se bifurcaron, dando por resultado la separación del grupo en 1983 y el surgimiento de dos proyectos a partir del desmembramiento: The Bad Seeds (con Blixa Bargeld de Einstürzende Neubauten) y la reformación de Crime and the City Solution, que incorporó a Rowland y a Mick Havey a sus filas. Pero es en su breve etapa solista donde se pueden resumir los aportes que trajo a la música, con dos recomendables obras: el punto más elevado y maduro con "Teenage Snuff Film" (1999) y "Pop Crimes" (2009). La película se vale de imágenes de archivo monocromáticas, entrevistas y lecturas que J.P. Shilo hace del manuscrito inédito "Etceteracide" de Howard para construir un retrato oscuro de belleza elegante y triste que, entre niebla, cigarrillos y anécdotas, ensambla fielmente con la vida del músico. Se narran desde sus días de experimentación musical, pasando por su período de adicción a la heroína y el fuerte vínculo con sus ex parejas hasta llegar al momento de su partida, a los 50 años, a causa de un cáncer de hígado. Sin su legado sería inconcebible la idea de bandas posteriores como Savages, The Jesus & Mary Chain, Pulp, The Horrors o hasta la incursión de David Lynch en el mundo musical. "Autoluminescent" es una construcción claroscura, emotiva y respetuosa hacia su persona. La imagen congelada del final habla por sí misma: detrás de la triste y lúgubre mirada de príncipe dark de Rowland hay un pequeño brillo, un destello interior de luminosidad y color que unos pocos conocen o vieron y que queda inmortalizado hasta sus últimos días con este brillante film.

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Autoluminescent: Rowland S. Howard [2011]

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Los miedosos

> Por Biciman.©   



Tienen miedo. A Dios. Al otro. A la otra. A pensar distinto. Al esfuerzo de pensar distinto. A no saber defenderse sin un arma. A no saber. A Dios. A la guerra. A la paz. A aburrirse. A no tener a quién odiar. A que el otro gane más. A leer. A entender. A la verdad. A Dios. A no saber defenderse sin Dios. A la cárcel de la soledad. A la muerte. A no poder matar. A no vender. A no comprar. A Dios. A la televisión. A no poder ver la televisión. A lo que no está en la televisión. A lo anormal. A que les saquen las normas. A las mujeres. A sentir distinto. Al esfuerzo de sentir distinto. A Dios. A papá. A mamá. Y al hombre de la Bolsa. Deberíamos ser astutamente comprensivos, ayudarlos y ayudarnos a estar mejor. Pero a veces no. A veces te cagás en sus miedos. Porque sus miedos se cagan en vos.

Eat That Question: Frank Zappa in His Own Words [2016]

El genio explicado en sus propias palabras. Palabras precisas, pausadas y armadas de coherencia con las que el compositor estadounidense Frank Zappa dispara contra la industria discográfica, las drogas, el poder judicial, la política, la falsa moral. Palabras con las que se explica a sí mismo. Palabras para expresar pasión por la música. Carisma. Insubordinación. Extravagancia. Integridad. Vanguardismo. Autenticidad. Así es el Zappa que presenta el documental francés "Eat that question", dirigido por Thorsten Schütte y que ha contado con el apoyo de la familia del artista. Para su elaboración, el cineasta ha recopilado varias actuaciones y entrevistas televisadas de Frank Zappa, desde su juventud, cuando insistía en que podía hacer música utilizado una bicicleta como instrumento, hasta su fallecimiento por un cáncer de próstata a los 52 años en 1993. No hay narrador ni declaraciones de las personas que lo conocieron. Sólo él. Y sus entrevistadores. Y su música. Y sus letras. Frank Zappa fue lo que hoy llamaríamos un artista 360. Su carrera no sólo se centró en la composición musical: fue director de cine, productor discográfico, cantante, guitarrista. Lo cierto es que durante su infancia enfermiza nada hacía suponer una carrera similar. Fue un artículo en la revista Look lo que le hizo fijarse en las composciones de Edgard Varèse, un episodio que despertó al genio creativo. El artículo decía que en su pieza "Ionisation", no había "nada más que batería, es disonante y horrible, la peor música del mundo", lo que llamó automáticamente la atención del joven Zappa, que ya de adulto siempre citó entre sus primeras influencias a Varèse, "La consagración de la primavera" del ruso Igor Stravinski y al autor dodecafonista austríaco Anton Webern. Zappa, que detestaba las letras de amor (en su opinión, estas letras dictan normas de conducta subconsciente), defendía que las palabras de una canción son "ruidos vocales armonizados" al servicio del conjunto de la pieza. La sexualización de sus temas le reportó fama de subersivo y, en 1985, se vio obligado a testificar ante el Senado de EE.UU. para evitar que la censura del Parents Music Resource Center, organismo del que formaba parte la mujer de Al Gore, etiquetara sus discos alertando de su contenido sexual. En su lugar, Zappa denunció la "teocracia fascista" de su país e incluyó esta advertencia en sus discos: "¡CUIDADO! Este álbum contiene material que una sociedad verdaderamente libre nunca temería ni suprimiría. (...) Esta garantía es tan real como la de los fundamentalistas que atacan la música rock en su vano intento de transformar Norteamérica en una nación de estúpidos (en el nombre de Jesucristo)". Zappa fue un compositor prolífico. Publicó más de sesenta álbumes en vida (en solitario y con The Mothers of invention) y otros cuarenta póstumos. Su estilo evolucionó con los años y tras el rock experimental y doo-wop iniciales, transitó por el jazz y el pop para desembocar en el mar de la música sinfónica en la década de los noventa. El director Thorsten Schütte hace el apoteósico intento de mostrar una obra monumental en apenas hora y media de metraje. Y cuando este llega a su fin, tenemos la sensación de conocer un poquito más sobre esta vibrante mente, quizá una de las más grandes de la música del siglo 20, a la que no le importó no ser recordada (esos anhelos los dejaba para Ronald Reagan y su "obscena forma de conseguir fama y fortuna") y que incluso reconocía: "Soy famoso, aunque la mayoría de la gente no sabe qué hago".

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Eat That Question: Frank Zappa in His Own Words [2016]

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La bici de Julie

El cuerpo cambia más rápido que la ropa. 
[Julie Ordon]

The Trip Hop Sessions Vol 13

>Tracklist

01- Who Am I [Animatrix Edit] - Peace Orchestra
02- Theme From Nowhere - The Prunes
03- See The Light [Feat. Junior Delgado] - Sofa Surfers
04- Fuck Dub [Reloaded Mix] - Tosca
05- Rendez Vous - Lemongrass
06- Ocean Air - Dzihan & Kamien
07- Rollin' On Chrome [Wild Motherfucker Dub] - Aphrodelics
08- In China - Black & Brown
09- White Noise - Sofa Surfers
10- Captain Webb - Baby Mammoth

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The Trip Hop Sessions Vol 13

Telegrama

> Por Rupi Kaur.



No quiero tenerte
para completar las partes vacías de mi misma
quiero estar completa yo sola.
Quiero estar tan completa
que pudiera iluminar una ciudad entera
y luego
quiero tenerte
porque los dos
combinados
la podríamos prender
fuego.

Girl [2018]

Algunos productores tienen un ojo impecable para escoger los proyectos más arriesgados y encontrar la aguja de oro en el pajar de millones de guiones, con una facilidad sorprendente. Tras el éxito de "The Broken Circle Breakdown" (Alabama Monroe) en 2012, el mismo equipo de producción se lanzó, sin temor alguno, a una historia nada fácil, que debía ser protagonizada por un casting casi imposible de encontrar, en las manos de un joven realizador, Lukas Dhont, que se estrenaba en el largometraje. Acierto pleno, "Girl" fue la verdadera protagonista del festival de Cannes del 2018 que le otorgó cuatro premios: Cámara de Oro, premio de interpretación de Un Certain Regard al resplandeciente Victor Polster, premio FIPRESCI de la crítica internacional y Queer Palm 2018. "Girl" (título perfecto) es una chica de 15 años, en el cuerpo de un niño, que hará todo lo posible e imaginable para realizar su sueño: convertirse en bailarina. Los esfuerzos y sacrificios que tenga que realizar no son una barrera para ella. Lara, su nombre en la película, sabe que es una mujer y quiere que su cuerpo se adapte lo más rápidamente posible a su realidad. El director belga Lukas Dhont consigue transmitir la tensión, la angustia y el esfuerzo ilimitado de Lara para lograrlo. Raramente el espectador percibe una tensión sorda pero tan intensa y continua en la gran pantalla. Las pequeñas mezquindades de adolescentes en plena explosión hormonal, el sacrificio corporal exigido por sus maestros de danza, el proceso médico que acompaña una etapa de tránsito son pruebas que Lara afronta con su mejor sonrisa en el rostro, su aparente serenidad y su tranquila elegancia. Los movimientos de cámara -libre, fluida, casi etérea que parece abrazar cada movimiento de Lara, presente en casi la totalidad de escenas- es de una belleza que corta el aliento. El protagonismo de Victor Polster es tan explosivo que no hay que olvidar la inteligencia del guión. Así como "El ladrón de bicicletas" sería otra película si no hubiese en su historia ese niño, que sigue las desventuras de su idolatrado padre, Lukas Dhont ha imaginado de manera genial, la presencia de un padre, sin ninguna referencia femenina en el ámbito familiar. Un equilibrio inesperado y una relación hipnótica en una de las mejores películas del 2018.

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Girl [2018]

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La bici de Marcello

La vejez es una condena sin derecho a recurso. 
[Marcello Mastroianni]