miércoles, 10 de julio de 2019

Jimi Hendrix: Electric Church [2015]



Casi cuatrocientas mil personas asistieron a la actuación más multitudinaria en la carrera de Jimi Hendrix, la que tuvo lugar en la segunda edición del Atlanta Pop Festival en 1970. Fue a unos cien kilómetros al sur de Atlanta, cerca de la ciudad de Byron, en el Estado de Georgia, donde se celebró el también llamado "Woodstock del Sur" y valorado ahora como el último gran festival de rock de Estados Unidos, con más 30 actuaciones musicales entre las que se contaron las de Bob Seger, B.B. King y The Allman Brothers. La actuación de Hendrix no sólo fue de importancia a nivel musical, sino también en términos socio-políticos. Los organizadores querían contrarrestar la división cultural que en el sur profundo de Estados Unidos era muy evidente. Asumían que el público rural no recibiría de buen grado a las bandas de "pelo largo", y esos artistas negros y blancos no podrían compartir fácilmente el mismo cartel; Atlanta Pop se propuso desafiar estas creencias. La música y mensaje de amor universal de Hendrix lo convirtieron en el artista ideal para representar esta visión, y, convenientemente, fue el primer artista contratado para el festival. En el agobiante calor de Georgia, entre motoqueros intimidantes contratados como seguridad, cientos de miles de jóvenes fans de la música llegaron a la localización del festival, derribando vallas y no dejando a los organizadores más opción que declarar el festival como un evento gratuito. Las fuerzas de la ley, que no estaban equipadas para controlar tal cantidad de gente, adoptaron la política de no intervenir en el control de la multitud, el uso de drogas y la desnudez. Contra todo pronóstico, el evento resultó ser muy pacífico. Para cuando Jimi Hendrix Experience se subió al escenario la tarde del 4 de Julio, el público había aumentado a más de trescientas mil personas. "Jimi Hendrix: Electrical Church" presenta la historia de cómo la emergente cultura de festivales de música rock descendió en masa al pequeño pueblo rural de Byron, Georgia, y fue testigo de la inolvidable actuación de Hendrix.La película detalla el esfuerzo realizado por el promotor de Atlanta, Alex Cooley, para crear el festival musical definitivo. Este documento histórico incluye entrevistas con los miembros de la banda Experience de Hendrix, Billy Cox y el fallecido Mitch Mitchell, y también de Paul McCartney, Steve Winwood, Rich Robinson, Kirk Hammett, Derek Trucks, Susan Tedeschi, el organizador del festival Alex Cooley y muchos otros. La película contiene impresionantes imágenes de 16mm en color de la actuación de Jimi Hendrix en el Día de la Independencia, a tan sólo dos meses de su prematura muerte. Algunas de las interpretaciones destacadas incluyen clásicos como "Hey Joe", "Voodoo Child", "Purple Haze" y extraordinarias versiones de canciones como "Room Full Of Mirrors", "Freedom" y "Straight Ahead". Según Bill Mankin, que trabajó en el armado del festival, "en el centro del remolino estaba el mago maestro con su guitarra: la personificación de una vida vivida plena y salvajemente, sin barreras, sin límites, y dirigiéndose hacia las estrellas a toda velocidad".

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Jimi Hendrix: Electric Church [2015]


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Los yetas

> Por Biciman.©   


El derrame (una propina de pena) de la burguesía estandarizada hasta el agote (pigmentados apenas) colesteriza la grasa centenaria de las capitales y fluye en fáctica mente hacia un vertedero inviable cercado por las fallas randómitas de una falaz prescindible innovación. Modernizar el sueño con un pasado setenta años mejor, subterraneando la conciencia como si la historia fuera un caño que se anula por omisión, es servil a las corporaciones de dudas que fabrican empanadas para todas las preguntas y atragantan a los palo$ al bicho cuestionador. Las larvas son larvas por nuevas o por viejas. Hay gusanos voladores y otros viven bajo tierra, subliminales carnadas de poblaciones muertas. En la guerra de las dietas, los colmillos sin coronas se afilan en los bordes con el hambre de respuestas. Las empanadas aguantan el retorcijón de los yetas. La felicidad descongelada menudea la revuelta, al calor unánime de la originaria receta: se acabó la resistencia, ¡ahora el contraataque!

Shot! The Psycho-Spiritual Mantra of Rock [2016]



Crear una estrella es básicamente crear la imagen de una estrella. Mick Rock, el fotógrafo protagonista del documental de Barnaby Clay, lo entendió perfectamente, y se dedicó durante décadas a inmortalizar a algunas de las más célebres estrellas del rock, a quienes supo dotar de una imagen única. El artista, nacido en Londres en 1948, pasó primero por la Universidad de Cambridge, donde estudió Lenguas Modernas, para luego incursionar definitivamente en la fotografía. Sus inicios fueron azarosos y un tanto caóticos: comenzó tomando fotos casi como un juego, bajo los efectos del LSD. Su amistad con Syd Barrett y una serie de retratos que le hizo al músico fueron el pasaporte a la fotografía de figuras del rock, que rápidamente se multiplicarían. David Bowie, Iggy Pop y Lou Reed fueron algunas de las celebridades que entonces posaron para su lente, a los que se sumaron bandas como Queen y los Ramones. El consumo sistemático de drogas y la práctica frecuente de yoga fueron sus principales fuentes de inspiración, y fueron marcando el pulso de sus creaciones. En ese universo de creatividad, euforia y excesos se sumergió Barnaby Clay con "Shot! The Psycho-Spiritual Mantra Of Rock", proponiéndole al espectador una suerte de viaje a través de la vida y obra del fotógrafo. Al igual que el protagonista de su película, Clay conocía de cerca el universo de las bandas de rock cuando realizó el film, ya que se había desempeñado como director de videoclips musicales de bandas como Yeah Yeah Yeahs y Dave Gahan, además de trabajar en comerciales y cortometrajes. En su documental sobre Mick Rock cruzó relatos en primera persona del propio Mick con imágenes de archivo, diversas fotografías que el artista fue tomando con el correr del tiempo y la dramatización de uno de los momentos más duros de su vida, cuando debió ser internado en un hospital y sometido a un cuádruple by-pass. Mientras que lo primero es sumamente interesante, la dramatización de la internación de Mick (interpretada por el propio fotógrafo) se detiene en los pormenores de la salud del artista, en su adicción a la cocaína y en los modos en los que fue resolviendo diversos problemas personales. Pero es, sobretodo, infinitamente fascinante conocer el proceso que derivó en la tapa de Transformer, el célebre disco de Lou Reed; o acceder a la historia de la portada del álbum de Queen "Queen II", cuya foto se inspiró en una imagen de la diva cinematográfica Marlene Dietrich. Estos y algunos otros datos históricos son sin lugar a dudas el fuerte de la película, que consigue reunir una buena cantidad de información sobre los procesos creativos del universo del rock durante las décadas del setenta y ochenta. Desde el ascenso del glam rock en Londres hasta el desarrollo del punk neyorquino, todo está registrado por Clay de la mano de Mick Rock, en un film valiosísimo por la cantidad y calidad de los testimonios y documentos que reúne.

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Shot! The Psycho-Spiritual Mantra of Rock [2016]


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La bici de Michelle


El matrimonio es una guerra de porcentajes. 
[Michelle Williams]

Funk Off Vol 7



>Tracklist

01- A New Funky Generation - The Messenger
02- Instrumental One - Prince
03- Chemical Funk - Da Damn Phreak Noize Phunk
04- The Original Sound - Low Fidelity Jet Set Orchestra
05- Make Your Mind Up - Instant Cities
06- Bitches & Friends - DJ Rodriguez
07- Instrumental Six - Prince
08- Fluid - Jestofunk
09- Four Channel Sound - Low Fidelity Jet Set Orchestra
10- At Home In Space - Fila Brazillia


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Funk Off Vol 7


Insociable

> Por Arthur Schopenhauer.




El hombre inteligente tenderá, ante todo, a evitar cualquier dolor, cualquier molestia, y a encontrar el reposo y el ocio; buscará pues, una vida tranquila, modesta, defendida de los inoportunos, después de haber mantenido durante algún tiempo relaciones con lo que se llama los hombres, preferirá una existencia retirada, y, si es un espíritu muy superior, escogerá la soledad. Porque cuanto más posee en sí mismo un hombre, menos útiles le pueden ser los demás. Así pues, la superioridad de la inteligencia conduce a la insociabilidad.

Nico, 1988 [2017]



El 22 de julio de 1988, cuatro días después de su muerte, The New York Times publicaba un escueto obituario: "Nico, que cantó con el grupo pop Velvet Underground y se convirtió en una de las estrellas del cine de Andy Warhol, murió el lunes tras caerse de una bicicleta en la isla española de Ibiza. Tenía 49 años". Poco quedaba ya del ícono de los 60 y los 70, de aquella chica alemana que hablaba en inglés, cantaba en inglés y, probablemente, pensaba en inglés -tuvo una relación complicada con su país de origen, habiendo nacido en los albores de la Segunda Guerra Mundial- y que quiso convertirse en modelo, cantante, actriz y musa de la subcultura sesentera. Lo consiguió. Y lo perdió por culpa del enganche al ácido y a la heroína, y sumergida en sus últimos años en giras decadentes al lado de grupos de segunda categoría, desapareció en la oscuridad de su propia sombra en la soleada Ibiza. La directora italiana Susanna Nicchiarelli presentó en 2017 "Nico, 1988", una biopic centrada en los dos últimos años de vida de la artista, antes de que una hemorragia cerebral acabase por llevársela. "He estado en lo más alto. He estado en lo más bajo. Y los dos sitios están vacíos". En los últimos años de su vida, el lóbrego escepticismo y la languidez marca Nico -si no impostada, al menos seductora para el underground- degeneraron en un escepticismo real, en la estampa difícil de mirar de una espiral de autodestrucción consciente, de picos de heroína en un tobillo marcado por las agujas, de exabruptos erráticos humillantes y de pequeños momentos de lúcida calidez, sobretodo hacia un hijo, Ari, trastocado por los mismos demonios que su madre. La película de Nicchiarelli desmonta el mito para retratar a una mujer superada y rebelde, que se maneja tan bien como mal cuando el foco se apaga. Es esa dicotomía, la de una artista capaz de comportarse como una diva caprichosa y subversiva y la de una madre que no sabe bien cómo amar a su hijo -que Alain Delon nunca reconoció como suyo-, deja entrever esa fragilidad con la que es difícil no conectar. Una mujer que debe seguir reconociéndose como Nico, la rubia lánguida de voz grave y pestañas infinitas, y como Christa -su nombre real y por el cual la llaman sus conocidos-, una cincuentona deteriorada por el abuso de drogas y en la que prácticamente es imposible reconocer al mito de la moda de veinte años antes, que se arrastra por salas de mala muerte consciente de que el interés que despierta es el de una leyenda caída. Una cantante empeñada en quitarse la muletilla de "Nico, ¿la de la Velvet Underground?" y demostrar ser una artista por derecho propio.

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Nico, 1988 [2017]


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La bici de Manu


La resignación es un suicidio permanente. 
[Manu Chao]

Maria by Callas [2017]



¿Qué se sabe de la cantante de ópera Maria Callas que no se haya dicho? Probablemente nada. Por eso con ella, como con tantos mitos que conocemos a través de decenas de documentales, libros y hasta de biopics, quizás no quede otra que seleccionar, recortar y pegar. Un trabajo que no quita dignidad a quien lo hace, siempre y cuando lo haga con extraordinaria sensibilidad e inteligencia. Es lo que hizo el realizador y fotógrafo francés Tom Volf en “Maria by Callas”, un documental que no deja de conmover a lo largo y ancho del mundo por el retrato que hace de la soprano más popular y trascendente del siglo XX. Se nota la sensibilidad visual de Volf, quien para hacer este documental encaró uno de los trabajos de rastreo y selección más extraordinarios en torno a la figura de Maria Anna Cecilia Sofia Kalogeropoúlos (1923-1977). No solo recopiló cientos de fotografías, raras entrevistas televisivas, videos caseros y todo aquello que tuviera que ver con ella. En el proceso sacó del polvo registros insólitos: Maria en el yate de Aristóteles Onassis, Maria enojada con el director del Met, Maria oliendo flores o respondiendo preguntas a los reporteros que la acorralan al bajar de un avión. Y entre esos registros, la reveladora entrevista que le dio al británico David Frost, en 1970, que fue televisada y que se creía perdida. Él la encontró y tomó de ella el eje estructurador del relato: “Hay dos personas dentro mío. Me gustaría ser Maria, pero también está La Callas, a la que tengo que responder. Así que debo lidiar con ambas lo mejor que puedo”, le dijo a Frost esa vez la diva, y el documental sostiene estas dos dimensiones: ella fue una mujer que supo crear un mito sobre sí misma, pero a la vez era una persona común, con su costumbre de recortar recetas de cocina y pasear a sus perros. En este sentido, el documental habla con una desnudez emocional que conmueve. El montaje de Volf es perfecto y minucioso, ya que encontró la forma de que solo las palabras de “La Divina” vayan articulando su historia. Y cuando no es ella misma, es Fanny Ardant quien lee sus cartas (algunos la recordarán interpretándola en “Callas Forever”, de Franco Zeffirelli). En una dimensión más amplia, este trabajo no deja de contar lo que significaba ella para la cultura efervescente de los años de posguerra. Pero las secuencias más sensibles son otras: cuando Volf descubre los puntos de contacto entre su biografía y las arias que cantaba. Escuchadas en contraste con su vida, todo tiene nuevos significados. La música es el lenguaje más poderoso y Volf lo sabe, y como la propia Maria nos dijo, toda su vida está en su legado, y su legado fue la música. Si quisiéramos conocer realmente a Maria Callas bastaría oírla en “Casta Diva” o “Ah non credea mirarti”. Ese es el testimonio más fiel, y todo el resto será literatura. En este caso, de la buena.

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Maria by Callas [2017]


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Brillar

> Por Biciman.©   




De tanto insistir
solo
brillando
el efecto
del afecto
va a causar
(preferiblemente de noche)
un gran apagón
de la soledad.


Alejandra [2013]



La poeta argentina Alejandra Pizarnik (1936-1972) es un referente de la literatura contemporánea latinoamericana y un mito acrecentado por su tragedia personal y temprano suicidio. Fue un ser poco convencional, pero que hizo de la poesía su vida. "No quiero ir / nada más / que hasta el fondo", escribió en la pizarra de su habitación antes de ingerir 50 pastillas de seconal que le quitaron la vida. Era el 25 de septiembre de 1972 y la poeta de 36 años había salido con permiso del hospital psiquiátrico de Buenos Aires, donde se encontraba internada por un grave estado depresivo y dos intentos de suicidio. Fue así que a poco de andar, no demoró tomarse su muerte como ingrediente para la leyenda de poeta maldita. Aunque imitada en su escritura y en su forma de vestir (en su velorio aparecieron chicas vestidas y peinadas como ella), es la forma en que trabajó el lenguaje lo que le dio un papel relevante en la poesía latinoamericana. Flora Alejandra Pizarnik nació el 29 de abril de 1936 en Avellaneda, al sur de Buenos Aires. Allí sus padres se instalaron tras dejar Rovne, una aldea ruso-polaca. El matrimonio tuvo dos hijas: Myriam y Flora, y se dedicó al comercio de joyas. Dos hechos marcaron la vida de la poeta. La primera, la reiterada comparación que hacía su madre con su hermana Myriam y por otro, su condición de inmigrante. Mientras su hermana crecía delgada, bonita y femenina, Alejandra vivió una adolescencia con problemas de acné, los que se sumaron a su tartamudez, asma y tendencia a engordar. Su pavor a la gordura fue tal que la llevó a ingerir anfetaminas, que por entonces se conseguían fácilmente. En la secundaria, Pizarnik fue una estudiante rebelde que escribía de noche en una pequeña libreta negra mientras leía a Faulkner y Sartre, además de los franceses Artaud, Baudeleire, Mallarmé, Rilke, Rimbaud, y se fascinaba con el surrealismo. En 1954 ingresó a la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires, donde se cambió de la carrera de Filosofía a la de Periodismo, luego a Letras y finalmente al taller del pintor Juan Batlle Planas, pero luego abandonó todo estudio formal. Allí conoció a Juan Bajarlía, quien la acercaría a los movimientos de vanguardia y la ayudó a corregir su primer libro: "La tierra más ajena", el cual costeó su padre y lo firmó con su nombre completo: Flora Alejandra Pizarnik. La escritora soñaba con ir a Francia y pudo vivir en París durante cuatro años (1960 -1964); años fundamentales para la evolución de su estilo y para poder disfrutar una intensa vida social y cultural. Con el escritor Julio Cortázar mantuvo una amistad hasta su muerte e incluso se llegó a decir que el personaje de La Maga de la obra "Rayuela" se habría inspirado en ella, pero Cortázar, aunque no lo desmintió públicamente, escribió a un amigo que cuando la conoció ya había terminado el libro. En 1964 regresó a Buenos Aires como una poeta madura. En lo personal, según sus amigos, volvió más torturada y viviendo una agudización de sus tendencias obsesivas, hasta su desenlace fatal en 1972. El film documental "Alejandra" de Virna Molina y Ernesto Ardito, narra la vida de la Pizarnik, desde los principales conflictos que fueron dejando una profunda marca en su obra, bajo el contexto de ruptura y vanguardia de los años 60’ y 70’. Con un lenguaje cinematográfico intimista y sensorial, y un relato cargado de tensiones psicológicas y pasionales, la puesta sumerge al espectador en el universo interno de Alejandra, para comprenderla desde su núcleo creativo y humano. Así, sus diarios personales, sus cartas, sus poemas, el relato de sus amigos y familiares; son la herramienta que arrojan pistas sobre el misterioso camino que la llevó a su autodestrucción. Hoy, luego de su muerte y tras ser censurada por la dictadura, fue redescubierta por las nuevas generaciones, quienes la convirtieron en un mito, siendo la poeta argentina más leída.

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Alejandra [2013]


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La bici de Juliette & Giovanni


De joven moría de risa, ahora de melancolía. 
[Juliette Lewis, con Giovanni Ribisi]

miércoles, 1 de mayo de 2019

Autoluminescent: Rowland S. Howard [2011]



¿Cuál podría llegar a ser el equivalente musical de la prosa oscura de Edgar Allan Poe o Lord Byron, del existencialismo nietzscheano o del cine expresionista alemán de Lang y su heredero Herzog? Difícil es encontrarlo, pero en la figura de Rowland S. Howard converge un poco de cada uno de estos referentes. El músico absorbió en sus jóvenes años dramáticas influencias que naturalmente se plasmaron a lo largo de su carrera en canciones de heridas abiertas provocadas por profundas espinas que jamás pudo desenterrar. Ese fue su sello: poesía romántica y gótica, una escalofriante voz melancólica que penetra bajo la piel y los huesos y una forma única y personal de tocar la guitarra, que alojó su particular estilo en el no-virtuosismo. Lamentablemente, su legado es reverenciado por unos pocos y desconocido por unos cuantos, aún en tiempos donde todo se expande cibernéticamente. Quizás por ese motivo y con el fin de rendirle un merecido tributo, salió en el 2011 el documental "Autoluminescent", co-dirigido por Richard Lowenstein y Lynn-Maree Milburn. El film preserva con mucho cuidado las frágiles memorias del cantante y guitarrista, recordado por su hermético círculo de íntimos y admiradores (Nick Cave, Lydia Lunch, Mick Harvey, Genevieve McGuckin, Henry Rollins, Thurston Moore, Nick Zinner, Bobby Gillespie, Kevin Shields, Douglas Hart). Todos coinciden en que era un ser con una extraña vibra enigmática guardado al silencio de las emociones, un romántico empedernido de personalidad enamoradiza, un sensible introspectivo que tenía mejores migas con la compañía femenina que masculina. Howard arrancó como un pretencioso adolescente de la Blank Generation en la escena post-punk australiana, tocando en Young Charlatans para luego unirse en el ‘78 a la formación de The Boys Next Door junto a Nick Cave y el baterista Mick Harvey. Ante el consejo de muchos, la banda emigró hacia Londres para ‘estar en la cresta de la ola’, donde pasó a llamarse The Birthday Party. Contrariamente a lo esperado, no hubo demasiada aceptación de su música ni en la capital inglesa ni en Nueva York porque la tendencia apuntaba hacia el synth pop y se consideraba a la propuesta demasiado violenta, visceral, profana y aterradora. Entonces se trasladaron al oeste de Berlín, donde finalmente dieron en el blanco, con un público con el que congeniaron, al que el cineasta Wim Wenders describió como ‘personajes marginales vampirezcos salidos de la mezcla entre Nosferatu y El Gabinete Del Dr. Caligari’. Allí las tensiones se empezaron a acentuar y las búsquedas sonoras y líricas de Nick y Rowland se bifurcaron, dando por resultado la separación del grupo en 1983 y el surgimiento de dos proyectos a partir del desmembramiento: The Bad Seeds (con Blixa Bargeld de Einstürzende Neubauten) y la reformación de Crime and the City Solution, que incorporó a Rowland y a Mick Havey a sus filas. Pero es en su breve etapa solista donde se pueden resumir los aportes que trajo a la música, con dos recomendables obras: el punto más elevado y maduro con "Teenage Snuff Film" (1999) y "Pop Crimes" (2009). La película se vale de imágenes de archivo monocromáticas, entrevistas y lecturas que J.P. Shilo hace del manuscrito inédito "Etceteracide" de Howard para construir un retrato oscuro de belleza elegante y triste que, entre niebla, cigarrillos y anécdotas, ensambla fielmente con la vida del músico. Se narran desde sus días de experimentación musical, pasando por su período de adicción a la heroína y el fuerte vínculo con sus ex parejas hasta llegar al momento de su partida, a los 50 años, a causa de un cáncer de hígado. Sin su legado sería inconcebible la idea de bandas posteriores como Savages, The Jesus & Mary Chain, Pulp, The Horrors o hasta la incursión de David Lynch en el mundo musical. "Autoluminescent" es una construcción claroscura, emotiva y respetuosa hacia su persona. La imagen congelada del final habla por sí misma: detrás de la triste y lúgubre mirada de príncipe dark de Rowland hay un pequeño brillo, un destello interior de luminosidad y color que unos pocos conocen o vieron y que queda inmortalizado hasta sus últimos días con este brillante film.

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Autoluminescent: Rowland S. Howard [2011]


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Los miedosos

> Por Biciman.©   



Tienen miedo. A Dios. Al otro. A la otra. A pensar distinto. Al esfuerzo de pensar distinto. A no saber defenderse sin un arma. A no saber. A Dios. A la guerra. A la paz. A aburrirse. A no tener a quién odiar. A que el otro gane más. A leer. A entender. A la verdad. A Dios. A no saber defenderse sin Dios. A la cárcel de la soledad. A la muerte. A no poder matar. A no vender. A no comprar. A Dios. A la televisión. A no poder ver la televisión. A lo que no está en la televisión. A lo anormal. A que les saquen las normas. A las mujeres. A sentir distinto. Al esfuerzo de sentir distinto. A Dios. A papá. A mamá. Y al hombre de la Bolsa. Deberíamos ser astutamente comprensivos, ayudarlos y ayudarnos a estar mejor. Pero a veces no. A veces te cagás en sus miedos. Porque sus miedos se cagan en vos.

Eat That Question: Frank Zappa in His Own Words [2016]



El genio explicado en sus propias palabras. Palabras precisas, pausadas y armadas de coherencia con las que el compositor estadounidense Frank Zappa dispara contra la industria discográfica, las drogas, el poder judicial, la política, la falsa moral. Palabras con las que se explica a sí mismo. Palabras para expresar pasión por la música. Carisma. Insubordinación. Extravagancia. Integridad. Vanguardismo. Autenticidad. Así es el Zappa que presenta el documental francés "Eat that question", dirigido por Thorsten Schütte y que ha contado con el apoyo de la familia del artista. Para su elaboración, el cineasta ha recopilado varias actuaciones y entrevistas televisadas de Frank Zappa, desde su juventud, cuando insistía en que podía hacer música utilizado una bicicleta como instrumento, hasta su fallecimiento por un cáncer de próstata a los 52 años en 1993. No hay narrador ni declaraciones de las personas que lo conocieron. Sólo él. Y sus entrevistadores. Y su música. Y sus letras. Frank Zappa fue lo que hoy llamaríamos un artista 360. Su carrera no sólo se centró en la composición musical: fue director de cine, productor discográfico, cantante, guitarrista. Lo cierto es que durante su infancia enfermiza nada hacía suponer una carrera similar. Fue un artículo en la revista Look lo que le hizo fijarse en las composciones de Edgard Varèse, un episodio que despertó al genio creativo. El artículo decía que en su pieza "Ionisation", no había "nada más que batería, es disonante y horrible, la peor música del mundo", lo que llamó automáticamente la atención del joven Zappa, que ya de adulto siempre citó entre sus primeras influencias a Varèse, "La consagración de la primavera" del ruso Igor Stravinski y al autor dodecafonista austríaco Anton Webern. Zappa, que detestaba las letras de amor (en su opinión, estas letras dictan normas de conducta subconsciente), defendía que las palabras de una canción son "ruidos vocales armonizados" al servicio del conjunto de la pieza. La sexualización de sus temas le reportó fama de subersivo y, en 1985, se vio obligado a testificar ante el Senado de EE.UU. para evitar que la censura del Parents Music Resource Center, organismo del que formaba parte la mujer de Al Gore, etiquetara sus discos alertando de su contenido sexual. En su lugar, Zappa denunció la "teocracia fascista" de su país e incluyó esta advertencia en sus discos: "¡CUIDADO! Este álbum contiene material que una sociedad verdaderamente libre nunca temería ni suprimiría. (...) Esta garantía es tan real como la de los fundamentalistas que atacan la música rock en su vano intento de transformar Norteamérica en una nación de estúpidos (en el nombre de Jesucristo)". Zappa fue un compositor prolífico. Publicó más de sesenta álbumes en vida (en solitario y con The Mothers of invention) y otros cuarenta póstumos. Su estilo evolucionó con los años y tras el rock experimental y doo-wop iniciales, transitó por el jazz y el pop para desembocar en el mar de la música sinfónica en la década de los noventa. El director Thorsten Schütte hace el apoteósico intento de mostrar una obra monumental en apenas hora y media de metraje. Y cuando este llega a su fin, tenemos la sensación de conocer un poquito más sobre esta vibrante mente, quizá una de las más grandes de la música del siglo 20, a la que no le importó no ser recordada (esos anhelos los dejaba para Ronald Reagan y su "obscena forma de conseguir fama y fortuna") y que incluso reconocía: "Soy famoso, aunque la mayoría de la gente no sabe qué hago".

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Eat That Question: Frank Zappa in His Own Words [2016]


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La bici de Julie


El cuerpo cambia más rápido que la ropa. 
[Julie Ordon]

The Trip Hop Sessions Vol 13



>Tracklist

01- Who Am I [Animatrix Edit] - Peace Orchestra
02- Theme From Nowhere - The Prunes
03- See The Light [Feat. Junior Delgado] - Sofa Surfers
04- Fuck Dub [Reloaded Mix] - Tosca
05- Rendez Vous - Lemongrass
06- Ocean Air - Dzihan & Kamien
07- Rollin' On Chrome [Wild Motherfucker Dub] - Aphrodelics
08- In China - Black & Brown
09- White Noise - Sofa Surfers
10- Captain Webb - Baby Mammoth


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The Trip Hop Sessions Vol 13


Telegrama

> Por Rupi Kaur.



No quiero tenerte
para completar las partes vacías de mi misma
quiero estar completa yo sola.
Quiero estar tan completa
que pudiera iluminar una ciudad entera
y luego
quiero tenerte
porque los dos
combinados
la podríamos prender
fuego.


Girl [2018]



Algunos productores tienen un ojo impecable para escoger los proyectos más arriesgados y encontrar la aguja de oro en el pajar de millones de guiones, con una facilidad sorprendente. Tras el éxito de "The Broken Circle Breakdown" (Alabama Monroe) en 2012, el mismo equipo de producción se lanzó, sin temor alguno, a una historia nada fácil, que debía ser protagonizada por un casting casi imposible de encontrar, en las manos de un joven realizador, Lukas Dhont, que se estrenaba en el largometraje. Acierto pleno, "Girl" fue la verdadera protagonista del festival de Cannes del 2018 que le otorgó cuatro premios: Cámara de Oro, premio de interpretación de Un Certain Regard al resplandeciente Victor Polster, premio FIPRESCI de la crítica internacional y Queer Palm 2018. "Girl" (título perfecto) es una chica de 15 años, en el cuerpo de un niño, que hará todo lo posible e imaginable para realizar su sueño: convertirse en bailarina. Los esfuerzos y sacrificios que tenga que realizar no son una barrera para ella. Lara, su nombre en la película, sabe que es una mujer y quiere que su cuerpo se adapte lo más rápidamente posible a su realidad. El director belga Lukas Dhont consigue transmitir la tensión, la angustia y el esfuerzo ilimitado de Lara para lograrlo. Raramente el espectador percibe una tensión sorda pero tan intensa y continua en la gran pantalla. Las pequeñas mezquindades de adolescentes en plena explosión hormonal, el sacrificio corporal exigido por sus maestros de danza, el proceso médico que acompaña una etapa de tránsito son pruebas que Lara afronta con su mejor sonrisa en el rostro, su aparente serenidad y su tranquila elegancia. Los movimientos de cámara -libre, fluida, casi etérea que parece abrazar cada movimiento de Lara, presente en casi la totalidad de escenas- es de una belleza que corta el aliento. El protagonismo de Victor Polster es tan explosivo que no hay que olvidar la inteligencia del guión. Así como "El ladrón de bicicletas" sería otra película si no hubiese en su historia ese niño, que sigue las desventuras de su idolatrado padre, Lukas Dhont ha imaginado de manera genial, la presencia de un padre, sin ninguna referencia femenina en el ámbito familiar. Un equilibrio inesperado y una relación hipnótica en una de las mejores películas del 2018.

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Girl [2018]


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La bici de Marcello


La vejez es una condena sin derecho a recurso. 
[Marcello Mastroianni]

My Generation [2017]



Con los clásicos de Kinks, Beatles, Stones y Animals desfilando uno tras otro, el ícono del cine británico Michael Caine coproduce y narra en primerísima persona esta historia de la revolución eminentemente juvenil que atravesó todo el espectro cultural inglés –música, cine, arte, moda– de los años 60. La película, sin embargo, no es sólo una crónica, con cierto deleite nostálgico, de sus años mozos. Sobre un espectacular torrente visual de imágenes de archivo, pósteres psicodélicos, minifaldas y peinados “escandalosos”, Caine defiende la tesis de que aquella fue la primera vez que los jóvenes de extracción obrera, como él mismo, osaron reclamar un papel protagonista en la floreciente cultura popular. Y se rodea también de un lujoso elenco de voces en off de nombres clave del “swinging London”: desde estrellas pop como Paul McCartney, Roger Daltrey, Sandie Shaw o Lulu hasta adalides del pop art como Dudley Edwards, pasando por Marianne Faithfull, el fotógrafo David Bailey, el productor cinematográfico David Puttnam, la diseñadora de moda Mary Quant y modelos como Twiggy y Penelope Tree. "My Generation" es el relato, muchas veces contado pero jamás de este modo, de una sacudida cultural que quiso romper con la Inglaterra aburrida, gris y clasista de sus padres y abuelos, y que como algunos protagonistas recuerdan, se fundamentó en una enseñanza pública de calidad.

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My Generation [2017]


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Voladoras

> Por Biciman.©   



Mire que hay formas y formas de atravesar el espacio, multiplicando las ganas por cualquier número diferente a un binario. Dos piernas son menos que cuatro más todas las ruedas que faciliten deslizarse apremiante por superficies no lisas con prisas y con obstáculos. Mire que cansa, que las rutas no pasan se transan, y cada metro negocia un segundo, un minuto más, con la conmovida y elástica voluntad. Mire que las señales enseñan pero la decisión no tiene límites. Tarde o temprano hay que hacerlo bien o mal, la inercia inventa moscas que se van a quedar. El movimiento se demuestra decidiendo lo que no se puede pensar más, hay piso, piernas y ruedas; hay sillas, ventanas y puertas: todo lo cuadrado no es natural. Y hay techos que protegen de lo natural. Pero mire que los techos se caen. Y como el tiempo, el piso siempre está. Arriba o abajo está. Y si está abajo, arriba está el cielo. Y la mirada más alta. Y siempre alta la guardia. Por si las moscas se quedan. Por si las ruedas aprenden a volar.

Raymundo [2003]



Pocas personalidades de la cultura política latinoamericana resumen con tanta nitidez y contundencia las apuestas vitales de la izquierda revolucionaria. Aunque quizás menos celebrado y conocido que Rodolfo Walsh, el cineasta y militante guevarista argentino Raymundo Gleyzer (1941-1976) representa el escalón más alto al que llegó su generación. El nombre de Gleyzer ha sido durante años sinónimo de todo lo prohibido y todo lo reprimido por la cultura oficial, su falso “pluralismo” y su simulacro “democrático”. Hijo de una familia judía argentina en cuya casa se fundó el célebre teatro IFT (ubicado en el popular barrio de Once de la ciudad de Buenos Aires), Raymundo recibió su nombre de un guerrillero francés -Raymond Guyot- asesinado por los nazis. Este joven rebelde trabajó desde muy chico y llegó a ser verdaderamente un grande, uno de los principales realizadores de cortos y largometrajes documentales, políticos y de ficción sobre Argentina y América latina. Tanto él como su cine, silenciados, censurados y perseguidos con odio irracional, fueron durante décadas innombrables. Desde que fue secuestrado, torturado y desaparecido a fines de mayo de 1976, muchos de sus films fueron inhallables, símbolos de una rebeldía y una esperanza colectiva que había que borrar -literalmente- del mapa a sangre, tortura y fuego. Raymundo filmó y fotografió todo, no sólo lo referente a sus películas, sino también a su vida privada o el fuera de cámara de sus films, lo que permite recuperar y redescubrir el modo de sentir y pensar de toda una generación, desde sus actos más cotidianos hasta los más trascendentes. "Raymundo", documental del 2003 dirigido por Virna Molina y Ernesto Ardito, rescata la obra completa de Gleyzer, restaurando imágenes de los backstages de rodaje, filmaciones familiares e imágenes inéditas de la militancia revolucionaria. Con una fuerte y articulada estructura, el documental está cargado de un lenguaje sumamente emotivo, político y conceptual. A través de las imágenes registradas por Gleyzer, el espectador se vuelve un testigo privilegiado de los años '70, recorriendo ese período desde la subjetividad y el imaginario de Raymundo, un militante revolucionario.

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Raymundo [2003]


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La bici de Isabelle & Yves [2]


La pasión es todo menos suave. 
[Isabelle Adjani, con Yves Montand]

viernes, 5 de octubre de 2018

Long Strange Trip [2017]



Festivas ceremonias llenas de lisergia, sinceros hippies de San Francisco enlazados con la tradición sonora americana y despreocupadas disoluciones psicodélicas puestas en escena de forma dilatada y comunal. Estos son algunos de los rasgos en la naturaleza como banda de una de las grandes formaciones surgidas en la Norteamérica de los años 60: The Grateful Dead. En plena efervescencia del LSD, legal por esa época, el grupo fue elegido por el escritor de la Generación Beat, Ken Kesey (famoso por ser el autor del libro “Alguien Voló Sobre El Nido Del Cuco”, llevado a la pantalla con éxito por Milos Forman), para participar en los Test de Ácido y ser las estrellas de sus fiestas musicales repletas de ácido denominadas “Trips Festivals”, organizadas junto a Kesey por Bill Graham o Stewart Brand, en las que participaban gente como Jefferson Airplane, Country Joe & The Fish o Quicksilver Messenger Service. Los conciertos de los Grateful Dead, basados en improvisados sonidos lisérgicos con largos pasajes instrumentales que, desde la psicodelia, ofrecían sonidos folk, country, rock, jazz o blues, fueron acrecentando con el paso de su trayectoria un masivo seguimiento por el área de San Francisco, convirtiendo a los Dead en un grupo de culto entre sus prosélitos, denominados The Deadheads, quienes seguían a la banda por todas las localidades en las que actuaban. Luego de varios altibajos en los setenta y ochenta, sus legendarios conciertos continuaron hasta que en 1992 García sufrió una indisposición derivada de su adicción a la heroína. Tres años después, el 9 de agosto de 1995, falleció de un ataque al corazón a los 53 años, poniendo punto y final a su vida y a la de The Grateful Dead, uno de los grupos más importantes de la psicodelia de San Francisco e inspirador de multitud de jam bands en todo el mundo, como Phish, Blues Traveler o The Dave Matthews Band. Dirigida por Amir Bar-Lev junto a Martin Scorsese en la producción ejecutiva, "Long Strange Trip" es el primer documental de muy larga duración (casi 4 horas divididas en 6 capítulos) que explora, desde una visión independiente, la innovación perpetua y el compromiso con el público que hizo posible que la banda de Bay Area fuese uno de los grupos musicales más influyentes de su generación, pese a que Grateful Dead apuntaba a tener la historia menos exitosa del rock and roll. El documental recoge entrevistas en profundidad con la banda, el equipo de las giras, familiares y Deadheads representativos. Además, Bar-Lev revela la historia nunca contada de la banda y de la subcultura psicodélica que giraba alrededor de ella. El documental también muestra la visión de su último guitarrista, Jerry García, cuyos problemas con la autoridad contribuyeron a generar más escándalos en torno al grupo. "Long Strange Trip" explora el singular experimento de Grateful Dead en la creación y producción de música ecléctica radical y va más allá de la historia que hay detrás de la música de un grupo de artistas excepcionalmente talentosos y queridos, y muestra de manera inspiradora la expresión artística sin trabas, la tragedia americana y una visión incisiva sobre el ascenso y caída de la contracultura del siglo 20.

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Long Strange Trip [2017]


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Metafísica

> Por Biciman.©   



A veces me dan tantas ganas de verte / que me pica la razón / me hace cosquillas el ego / quiero más de lo que soy / siento más de lo que puedo / y cuando vuelvo del centro / al costado siempre mío / y me miro el corazón / hipertrofiado de ansia / por un bobazo de anhelo / ¿hasta dónde la pasión / llega con tanto revuelo? / no soy gallina ni huevo / soy mi tiempo en este cuerpo / me lo digo me recuerdo / soy el viento que me arrasa / soy el clima que no acierto / ¿desde cuándo la razón / debe más de lo que tengo? / no hay sentido sin sentirlo / pero sentirlo es mi techo / pensarlo son las paredes / tan sordas como un ladrillo / es el piso donde caigo / donde entro donde salgo / donde quiero lo que tengo / y si voy a pensar en algo / me lo digo me recuerdo / que sean las puertas que abro / las ventanas que rompe el tiempo / los rayos que me dan cielo / y me muestran el espacio / para encontrarme en el hecho / de que pasa lo que pasa / porque el diablo sobrevive / porque el ángel no está muerto.

Psychedelic Britannia [2015]



El rock psicodélico es un estilo de música que está inspirado o influenciado por la cultura psicodélica e intenta replicar y potenciar las experiencias con drogas psicodélicas que alteran la mente, siendo el LSD la más notable. A menudo utiliza nuevos efectos y técnicas de grabación y se inspira en fuentes como los ragas y pedales de la música india. Fue iniciado por músicos de pop y rock como The Beatles, The Beach Boys y The Byrds surgiendo como un género a mediados de la década de los 60 entre las bandas basadas en música folk, blues y jazz en el Reino Unido y Estados Unidos. Alcanzó su punto máximo entre 1966 y 1969 con eventos hito como el Verano del Amor de 1967 y el Festival de Woodstock de 1969 respectivamente, convirtiéndose en un movimiento musical internacional y asociado a una contracultura generalizada antes de iniciar un descenso, ya que el cambio de actitudes, la pérdida de algunos individuos clave y un movimiento de volver-a-lo-básico llevaron a los músicos sobrevivientes a moverse hacia nuevas áreas musicales. En los años 60, había dos principales tipos de rock psicodélico: la variante versátil británica y la más fuerte con el rock ácido de la costa oeste de Estados Unidos. "Psychedelic Britannia" es un documental de la BBC inglesa que explora el nacimiento y la caída de uno de los períodos más visionarios de la historia de la música británica: cinco años caleidoscópicos entre 1965 y 1970 cuando un puñado de soñadores reimaginaron la música pop, cuando una generación de bandas de R&B británicas descubrieron el LSD y las tradiciones comenzaron a ser cuestionadas. Saliendo del under bohemio y pasando al mainstream pop, la épica psicodélica produjo algunos de los sonidos más revolucionarios de esa época, siendo las pioneras algunas jóvenes bandas de improvisación como Soft Machine y Pink Floyd, y luego propagándose a los charts ingleses con los Beatles, Procol Harum, los Small Faces y los Moody Blues, y llegando a la campiña británica con el sonido de la Incredible String Band y Vashti Bunyan. "Psychedelic Britannia" es un viaje al pasado musical de la psicodelia, un movimiento de notable influencia en el arte contemporáneo y más allá.

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Psychedelic Britannia [2015]


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La bici de Gemma


A veces me gustaría no parecer un alien. 
[Gemma Ward]

The Blue Note Collection Vol 7



>Tracklist

01- Moving City [The Cinematic Orchestra Remix] - Faze Action
02- The Project Part 1 - Low Fidelity Jet Set Orchestra
03- Electric Boogaloo - Modulo5
04- Guauanco [The Cinematic Orchestra Remix] - Les Gammas
05- The Project Part 2 - Low Fidelity Jet Set Orchestra
06- Miles 2000 - Modulo5
07- Good Bad - Povo
08- Cool Affair - Black & Brown
09- Escapism - Metropolitan Jazz Affair
10- Coffee Table Music - Modulo5


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The Blue Note Collection Vol 7


Sin prisa

> Por Fernando Pessoa.


No tengo prisa: no la tienen el sol ni la luna. Nadie camina más de prisa que sus piernas. Si donde quiero estar está lejos, no estoy allá en un momento. No tengo prisa, ¿prisa de qué? No tienen prisa el sol y la luna: son exactos. Tener prisa es creer que vamos por delante de las piernas, o que, al dar un salto, hemos saltado sobre nuestra sombra. No; no sé tener prisa. Si extiendo el brazo, llego exactamente a donde mi brazo llega: ni un centímetro más lejos. Toco sólo donde toco, no donde pienso. Sólo me puedo sentar donde estoy. Y esto hace reír como todas las verdades absolutamente verdaderas. Pero lo que hace reír de veras es que siempre pensamos en otra cosa y vivimos evadidos de nuestra realidad. Y estamos siempre fuera de ella porque estamos aquí.

In Den Tag Hinein [2001]



El nuevo cine alemán, el de la llamada Escuela de Berlín, es un cine realista y estilizado como cierto cine oriental de corte minimalista, y por lo visto y sobretodo leído, ya que dentro y fuera de Alemania su difusión ha sido exigua o limitada a festivales independientes, tampoco es tan nuevo. Sus orígenes están en medio de los noventa y se desarrolla durante los dos mil. A este período precisamente corresponde el primer largometraje de María Speth, "In Den Tag Hinein", cuya traducción sería “Entrado el día” o “Bien adentro del día” o “En el fondo del día”, aún cuando en inglés se simplificó como "The days between". El dato no es superfluo ya que no por nada buena parte del filme transcurre a esas horas cuando todavía no es de noche pero tampoco de día: la hora azul o mágica, que puede ser poco antes de que amanezca o de que anochezca, y es cuando los jóvenes protagonistas –dos adolescentes tardíos– discurren y juntan sus soledades, estirando las horas del día o la noche hasta transformarlas en un tiempo fantasmal y perfecto para que tengan lugar sus citas. Lynn (Sabine Timoteo) reside en el departamento de su hermano junto a la familia de éste: su esposa y sus dos hijas. Vive en una habitación y en el cuarto de baño más que en la casa misma. Trabaja de cajera en un comedor universitario y de go go dancer en un club. En la medida que se distancia de su novio, un pragmático y frío nadador más interesado en entrenarse que en ella, conoce a Koji (Hiroki Mano), un estudiante japonés que apenas habla alemán pero con quien dará paseos en bicicleta, robará en un centro comercial y se emborrachará mirando los aviones; con él compartirá un sentido de libertad y ligereza que no logra con los demás. Koji, por supuesto, se enamora de ella, y su éxtasis (ilustrado en un notable y solitario baile al ritmo de Miles Davis mientras Lynn yace ebria en su cama al amanecer) se entiende a partir de una de las premisas de esta película: máximo de conexión con el mínimo de palabras o ninguna. Por esto no es de extrañar que Lynn se comunique más y mejor con quienes no puede usarlas, con Koji, desde luego, o con una de sus sobrinas que es muda y con quien habla a través de señas, transformando los silencios, el silencio, de pronto, en una extraña forma de comunión al mismo tiempo que la alejan de su vida real sujeta a responsabilidades y compromisos, sumiéndola finalmente en el fondo de sí misma. La película de Speth, pese a su enorme contemporaneidad, comparte más rasgos con ese género literario tan alemán que es el romanticismo de fines del siglo XVIII: la prevalecencia de los sentimientos sobre la razón y la técnica, la melancolía, la búsqueda de libertad versus el aislamiento, el amor y la muerte, la desesperación existencial del individuo frente al choque que le supone la realidad y la preferencia por paisajes naturales que den cuenta de sus tumultuosos sentimientos, que en este caso son urbanos, impersonales y berlineses, paisajes de cemento donde Lynn y Koji se acompañarán en eventos nada extraordinarios pero dotados de una gran carga emocional, que es lo que se resalta finalmente en cada plano. ¿De qué otra cosa -parece decirnos la directora- puede servir una historia si no es para dar cuenta de las emociones humanas? Y en "In Den Tag Hinein" además las provoca.

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In Den Tag Hinein [2001]


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La bici de Jean-Louis


No es que reniegue del cine,
simplemente me interesa más el vino
. 
[Jean-Louis Trintignant]

Jim & Andy: The Great Beyond [2017]



Es el show de David Letterman del 15 de octubre de 1980. Andy Kaufman entra con los aplausos. Despeinado, mal vestido, descuidado, un hilo de moco le cae por el bigote incipiente camino a la boca. Risas entrecortadas, risas indecisas, pero risas al fin. El público estadounidense está frente a una forma de humor que nunca ha experimentado. Este loco ha hecho cosas parecidas antes, pero siempre puede ir más lejos. El presentador, desencajado como todos a quienes capta la cámara, procura una pizca de seriedad; trata de conversar con el humorista pero la charla no avanza. El invitado lo desconcierta. Desconcierta a todo el mundo cuando dice que renunció a "Taxi", una exitosísima serie, y que no sabe si estará de nuevo en "Saturday Night Live". Letterman lo invita a hacer su número y él se va al centro, se sienta en un banquillo y comienza a hablar de su vida desgraciada. Algunos ríen pero él les pide que no lo hagan. También ruega que le den algo de dinero porque está en la quiebra. Se va tras cámaras, se acerca a la audiencia, recoge algo de efectivo moviéndose entre las butacas y se marcha. Ovación. Cuenta la leyenda que Andy Kaufman (Nueva York, 1949-1984) llevaba sus bromas hasta las últimas consecuencias. Cuando se inventó la disparatada Lucha Libre Intersexos y fue golpeado por un luchador profesional. Cuando leyó "El Gran Gatsby" en una presentación de stand up comedy. Cuando hizo que una señora fingiera un infarto en pleno show en el Carnegie Hall. Estos episodios, todos reseñados en la película biográfica "Man on the moon" (1999), correspondían a un humor que no era únicamente para reír. Era la comedia llevada al extremo, rozando el performance, buscando mover otros músculos que jamás mueven aquellos que no entienden de sarcasmos, ironías y absurdos. Por supuesto que Jim Carrey lo tuvo en un pedestal desde la primera vez que lo vio en pantalla. Claro que se hizo su fan desde jovencito. Desde luego se identificó con él, más aún al conocer su historia personal. Así lo cuenta el actor canadiense en el documental "Jim & Andy: The great beyond", cuando se encuentra frente a frente con su yo de hace dos décadas. Su yo al que le tocó interpretar a su ídolo. Una cámara siguió a Jim Carrey durante todo el rodaje de "Man on the moon". Mientras interactuaba con el resto del equipo en el área de catering. En su camerino. En el cuarto de maquillaje. Durante sus charlas con REM, agrupación que aportó dos grandes canciones a la banda sonora: una editada en 1992 y titulada “Man on the moon”, con varias alusiones a Andy Kaufman; y otra, “The great beyond”, hecha especialmente para el film. Esas imágenes permanecieron cajoneadas en una oficina durante casi 20 años, hasta que en 2017 Spike Jonze ("Her", "Being John Malkovich"), quien firmó como productor del documental, movió sus tentáculos para que fueran aprovechadas. Para Jim Carrey no fue un papel más. Hacer de Andy Kaufman fue un trabajo que le cambió la vida. Una experiencia mística. Y también lo fue para el resto del equipo, que veía cómo Andy Kaufman había revivido en plena década de los 90. Que en lugar de llegar Carrey, cada día entraba al set un cuerpo que prácticamente había alojado a Kaufman, muerto prematuramente a sus 35 años de edad por un cáncer que lo consumió en cuestión de meses. Danny De Vito, Tony Danza, Paul Giamatti. Todos miran a la cámara con cara de impresión. Qué extraño. Es exactamente como era él. Todo esto es surreal. Porque Jim Carrey nunca iba al rodaje. Iba sólo Andy Kaufman. Siempre Andy Kaufman. Y había que referirse a él de esa manera y tratarlo como tal. Y como a él le hubiese encantado, Carrey llevó su nueva broma hasta el extremo, agotando la paciencia de Milos Forman, director de la película, quien en el fondo y a la postre agradeció el compromiso y ese ingrediente de demencia reencarnada que convirtió aquella película en un clásico instantáneo.

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Jim & Andy: The Great Beyond [2017]


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