viernes, 23 de octubre de 2020

American Utopia [2020]


D
irigida por Spike Lee, "American Utopia" es la grabación de la obra de teatro musical que Byrne y un grupo de talentosos músicos hicieron en el Hudson Theatre de Broadway, en Nueva York, durante unas pocas semanas entre finales de 2019 y principios de 2020. Spike Lee consigue dotar a "American Utopia" de mucho sabor cinematográfico. El musical está filmado a menudo no solo desde el punto de vista del público, sino también desde el mismo escenario, permitiéndole al espectador tener una perspectiva envolvente. Tal vez la escenografía contribuya a dotar precisamente esta obra de un look no tan teatral. La puesta en escena se ha diseñado en color gris y un escenario simple y falto de mobiliario, con un aspecto elegante y neutro a la vez. Tanto Byrne como sus músicos van vestidos también con trajes grises. Unos trajes eso sí, que dan la sensación de ser perfectamente cómodos y con los que los intérpretes incluso hacen coreografías de baile, además de tocar instrumentos. Parte de esa elegancia y minimalismo que empapan toda esta obra se debe también al hecho de que Byrne y el resto de músicos vayan descalzos. Prácticamente hipnótico es el tema musical "Toe Jam" en el que vemos los pies de varios intérpretes en primer plano y moviéndose por el escenario al ritmo de la música. Durante el musical, Byrne hace un llamado a la gente para que voten, dando estadísticas sobre el bajo porcentaje de voto en Estados Unidos. También hay un momento emotivo en el que Byrne versiona el tema de Janelle Monáe "Hell You Talmbout" y se hace un homenaje a las víctimas negras estadounidenses de la violencia policial. Byrne se refiere a este tema como "una canción sobre la posibilidad de cambio". Lee consigue capturar prácticamente de forma íntegra la magia de una actuación en directo. Al terminar el concierto sigue a los músicos entre bastidores y nos muestra a Byrne y el resto de intérpretes saliendo del teatro en bicicleta y circulando por las calles de Nueva York. El musical reflexiona sobre una utopía estadounidense vista desde la lente de Byrne y que es imposible que no levante el ánimo del espectador. El título de esta película lo dice todo, esta es la utopía americana de David Byrne. Una utopía que a finales de 2020, después de un año difícil y de tanta incertidumbre, se hace especialmente esperanzadora.


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American Utopia [2020]


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Confesión cavernícola

Por Biciman
.
©  



Yo los miedos / yo mi culpa
por los miedos / por mi culpa.
Yo no hablo / yo no escucho
yo no salgo / yo adentro
cabeza adentro / patas adentro
yo la tortuga más rápida del mundo.
Yo la quiero / yo no quiero
yo quererme / sin quererla.
Yo me quiero:
yo que hablo / yo que escucho
yo que salgo / yo afuera
lengua afuera / todo afuera
yo el amor más lento del mundo.

The Other One: The Long, Strange Trip of Bob Weir [2014]


L
os Grateful Dead pusieron música a una forma de entender la vida. Fueron los predicadores de aquella religión de hermandad, conciertos eternos y viajes constantes. Para los deadheads y para el mundo Jerry Garcia siempre será el líder, la figura clave de The Grateful Dead. Sin embargo, este documental se centra –como su nombre lo dice- en el número dos de la legendaria agrupación, Bob Weir. Aquí nos enteramos de su vida y de todas las leyendas que hay en su paso por esta gran banda, desde mediados de los 60’s , hasta "The Other Ones", conocidos más tarde como The Dead, grupo inicialmente integrado por ex miembros de Grateful Dead. Pero hace tiempo que Bob Weir puso fin a esa vida de carretera, actuaciones y noches largas. Su historia la contó hace unos años en este documental producido por Netflix que narra su vida desde que siendo un niño dejó su hogar para habitar otro mundo, uno que ya parece demasiado lejano y borroso. La película dirigida por Mike Fleiss presenta entrevistas realizadas con miembros vivos de la banda y amigos, incluidos Bob Weir y su esposa Natascha, Mickey Hart, Bill Kreutzmann, Phil Lesh y John Perry Barlow, junto con otros músicos como Mike Gordon, Perry Farrell, Lee Ranaldo, Jorma, Kaukonen y Sammy Hagar.


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The Other One: The Long, Strange Trip of Bob Weir [2014]


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La bici de Patrick

Señora Peel, nos necesitan...
[Patrick Macnee]

The Trip Hop Sessions Vol 14


>Tracklist


01- Closer - Rare
02- Oblivious [Feat. Evantronic] - Anitek
03- Roots - Healing Noises
04- Tilla - Frizzy P & Mr Cole
05- People - Viktor Van River
06- Take You There [Feat. Sarah Dawson] - Loupo
07- Alpha Boulevard - Goomar
08- Ghost Pong - Emancipator
09- Insensible - Mandalay
10- Blunted Ride - Rust Cohle

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The Trip Hop Sessions Vol 14

Alto altruismo

Por Biciman.©  



Sale del esófago
un pálpito bruto
no es temblor
ni clamor
es una gracia
algo que sonríe
sin mirar
sin saber
sin querer
otra cosa
que dar.

And Breathe Normally [2018]


E
l destino, el azar o la providencia une los caminos de dos mujeres en la Islandia actual. Por un lado una islandesa que intenta ganarse un puesto de trabajo como controladora de pasaportes en un aeropuerto, por otro una inmigrante ilegal de Guinea-Bissau. Son dos mujeres unidas por el sufrimiento y la incertidumbre ante el devenir de ese juez implacable que es el paso del tiempo. Con padecimientos distintos, existencial el de la inmigrante que ve peligrar su vida si es deportada a su país de origen; de orden económico el de la autóctona, con un hijo a sus espaldas y desalojada de su vivienda por impagos. El encuentro de estas dos mujeres abre una vía hacia la esperanza, con una solidaridad desinteresada y altruista, que toca nervios sensibles en días dónde asuntos tan trascendentes como la inmigración, sus causas y consecuencias, suelen ser despachados con brocha gorda. Las inclemencias meteorológicas que soporta esta pequeña y remota isla del Atlántico Norte, ayudan a retratar la tempestad que hace zozobrar la vida de estas mujeres unidas en su soledad. Un leve roce de manos y unas miradas que detienen el tiempo, ponen el broche a una breve pero intensísima relación, en la que ambas se dicen sin verbalizar, gracias.


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And Breathe Normally [2018]


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La bici de Goldie

A menudo te encuentras con tu destino 
en el camino que tomas para evitarlo. 
[Goldie Hawn]

QT8: The First Eight [2019]


"Q
uentin Tarantino es al cine lo que Caravaggio a la pintura. Un exponente, un ícono, una revolución dentro del séptimo arte. Es irrefutable que su irrupción en la industria marcó un antes y un después. Son pocos los capaces de crear un universo aparte dentro de un todo. Algo independiente. Algo 'tarantiniano'. Una subcultura que nos ha marcado, con la que hemos crecido. Tanto espectadores como nuevos creadores. Es decir, un referente". La directora Tara Wood hace una aproximación de la carrera de Quentin, gracias al testimonio de los actores que han trabajado con él. Michael Madsen, Tim Roth, Christoph Walt, Samuel L. Jackson, Jamie Foxx o el ya desaparecido Robert Forster, evocan el recuerdo de sus rodajes, dando detalles muy interesantes desde el punto de vista artístico. De cómo el director entiende el cine, alejado del academicismo y rodándolo desde su primera experiencia como amante del séptimo arte. "QT8: The First Eight" es una extensa radiografía de cómo un cineasta se va reinventando, sin perder su esencia. Una auténtica delicia para los fans del 'enfant terrible'. El documental de Tara Wood también es la muestra de como el cine de Quentin Tarantino va asociado a la mujer. Sus chicas, por así decirlo. No las típicas princesas en apuros, que necesitan ser rescatadas. Que también las hay, como en Django desencadenado (Kerry Washington). Sino, más bien, esas heroínas que meten una patada tras otra en las pelotas de los hombres: como Uma Thurman, en Kill Bill, o Pam Grier, en Jackie Brown. Sin olvidar a esas vengadoras de Death Proof. Western, comedia, acción, la violencia intrínseca de sus trabajos, construyen un documental necesario para los fans del cineasta norteamericano.


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QT8: The First Eight [2019]


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Ido

Por Biciman.©  



Si hubiera algún lugar 
adonde ir
yo iría.
Si no lo hay
no me quedo.
Me voy
adonde no iría.

Betty: They Say I'm Different [2017]


R
eina funk ya en los años setenta, Betty Davis tenía todo para marcar una trayectoria como un ícono a la vanguardia de la música aforamericana: el atrevimiento, el talento, una impactante presencia física, el respeto (incluso de Jimi Hendrix y Sly Stone) y la disposición juvenil a devorarse Nueva York. Sin embargo, hay decisiones sentimentales incompatibles con una carrera de éxito. Y ella cayó en una de las más evidentes: casarse con un genio. Como esposa de Miles Davis —a quien sin duda influyó en ideas para sus discos y fotos—, Betty no tuvo más opción que ceder el foco de atención y dejar sus ansias de gloria congeladas. Luego, simplemente desapareció. Esta es la historia de un talento pendiente de mayor reconocimiento, y también de todo lo que puede explicar su retiro y recaída en la pobreza. Betty Davis debe ser reconocida hoy como una pionera feminista, que hace décadas demostró ser hábil en la autogestión y la propuesta rupturista. "Madonna antes de Madonna; Prince antes de Prince", la describe alguien. El equipo detrás de este documental consigue hacerla quebrar décadas de silencio y misterio. Ella misma certifica que ha llegado su hora de hablar.


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Betty: They Say I'm Different [2017]


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La bici de Kevin & Nelson

Es increíble todo lo que puedes hacer 
cuando no tienes que mirarte más en el espejo. 
[Kevin Bacon, con Nelson Vails]

viernes, 17 de julio de 2020

Depeche Mode: Spirits In The Forest [2019]



A través de la lente de Anton Corbijn, "Spirits in the forest" nos transporta a la intimidad de Depeche Mode. Aquí no hay declaraciones reveladoras por parte de sus integrantes, ni testimonios de artistas famosos respecto a la banda. Lo que sustenta este nuevo documental son las experiencias personales de seis fans de distintas nacionalidades y diferentes circunstancias. Estas historias se entrelazan y convergen en el último concierto de la gira Global Spirit, celebrado en el Teatro del Bosque en Berlín. Nadie mejor que los mismos fans para explicar la historia, pero sobre todo el impacto que puede tener una banda en la vida de sus seguidores. La mayoría de los testimonios son recabados en las habitaciones de los protagonistas, los cuales se combinan con algunos fragmentos del concierto en Berlín, tanto en las escenas de los fans como en las del concierto, se puede apreciar un riguroso close up de los rostros, una metáfora bastante interesante por parte de Anton Corbjin. Y, aunque uno de los hijos de los protagonistas trate de explicar el concepto de Depeche Mode de manera enciclopédica, el secreto es muy sencillo: grandes melodías, letras interesantes y una gran voz. Martin L. Gore señaló que uno de los momentos de quiebre en la carrera de Depeche Mode fue el concierto en el Rose Bowl en 1988, cuando interpretaban el primer tema "Behind the Wheel", volteó a ver a David Gahan, y con la mirada y una sonrisa, sabían que después de ese día ya nada volvería a ser lo mismo. Treinta años después, Gore y Gahan siguen compartiendo esa mirada y sonrisa de complicidad, a pesar de ser una las bandas más populares en el mundo, sus conciertos son un ritual lleno de intimidad.

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Depeche Mode: Spirits In The Forest [2019]


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Abrazos

> Por Biciman.©   


¿Vas a decirme
que los brazos más fuertes del mundo
son los que levantan
doscientos años de libertad?
Mentira.
No hay verdad más poderosa
que la insistencia
de las que viven sabiendo
que sus abrazos
algún día
cambiarán la historia.
Sólo las mujeres
salvarán al mundo.
Lo demás
será su historia.


Hitsville: The Making of Motown [2019]



¿Qué tienen en común artistas tan famosos como Stevie Wonder, Marvin Gaye y Michael Jackson, aparte de haber nacido con tez negra? Todos estos artistas grabaron en Motown, una conocida compañía discográfica que operó en la ciudad de Detroit entre los años 1959 y 1972. Los principales protagonistas son Berry Gordy, fundador de la compañía, y Smokey Robinson, discípulo y amigo de Berry. Ambos, además de poseer un sólida amistad, tienen un ojo para encontrar talento artístico, como también para escribir y producir canciones que escalan hasta anclarse en las listas de singles más vendidos. Pero esta no es una historia sobre gente de orígenes humildes haciéndose millonaria en base a su talento, a pesar de lo emocionante que esto resulta. Es acerca de la filosofía de su fundador. Su deseo de generar un producto universal, de primera calidad, muchas veces cruzando barreras consideradas polémicas, como dar puestos de decisión importantes a mujeres y a blancos (Berry es afroamericano). Trata además del acercamiento entre personas de distinto color de piel, que se logró, en parte, gracias a la influencia que los artistas de Motown ejercían sobre la sociedad estadounidense. A pesar de su atención a los temas sociales, este es por sobre todo, un documental sobre la brillante música, una mezcla de pop y soul que surgió de Motown, entre los años 1959 y 1972. En el documental se puede apreciar el genio prodigioso y avasallador de Michael Jackson y de Stevie Wonder, este último lanzando su single "Fingertips", que llegó al primer lugar cuando tenía 12 años. Un dossier particularmente relevante para gente con interés en legendarios artistas como Jacksons Five, Stevie Wonder, Marvin Gaye, The Temptations, Smokey Robinson y The Supremes.

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Hitsville: The Making of Motown [2019]


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La bici de Daliah


Estas piernas fueron hechas para andar...
[Daliah Lavi]

Música para la bici 21 - Un Viaje



>Tracklist

01- Journey to the West - Elijah Nang
02- The Trip - Still Corners
03- White Sands - Tommy Guerrero
04- People Everywhere (Still Alive) - Khruangbin
05- Los Padres - Tommy Guerrero
06- Thinking Of A Place - The War On Drugs
07- Maria También - Khruangbin
08- El Camino Negro - Tommy Guerrero
09- Texas Sun - Khruangbin & Leon Bridges
10- After Midnight - Skinshape


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Música para la bici 21 - Un Viaje

Los Nadies

> Por Eduardo Galeano.

Sueñan las pulgas con comprarse un perro y sueñan los nadies con salir de pobres, que algún mágico día llueva de pronto la buena suerte, que llueva a cántaros la buena suerte; pero la buena suerte no llueve ayer, ni hoy, ni mañana, ni nunca, ni en lloviznita cae del cielo la buena suerte, por mucho que los nadies la llamen y aunque les pique la mano izquierda, o se levanten con el pie derecho, o empiecen el año cambiando de escoba. Los nadies: los hijos de nadie, los dueños de nada. Los nadies: los ningunos, los ninguneados, corriendo la liebre, muriendo la vida, jodidos, rejodidos. Que no son, aunque sean. Que no hablan idiomas, sino dialectos. Que no profesan religiones, sino supersticiones. Que no hacen arte, sino artesanía. Que no practican cultura, sino folklore. Que no son seres humanos, sino recursos humanos. Que no tienen cara, sino brazos. Que no tienen nombre, sino número. Que no figuran en la historia universal, sino en la crónica roja de la prensa local. Los nadies, que cuestan menos que la bala que los mata.

Papusza [2013]



Bronislawa Wajs (1908-1987), más conocida como Papusza, fue una de las poetas más significativas de principios de siglo en Polonia. Sin embargo, buena parte de su vida sólo conoció la pobreza, el rechazo y la amargura. ¿Su pecado? Ser gitana, y mujer, en una nación donde esta etnia habita en las sombras. Su infierno personal y literario articula este amargo biopic que fue premiado con los galardones a mejor director (Joanna Kos-Krauze y Krzysztof Krauze) y actor (Zbigniew Walerys) en la Seminci de Valladolid de 2013, entre muchos otros premios. Méritos a los que cabe sumar, sin duda, uno de los trabajos de fotografía en blanco y negro más apabullantes de los últimos años, sólo comparable quizá al de la reciente "Ida". Lejos de ser un capricho o un arrebato formal, esta gama de colores resulta la más adecuada para expresar la tortura física y mental de una mujer que, tras la publicación de su obra, sufrió el rechazo de su pueblo, que la acusó de revelar sus secretos como comunidad. A través de la vida trágica de esta niña que vendieron y casaron a la fuerza con su tío músico, escapado de la suerte que Hitler tenía reservada a los gitanos, la película cuenta la historia del pueblo viajero presentando sus mayores hitos, como cuando el gobierno polaco los obligó a abandonar las caravanas para vivir en pisos. "Mientras exista una rueda, el pueblo gitano seguirá viajando", clama un patriarca venido a menos. A falta de una vida decente, la historia le dará la razón, no sin antes arrebatársela a la pobre Papusza, que se esconderá en la locura y el aislamiento hasta su muerte.

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Papusza [2013]


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La bici de Dustin


Yo diría que estoy flotando a la deriva...
Y es agradable dejarse llevar.

[Dustin Hoffman]

Mapplethorpe: Look at the Pictures [2016]



Lo único más extravagante que las fotografías de Robert Mapplethorpe fue su vida. Estaba obsesionado con la magia y, en particular, con lo que veía como la magia de la fotografía y la magia del sexo, llegando a perseguir ambas con insaciable dedicación. "Miren las fotos". Con estas palabras, Jesse Helms denunció la obra de Robert Mapplethorpe. Y eso es precisamente lo que hace el primer y más completo documental sobre el artista. Los aclamados Fenton Bailey y Randy Barbato dirigen este documental, para el cual han contado con acceso ilimitado sin precedentes a los archivos y la obra del fotógrafo. Mapplethorpe pudo haber tenido cientos de amantes, pero sólo unas pocas relaciones importantes, la mayoría de las cuales están presentes en el film. Los recuerdos de su hermana mayor, Nancy, y de su hermano menor, Edward, completan este retrato de Robert. Artista y fotógrafo por derecho propio, Edward trabajó como asistente de su hermano durante muchos años y fue el responsable de gran parte de la excelencia técnica de su obra. Pero la voz más importante en el documental es la del propio Mapplethorpe. Gracias a una serie de entrevistas redescubiertas, él es el narrador. Completamente sincero y sorprendentemente honesto, habla sobre su vida, sus amores y su trabajo. Todo visto a través de sus ojos; un todo sin fisuras, una completa obra de arte. El resultado es un retrato del artista que dedicó su vida no sólo a convertirse en tal, sino también a hacer de su medio elegido, la fotografía, un arte valorado y respetado. Y lo consiguió. Su última muestra, The Perfect Moment (El momento perfecto), planeada por él mismo ya enfermo de sida, resultó ser una bomba de relojería que hizo estallar una guerra cultural de gran repercusión aún hoy en día. Desde su muerte, la Fundación Robert Mapplethorne (valorada en cientos de millones de dólares), ha hecho donaciones multimillonarias que han permitido a museos, desde el Guggenheim al Getty, montar y mantener colecciones de fotografía.

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Mapplethorpe: Look at the Pictures [2016]


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Vacíos

> Por Biciman.©   




Uno a veces
(como carne de algún agujero negro)
se choca
vacíos.
Y del golpe con la nada
sale toda la potencia
para que el golpe
con todo
sea nada.


Bill Evans: Time Remembered [2015]



La espalda encorvada sobre el piano, la cara casi hundida en el teclado. Así solía terminar Bill Evans sus improvisaciones. Esta postura, inmortalizada en muchas fotos, encerraba ante todo una manera de concebir la música. Evans parecía auscultar el interior del piano, el oído pegado a las cuerdas y a las teclas como si quisiera captar sus vibraciones más recónditas y débiles, hasta fundirse con el instrumento y convertirse en una extensión de este. El jazz había nacido como un medio para desahogar la tristeza, la rabia, o celebrar la alegría. Era una comunicación de dentro a fuera. Bill Evans lo convirtió en una conversación íntima, replegada en sí misma. Aquella música que se contagiaba del humo y el vocerío de los clubes nocturnos adquiría con él unos tonos secretos e inefables. Sus solos reclamaban una escucha recogida y ensimismada; en algunos momentos, su delicadeza parecía incluso encontrarse más cerca del silencio que del sonido. Y también cuando escogía una paleta más enérgica, sus interpretaciones daban la curiosa impresión de proyectarse hacia dentro. La obra de Bill Evans (Plainfield, Nueva Jersey, Estados Unidos, 16 de agosto de 1929 - Nueva York, 15 de septiembre de 1980) abarca el cool, el post-bop y la música modal. Está considerado como uno de los pianistas de jazz más importantes de la historia. Su influencia se puede percibir en numerosos pianistas como Brad Mehldau, Chick Corea, Keith Jarrett y Herbie Hancock. Aunque tuvo una carrera brillante, murió hundido en la heroína y la cocaína, deprimido por la muerte de su hermano. "Bill Evans: Time Remembered" es un dossier del director Bruce Spiegel que rememora la música y los tiempos de Evans a través de imágenes de archivo y entrevistas con figuras de su entorno como Tony Bennett, Jack Dejohnette, Billy Taylor, Paul Motian y Jon Hendricks, entre muchos otros. Un viaje hacia el interior de un músico excepcional que sólo podía brillar dentro de su propia oscuridad.

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Bill Evans: Time Remembered [2015]


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La bici de Maria & Michel


Para actuar se necesita una pasión desenfrenada
y una paciencia eterna...

[Michel Piccoli, con Maria Schneider]

viernes, 29 de mayo de 2020

Marianne & Leonard: Words of Love [2019]



¿Por qué en el título primero leemos a Marianne y después al mito, y no al revés? Porque se ha querido prescindir en recrear la figura hermética y oscura del gran autor canadiense, para iluminar la figura paciente de un amor llevado hasta los puntos suspensivos que separan la vida del más allá. Marianne Ihlen, la mujer noruega que vivió los mejores momentos de Leonard Cohen en la isla griega de Hydra durante algunos años de la década de los '60 del siglo pasado, constituye el modelo perfecto de compañera de una figura popular en la sombra. Que antes de cantante fue poeta, para iniciar sus pasos en la música bajo la bruma de la timidez y la media sonrisa, que caracterizarían esa misteriosa personalidad, de un artista que ha llevado su influencia hasta más allá de su existencia. A Marianne le dedicó varias canciones, le envió entradas para sus conciertos a lo largo de toda su vida, pero no cabía una relación juntos; porque Leonard Cohen vivía en un mundo oscuro, decía ser una persona libre. Era un mujeriego y, como muchos otros artistas, sus flirteos con las drogas condicionaron su vida. Creció como artista bajo la influencia de la contracultura dominante, para después refugiarse en la meditación y el estudio de la existencia, estudiando la Torá y retirándose a monasterios zen; el más largo de ellos, durante seis años. En Hydra, paraíso hippie en los '60 y refugio hasta hoy de muchos artistas, escribió dos de sus más celebradas canciones: "So long, Marianne" (1967) y "Bird on the Wire" (1969). "Marianne & Leonard: Words of Love", del director británico Nick Broomfield, relata una historia de amor que fue una despedida casi desde el principio y un reencuentro constante en la distancia. "Estoy justo detrás tuyo, lo suficientemente cerca como para tomar tu mano (...). Nunca he olvidado tu amor y tu belleza. Pero eso ya lo sabes y no tengo que decir nada más. Buen viaje, vieja amiga. Nos vemos al final del camino", le escribió Leonard a Marianne poco antes de la muerte de esta, en el quizá más certero y romántico de los presagios: Ihlen falleció en julio de 2016 y Cohen murió sólo tres meses después.

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Marianne & Leonard: Words of Love [2019]


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Pensar

> Por Biciman.©   




Pienso más
lo que digo
que lo que digo.
Sobra músculo
falta fuerza
y el silencio merecido
por el cansancio exacto
de pensar justo
lo mismo que digo.


Blue Note Records: Beyond the Notes [2018]



Blue Note es un sello discográfico fundado por Alfred Lion y Francis Wolff, dos judíos alemanes que en los años 30 huyeron de la persecución alemana para asentarse en el país de las oportunidades y crear un espacio para su música favorita, fue un subterfugio para músicos que buscaban experimentar sin las restricciones de las grandes compañías musicales, ávidas de vender sus productos sin reparar en la calidad de los mismos. Sin embargo, este par de amigos buscaban la libertad de creación, la misma que proporciona el jazz a sus músicos, la misma que estos músicos, la mayoría negros, ansiaban en su lucha colectiva por los derechos civiles. A día de hoy, su esfuerzo colectivo por invertir en libertad creativa y calidad, apostando por pagar las horas de ensayo a sus músicos, repetir las grabaciones hasta encontrar consenso en el grupo o practicar el amparo social y económico de aquellos que vivían la vulnerabilidad de su propio destino, como el enigmático Thelonious Monk, se ve reflejado en cada uno de los discos producidos entre los años 1932 y 1966. Además, gracias a la pasión por la fotografía de uno de sus dueños, Francis Wolff, capturando cientos de imágenes durante las sesiones grabaciones y convirtiendo a Blue Note en uno de los archivos fotográficos de jazz más interesantes, el diseñador gráfico Reid Miles pudo crear unas portadas que hoy son auténticas obras de arte en sí mismas, aportando al formato de grabación, entonces el vinilo, un valor añadido para sus coleccionistas. Este documental dirigido por Sophie Huber, la directora suiza que ya sorprendió a la crítica con su ópera prima sobre la vida y obra de Harry Dean Stanton, enlaza perfectamente el pasado y el presente de este sello discográfico, sin caer en el dramatismo de las dificultades financieras, la pérdida de identidad al venderse a Liberty Records y, en consecuencia, las aspiraciones iniciales de sus fundadores, o la evolución del jazz perdiendo esa aportación fresca y genuina del bebop durante la década de los cuarenta. Lejos de todo esto, "Blue Note Records: Beyond the Notes" se convierte en un documental esencial para los amantes del jazz sin contemplaciones. A modo de homenaje, esta cinta se convierte en imprescindible, sobre todo en un mundo que cada día demanda más que nunca grandes historias.

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Blue Note Records: Beyond the Notes [2018]


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La bici de Irina


Cuando la libertad se defiende con odio, 
ya no es libertad.
[Irina Demick]

The Blue Note Collection Vol 8



>Tracklist

01- A New Day - Kazumi Kaneda
02- A Little Piece of Happiness - Living Room
03- Un grosso guaio [Dave Masoch Re-Jazzed] - Acusmatic Group
04- Let's Go - Low Fidelity Jet Set Orchestra
05- Mellowman - Black Mighty Orchestra
06- Third Row - Kazumi Kaneda
07- Investigations - Clan Greco
08- If I Had Said to You - Agostino Maria Ticino
09- Thinking of You - Eme Hache
10- Autumn River- The James Taylor Quartet

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The Blue Note Collection Vol 8

Creación

> Por Charles Bukowski.



Sabes, yo tenía una familia, un trabajo, algo siempre estaba en el medio. Pero ahora he vendido mi casa y he encontrado este lugar, un estudio amplio, deberías ver el espacio y la luz. Por primera vez en mi vida voy a tener el lugar y el tiempo para crear. No, cariño, si vas a crear, vas a crear trabajando 16 horas al día en una mina de carbón o vas a crear en una habitación con tres chicos mientras estás desempleado, vas a crear aunque te falte parte de tu mente y de tu cuerpo, vas a crear ciego, mutilado, loco; vas a crear con un gato trepando por tu espalda mientras la ciudad entera tiembla, con terremotos, bombardeos, inundaciones y fuego. Cariño, aire y luz y tiempo y espacio no tienen nada que ver con esto y no crean nada, excepto quizá una vida más larga para encontrar nuevas excusas.

Systemsprenger [2019]



"Systemsprenger" (System Crasher) es una pelícua dirigida por Nora Fingscheidt, ganadora del Oso de Plata en la Berlinale, además de muchos otros premios internacionales. En ella se comienza a contarnos la historia cuando esta ya ha llegado a un límite. 37 respuestas negativas de hogares de menores, dos internaciones en psiquiatría, demasiado joven para una institución cerrada: ya no hay donde enviarla. Es que si estridente es un sonido agudo, desapasible, chirriante, y un color o una actitud estridente molestan por su violencia, su extravagancia o su exceso, entonces no hay adjetivo que exprese mejor lo que suscita Benni (Helena Zengel), de apenas 9 años, la protagonista de "Systemsprenger". Una rompesistema, como se los denomina a estos “casos” perdidos en la jerga de los trabajadores sociales del Jugendamt, la Oficina de Protección de Menores alemana. En una jugada arriesgada, la película nos presenta al personaje de Benni sin filtro ni romantización alguna. Cuando creemos sentir un instinto protector por la niña, al avizorar destellos de fragilidad, bruscamente nos vuelve a sacar de quicio. Benni, de eterna chaqueta rosa fluo, como los colores que signalizan los servicios de emergencias, es burlona, agresiva, insoportable y con su incontenible energía vuelve a salir disparada al ritmo del tictac de una bomba a punto de estallar, mientras la película adquiere su mismo ritmo, su tono, su forma. Pero en medio de todo ese sobresalto, de gritos y estallidos y portazos, calladamente se va entablando una relación, un vínculo entre Benni y Micha (Albrecht Schuch). Un entrenador antiviolencia que envían con la sola misión de asegurarse de que vaya a la escuela. “Para retrasados”, dirá Benni que se niega a ir. Pero en Micha hay algo que lo hace también no pertenecer; en su caso no pertenecer del todo a esa numerosa ronda de maestros especiales y asistentes sociales y personal pedagógico y psiquiatras superados por las circunstancias y, en ausencia de la madre, con potestad para decidir sobre la vida y el cuerpo de Benni. Pronto veremos que no sólo su dura apariencia une a Micha y Benni. De algún modo son iguales. "Systemsprenger" no edulcora la historia: Benni no es Heidi ni la niña rubiecita de la publicidad. Es una "Kampfzwerg", una enana guerrera, como la llama Micha, que de repente puede convertirse en una especie de Glenn Close de "Atracción fatal". "Systemsprenger" nos presenta al personaje de Benni con un realismo crudo. Y sin embargo, nunca más adecuada la elección de la canción que acompaña los créditos: "Ain’t Got No, I Got Life" interpretado por la impresionante Nina Simone. Allí está la clave de Benni. Y emociona. 
[Texto completo de Claudia Baricco en Revista Desbandada]

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Systemsprenger [2019]


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La bici de Brad [2]


Estados Unidos no es un país,
es un negocio.

[Brad Pitt]

De Palma [2015]



Nacido en Nueva Jersey (Estados Unidos) en 1940, Brian de Palma plagó la segunda mitad del siglo 20 de películas emocionantes, personalísimas y llenas de reverencias a la historia del cine. Formó parte del selecto grupo que revolucionó la industria en los años 60 y 70, movimiento conocido como el Nuevo Hollywood, donde entabló amistad con Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg o George Lucas. Sin embargo, sus películas se alejaban de toda tendencia y apostaban por el formalismo, donde la puesta en escena era toda una declaración de intenciones. Además, sus retratos del voyeurismo nos obligan a mirarnos a nosotros mismos como espectadores, y nos ayudan a entender por qué la posibilidad de observar sin ser vistos es tan sumamente fascinante. "De Palma" es un documental dirigido por Noah Baumbach y Jake Paltrow, en el que realizan una extensa entrevista al director. Así, repasan todas y cada una de sus películas, en las que De Palma recupera momentos, anécdotas y opiniones. Es una forma irrepetible de entender su cine, sus inquietudes y sus numerosas referencias cinematográficas, que lo han convertido en uno de los grandes directores del Nuevo Hollywood. Esta película es una buena manera de adentrarnos en su filosofía como director, mucho más profunda e inquietante de lo que se ha pensado en muchas ocasiones por parte de la crítica. "Mis películas suelen decepcionar a la gente", dice en el documental el propio cineasta. Y es que lo diferente siempre decepciona, pero nunca muere.

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De Palma [2015]


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Complejo

> Por Biciman.©   



Dejar al complejo
estéril
sin agua
y sin culpa.
Un día perfecto
lo imperfecto
me sirve.
Una gran nariz
puede ser
un saxo
un puente
un lugar donde respiro.


La Organización Negra [2016]



Buenos Aires, 1984. La ciudad despierta de la larga noche de la dictadura. Sus calles vuelven a poblarse de gente. La euforia democrática lo tiñe todo de un optimismo multicolor. Sin embargo, desde los márgenes, un grupo de jóvenes se prepara para intervenir el espacio público de una forma revolucionaria. Sin siquiera sospecharlo, están a punto de poner en marcha un dispositivo teatral que marcará un antes y un después en el ámbito del teatro y la performance en Argentina. "La Organización Negra (Ejercicio Documental)" ensaya la historia de La Organización Negra, un colectivo teatral que entre 1984 y 1993 se propuso dejar de lado la palabra y poner el cuerpo y la acción en primer plano, desarrollando un nuevo lenguaje escénico basado en imágenes, que apelaban a la provocación del espectador derribando la cuarta pared del teatro tradicional. La Organización Negra fue el germen de grupos posteriores como Ar Detroy, De la Guarda y Fuerza Bruta. ¿Cómo llevar el teatro fuera de sus propios límites? Esa parece ser la pregunta sobre la que se construye el documental dirigido por Julieta Rocco. Porque, en pleno fervor de la “primavera alfonsinista” y cuando todo parecía direccionar hacia lo político y sus instituciones, La Negra se desmarcó para trabajar desde lo lúdico y lo salvaje de una estética industrial, oscura, y desde una apuesta por el cuerpo inédita en esos años en la Argentina. En la palabra de sus propios protagonistas, la película recrea momentos clave del grupo: desde Cemento y La tirolesa/Obelisco hasta su disolución en los noventa, todo el vértigo de una agrupación que supo tomar la calle con su arte para conquistar el aire.

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La Organización Negra [2016]


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La bici de Reese & Mark


La ambición femenina
es el terror de los hombres.

[Reese Witherspoon, con Mark Wahlberg]

viernes, 27 de marzo de 2020

A Dog Called Money [2019]



Uno de los grandes desafíos de todo documental musical es atrapar el momento de la creación y registrarlo para la posteridad. Hay múltiples muestras al respecto. Puede ocurrir por azar, porque la cámara estaba ahí en el momento adecuado, o puede responder a un plan preconcebido. Este es el caso de "A Dog Called Money" (presentado en la sección Panorama de la Berlinale), donde la artista británica PJ Harvey se asocia con el fotógrafo Seamus Murphy para filmar lo que ellos mismos llaman “un experimento”, la creación a lo largo del globo de su nuevo álbum, "The Hope Six Demolition Project", para lo que no reparan en medios y ambiciones. El film arranca en Kabul y viaja a Kosovo y a Washington D.C. buscando historias y material para las canciones en entornos asolados por la destrucción, la muerte y la pobreza, pero también por cierta esperanza. No en vano, un grupo de evangelistas protagoniza uno de los bloques de esta película-collage que salta sin solución de continuidad de los movimientos migratorios en Macedonia a los ghettos afroamericanos, a operaciones militares en Afganistán o a protestantes sirios contra Assad. Entre un escenario y otro, la película nos adentra en el estudio de grabación de Londres, un cuarto expresamente diseñado al efecto en el que los curiosos pueden ser testigos de la grabación del álbum como si fuera un peep-show, sin que los músicos puedan verlos ni viceversa. El proceso se antoja extremadamente colaborativo y el aura enigmática de la música nunca se ve del todo desactivada, ya que el objetivo no es conocer a la persona sino adentrarnos en los procesos creativos de la artista. Harvey incluso añade una voz en off poética a las imágenes, que ejerce una cualidad de flujo de pensamiento ante las situaciones, los ambientes y las personas que va encontrando en su camino. El gran interés de "A Dog Called Money", aparte de los temas musicales resultantes (conformando uno de los grandes álbumes de Harvey, extraordinariamente ecléctico), es la oportunidad que brinda de poder poner imágenes y rostros concretos a cada uno de los temas del disco, aquellos que la propia artista tenía en mente cuando compuso los temas. Es un documento experimental cautivante, en especial para los fans de la cantante PJ Harvey, que podrán asistir a su proceso creativo y descubrir su pensamiento sobre el mundo que nos rodea, relatado en las letras de sus canciones.

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A Dog Called Money [2019]


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