miércoles, 1 de mayo de 2019

Autoluminescent: Rowland S. Howard [2011]



¿Cuál podría llegar a ser el equivalente musical de la prosa oscura de Edgar Allan Poe o Lord Byron, del existencialismo nietzscheano o del cine expresionista alemán de Lang y su heredero Herzog? Difícil es encontrarlo, pero en la figura de Rowland S. Howard converge un poco de cada uno de estos referentes. El músico absorbió en sus jóvenes años dramáticas influencias que naturalmente se plasmaron a lo largo de su carrera en canciones de heridas abiertas provocadas por profundas espinas que jamás pudo desenterrar. Ese fue su sello: poesía romántica y gótica, una escalofriante voz melancólica que penetra bajo la piel y los huesos y una forma única y personal de tocar la guitarra, que alojó su particular estilo en el no-virtuosismo. Lamentablemente, su legado es reverenciado por unos pocos y desconocido por unos cuantos, aún en tiempos donde todo se expande cibernéticamente. Quizás por ese motivo y con el fin de rendirle un merecido tributo, salió en el 2011 el documental "Autoluminescent", co-dirigido por Richard Lowenstein y Lynn-Maree Milburn. El film preserva con mucho cuidado las frágiles memorias del cantante y guitarrista, recordado por su hermético círculo de íntimos y admiradores (Nick Cave, Lydia Lunch, Mick Harvey, Genevieve McGuckin, Henry Rollins, Thurston Moore, Nick Zinner, Bobby Gillespie, Kevin Shields, Douglas Hart). Todos coinciden en que era un ser con una extraña vibra enigmática guardado al silencio de las emociones, un romántico empedernido de personalidad enamoradiza, un sensible introspectivo que tenía mejores migas con la compañía femenina que masculina. Howard arrancó como un pretencioso adolescente de la Blank Generation en la escena post-punk australiana, tocando en Young Charlatans para luego unirse en el ‘78 a la formación de The Boys Next Door junto a Nick Cave y el baterista Mick Harvey. Ante el consejo de muchos, la banda emigró hacia Londres para ‘estar en la cresta de la ola’, donde pasó a llamarse The Birthday Party. Contrariamente a lo esperado, no hubo demasiada aceptación de su música ni en la capital inglesa ni en Nueva York porque la tendencia apuntaba hacia el synth pop y se consideraba a la propuesta demasiado violenta, visceral, profana y aterradora. Entonces se trasladaron al oeste de Berlín, donde finalmente dieron en el blanco, con un público con el que congeniaron, al que el cineasta Wim Wenders describió como ‘personajes marginales vampirezcos salidos de la mezcla entre Nosferatu y El Gabinete Del Dr. Caligari’. Allí las tensiones se empezaron a acentuar y las búsquedas sonoras y líricas de Nick y Rowland se bifurcaron, dando por resultado la separación del grupo en 1983 y el surgimiento de dos proyectos a partir del desmembramiento: The Bad Seeds (con Blixa Bargeld de Einstürzende Neubauten) y la reformación de Crime and the City Solution, que incorporó a Rowland y a Mick Havey a sus filas. Pero es en su breve etapa solista donde se pueden resumir los aportes que trajo a la música, con dos recomendables obras: el punto más elevado y maduro con "Teenage Snuff Film" (1999) y "Pop Crimes" (2009). La película se vale de imágenes de archivo monocromáticas, entrevistas y lecturas que J.P. Shilo hace del manuscrito inédito "Etceteracide" de Howard para construir un retrato oscuro de belleza elegante y triste que, entre niebla, cigarrillos y anécdotas, ensambla fielmente con la vida del músico. Se narran desde sus días de experimentación musical, pasando por su período de adicción a la heroína y el fuerte vínculo con sus ex parejas hasta llegar al momento de su partida, a los 50 años, a causa de un cáncer de hígado. Sin su legado sería inconcebible la idea de bandas posteriores como Savages, The Jesus & Mary Chain, Pulp, The Horrors o hasta la incursión de David Lynch en el mundo musical. "Autoluminescent" es una construcción claroscura, emotiva y respetuosa hacia su persona. La imagen congelada del final habla por sí misma: detrás de la triste y lúgubre mirada de príncipe dark de Rowland hay un pequeño brillo, un destello interior de luminosidad y color que unos pocos conocen o vieron y que queda inmortalizado hasta sus últimos días con este brillante film.

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Autoluminescent: Rowland S. Howard [2011]


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Los miedosos

> Por Biciman.©   



Tienen miedo. A Dios. Al otro. A la otra. A pensar distinto. Al esfuerzo de pensar distinto. A no saber defenderse sin un arma. A no saber. A Dios. A la guerra. A la paz. A aburrirse. A no tener a quién odiar. A que el otro gane más. A leer. A entender. A la verdad. A Dios. A no saber defenderse sin Dios. A la cárcel de la soledad. A la muerte. A no poder matar. A no vender. A no comprar. A Dios. A la televisión. A no poder ver la televisión. A lo que no está en la televisión. A lo anormal. A que les saquen las normas. A las mujeres. A sentir distinto. Al esfuerzo de sentir distinto. A Dios. A papá. A mamá. Y al hombre de la Bolsa. Deberíamos ser astutamente comprensivos, ayudarlos y ayudarnos a estar mejor. Pero a veces no. A veces te cagás en sus miedos. Porque sus miedos se cagan en vos.

Eat That Question: Frank Zappa in His Own Words [2016]



El genio explicado en sus propias palabras. Palabras precisas, pausadas y armadas de coherencia con las que el compositor estadounidense Frank Zappa dispara contra la industria discográfica, las drogas, el poder judicial, la política, la falsa moral. Palabras con las que se explica a sí mismo. Palabras para expresar pasión por la música. Carisma. Insubordinación. Extravagancia. Integridad. Vanguardismo. Autenticidad. Así es el Zappa que presenta el documental francés "Eat that question", dirigido por Thorsten Schütte y que ha contado con el apoyo de la familia del artista. Para su elaboración, el cineasta ha recopilado varias actuaciones y entrevistas televisadas de Frank Zappa, desde su juventud, cuando insistía en que podía hacer música utilizado una bicicleta como instrumento, hasta su fallecimiento por un cáncer de próstata a los 52 años en 1993. No hay narrador ni declaraciones de las personas que lo conocieron. Sólo él. Y sus entrevistadores. Y su música. Y sus letras. Frank Zappa fue lo que hoy llamaríamos un artista 360. Su carrera no sólo se centró en la composición musical: fue director de cine, productor discográfico, cantante, guitarrista. Lo cierto es que durante su infancia enfermiza nada hacía suponer una carrera similar. Fue un artículo en la revista Look lo que le hizo fijarse en las composciones de Edgard Varèse, un episodio que despertó al genio creativo. El artículo decía que en su pieza "Ionisation", no había "nada más que batería, es disonante y horrible, la peor música del mundo", lo que llamó automáticamente la atención del joven Zappa, que ya de adulto siempre citó entre sus primeras influencias a Varèse, "La consagración de la primavera" del ruso Igor Stravinski y al autor dodecafonista austríaco Anton Webern. Zappa, que detestaba las letras de amor (en su opinión, estas letras dictan normas de conducta subconsciente), defendía que las palabras de una canción son "ruidos vocales armonizados" al servicio del conjunto de la pieza. La sexualización de sus temas le reportó fama de subersivo y, en 1985, se vio obligado a testificar ante el Senado de EE.UU. para evitar que la censura del Parents Music Resource Center, organismo del que formaba parte la mujer de Al Gore, etiquetara sus discos alertando de su contenido sexual. En su lugar, Zappa denunció la "teocracia fascista" de su país e incluyó esta advertencia en sus discos: "¡CUIDADO! Este álbum contiene material que una sociedad verdaderamente libre nunca temería ni suprimiría. (...) Esta garantía es tan real como la de los fundamentalistas que atacan la música rock en su vano intento de transformar Norteamérica en una nación de estúpidos (en el nombre de Jesucristo)". Zappa fue un compositor prolífico. Publicó más de sesenta álbumes en vida (en solitario y con The Mothers of invention) y otros cuarenta póstumos. Su estilo evolucionó con los años y tras el rock experimental y doo-wop iniciales, transitó por el jazz y el pop para desembocar en el mar de la música sinfónica en la década de los noventa. El director Thorsten Schütte hace el apoteósico intento de mostrar una obra monumental en apenas hora y media de metraje. Y cuando este llega a su fin, tenemos la sensación de conocer un poquito más sobre esta vibrante mente, quizá una de las más grandes de la música del siglo 20, a la que no le importó no ser recordada (esos anhelos los dejaba para Ronald Reagan y su "obscena forma de conseguir fama y fortuna") y que incluso reconocía: "Soy famoso, aunque la mayoría de la gente no sabe qué hago".

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Eat That Question: Frank Zappa in His Own Words [2016]


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La bici de Julie


El cuerpo cambia más rápido que la ropa. 
[Julie Ordon]

The Trip Hop Sessions Vol 13



>Tracklist

01- Who Am I [Animatrix Edit] - Peace Orchestra
02- Theme From Nowhere - The Prunes
03- See The Light [Feat. Junior Delgado] - Sofa Surfers
04- Fuck Dub [Reloaded Mix] - Tosca
05- Rendez Vous - Lemongrass
06- Ocean Air - Dzihan & Kamien
07- Rollin' On Chrome [Wild Motherfucker Dub] - Aphrodelics
08- In China - Black & Brown
09- White Noise - Sofa Surfers
10- Captain Webb - Baby Mammoth


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The Trip Hop Sessions Vol 13


Telegrama

> Por Rupi Kaur.



No quiero tenerte
para completar las partes vacías de mi misma
quiero estar completa yo sola.
Quiero estar tan completa
que pudiera iluminar una ciudad entera
y luego
quiero tenerte
porque los dos
combinados
la podríamos prender
fuego.


Girl [2018]



Algunos productores tienen un ojo impecable para escoger los proyectos más arriesgados y encontrar la aguja de oro en el pajar de millones de guiones, con una facilidad sorprendente. Tras el éxito de "The Broken Circle Breakdown" (Alabama Monroe) en 2012, el mismo equipo de producción se lanzó, sin temor alguno, a una historia nada fácil, que debía ser protagonizada por un casting casi imposible de encontrar, en las manos de un joven realizador, Lukas Dhont, que se estrenaba en el largometraje. Acierto pleno, "Girl" fue la verdadera protagonista del festival de Cannes del 2018 que le otorgó cuatro premios: Cámara de Oro, premio de interpretación de Un Certain Regard al resplandeciente Victor Polster, premio FIPRESCI de la crítica internacional y Queer Palm 2018. "Girl" (título perfecto) es una chica de 15 años, en el cuerpo de un niño, que hará todo lo posible e imaginable para realizar su sueño: convertirse en bailarina. Los esfuerzos y sacrificios que tenga que realizar no son una barrera para ella. Lara, su nombre en la película, sabe que es una mujer y quiere que su cuerpo se adapte lo más rápidamente posible a su realidad. El director belga Lukas Dhont consigue transmitir la tensión, la angustia y el esfuerzo ilimitado de Lara para lograrlo. Raramente el espectador percibe una tensión sorda pero tan intensa y continua en la gran pantalla. Las pequeñas mezquindades de adolescentes en plena explosión hormonal, el sacrificio corporal exigido por sus maestros de danza, el proceso médico que acompaña una etapa de tránsito son pruebas que Lara afronta con su mejor sonrisa en el rostro, su aparente serenidad y su tranquila elegancia. Los movimientos de cámara -libre, fluida, casi etérea que parece abrazar cada movimiento de Lara, presente en casi la totalidad de escenas- es de una belleza que corta el aliento. El protagonismo de Victor Polster es tan explosivo que no hay que olvidar la inteligencia del guión. Así como "El ladrón de bicicletas" sería otra película si no hubiese en su historia ese niño, que sigue las desventuras de su idolatrado padre, Lukas Dhont ha imaginado de manera genial, la presencia de un padre, sin ninguna referencia femenina en el ámbito familiar. Un equilibrio inesperado y una relación hipnótica en una de las mejores películas del 2018.

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Girl [2018]


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La bici de Marcello


La vejez es una condena sin derecho a recurso. 
[Marcello Mastroianni]

My Generation [2017]



Con los clásicos de Kinks, Beatles, Stones y Animals desfilando uno tras otro, el ícono del cine británico Michael Caine coproduce y narra en primerísima persona esta historia de la revolución eminentemente juvenil que atravesó todo el espectro cultural inglés –música, cine, arte, moda– de los años 60. La película, sin embargo, no es sólo una crónica, con cierto deleite nostálgico, de sus años mozos. Sobre un espectacular torrente visual de imágenes de archivo, pósteres psicodélicos, minifaldas y peinados “escandalosos”, Caine defiende la tesis de que aquella fue la primera vez que los jóvenes de extracción obrera, como él mismo, osaron reclamar un papel protagonista en la floreciente cultura popular. Y se rodea también de un lujoso elenco de voces en off de nombres clave del “swinging London”: desde estrellas pop como Paul McCartney, Roger Daltrey, Sandie Shaw o Lulu hasta adalides del pop art como Dudley Edwards, pasando por Marianne Faithfull, el fotógrafo David Bailey, el productor cinematográfico David Puttnam, la diseñadora de moda Mary Quant y modelos como Twiggy y Penelope Tree. "My Generation" es el relato, muchas veces contado pero jamás de este modo, de una sacudida cultural que quiso romper con la Inglaterra aburrida, gris y clasista de sus padres y abuelos, y que como algunos protagonistas recuerdan, se fundamentó en una enseñanza pública de calidad.

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My Generation [2017]


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Voladoras

> Por Biciman.©   



Mire que hay formas y formas de atravesar el espacio, multiplicando las ganas por cualquier número diferente a un binario. Dos piernas son menos que cuatro más todas las ruedas que faciliten deslizarse apremiante por superficies no lisas con prisas y con obstáculos. Mire que cansa, que las rutas no pasan se transan, y cada metro negocia un segundo, un minuto más, con la conmovida y elástica voluntad. Mire que las señales enseñan pero la decisión no tiene límites. Tarde o temprano hay que hacerlo bien o mal, la inercia inventa moscas que se van a quedar. El movimiento se demuestra decidiendo lo que no se puede pensar más, hay piso, piernas y ruedas; hay sillas, ventanas y puertas: todo lo cuadrado no es natural. Y hay techos que protegen de lo natural. Pero mire que los techos se caen. Y como el tiempo, el piso siempre está. Arriba o abajo está. Y si está abajo, arriba está el cielo. Y la mirada más alta. Y siempre alta la guardia. Por si las moscas se quedan. Por si las ruedas aprenden a volar.

Raymundo [2003]



Pocas personalidades de la cultura política latinoamericana resumen con tanta nitidez y contundencia las apuestas vitales de la izquierda revolucionaria. Aunque quizás menos celebrado y conocido que Rodolfo Walsh, el cineasta y militante guevarista argentino Raymundo Gleyzer (1941-1976) representa el escalón más alto al que llegó su generación. El nombre de Gleyzer ha sido durante años sinónimo de todo lo prohibido y todo lo reprimido por la cultura oficial, su falso “pluralismo” y su simulacro “democrático”. Hijo de una familia judía argentina en cuya casa se fundó el célebre teatro IFT (ubicado en el popular barrio de Once de la ciudad de Buenos Aires), Raymundo recibió su nombre de un guerrillero francés -Raymond Guyot- asesinado por los nazis. Este joven rebelde trabajó desde muy chico y llegó a ser verdaderamente un grande, uno de los principales realizadores de cortos y largometrajes documentales, políticos y de ficción sobre Argentina y América latina. Tanto él como su cine, silenciados, censurados y perseguidos con odio irracional, fueron durante décadas innombrables. Desde que fue secuestrado, torturado y desaparecido a fines de mayo de 1976, muchos de sus films fueron inhallables, símbolos de una rebeldía y una esperanza colectiva que había que borrar -literalmente- del mapa a sangre, tortura y fuego. Raymundo filmó y fotografió todo, no sólo lo referente a sus películas, sino también a su vida privada o el fuera de cámara de sus films, lo que permite recuperar y redescubrir el modo de sentir y pensar de toda una generación, desde sus actos más cotidianos hasta los más trascendentes. "Raymundo", documental del 2003 dirigido por Virna Molina y Ernesto Ardito, rescata la obra completa de Gleyzer, restaurando imágenes de los backstages de rodaje, filmaciones familiares e imágenes inéditas de la militancia revolucionaria. Con una fuerte y articulada estructura, el documental está cargado de un lenguaje sumamente emotivo, político y conceptual. A través de las imágenes registradas por Gleyzer, el espectador se vuelve un testigo privilegiado de los años '70, recorriendo ese período desde la subjetividad y el imaginario de Raymundo, un militante revolucionario.

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Raymundo [2003]


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La bici de Isabelle & Yves [2]


La pasión es todo menos suave. 
[Isabelle Adjani, con Yves Montand]

viernes, 5 de octubre de 2018

Long Strange Trip [2017]



Festivas ceremonias llenas de lisergia, sinceros hippies de San Francisco enlazados con la tradición sonora americana y despreocupadas disoluciones psicodélicas puestas en escena de forma dilatada y comunal. Estos son algunos de los rasgos en la naturaleza como banda de una de las grandes formaciones surgidas en la Norteamérica de los años 60: The Grateful Dead. En plena efervescencia del LSD, legal por esa época, el grupo fue elegido por el escritor de la Generación Beat, Ken Kesey (famoso por ser el autor del libro “Alguien Voló Sobre El Nido Del Cuco”, llevado a la pantalla con éxito por Milos Forman), para participar en los Test de Ácido y ser las estrellas de sus fiestas musicales repletas de ácido denominadas “Trips Festivals”, organizadas junto a Kesey por Bill Graham o Stewart Brand, en las que participaban gente como Jefferson Airplane, Country Joe & The Fish o Quicksilver Messenger Service. Los conciertos de los Grateful Dead, basados en improvisados sonidos lisérgicos con largos pasajes instrumentales que, desde la psicodelia, ofrecían sonidos folk, country, rock, jazz o blues, fueron acrecentando con el paso de su trayectoria un masivo seguimiento por el área de San Francisco, convirtiendo a los Dead en un grupo de culto entre sus prosélitos, denominados The Deadheads, quienes seguían a la banda por todas las localidades en las que actuaban. Luego de varios altibajos en los setenta y ochenta, sus legendarios conciertos continuaron hasta que en 1992 García sufrió una indisposición derivada de su adicción a la heroína. Tres años después, el 9 de agosto de 1995, falleció de un ataque al corazón a los 53 años, poniendo punto y final a su vida y a la de The Grateful Dead, uno de los grupos más importantes de la psicodelia de San Francisco e inspirador de multitud de jam bands en todo el mundo, como Phish, Blues Traveler o The Dave Matthews Band. Dirigida por Amir Bar-Lev junto a Martin Scorsese en la producción ejecutiva, "Long Strange Trip" es el primer documental de muy larga duración (casi 4 horas divididas en 6 capítulos) que explora, desde una visión independiente, la innovación perpetua y el compromiso con el público que hizo posible que la banda de Bay Area fuese uno de los grupos musicales más influyentes de su generación, pese a que Grateful Dead apuntaba a tener la historia menos exitosa del rock and roll. El documental recoge entrevistas en profundidad con la banda, el equipo de las giras, familiares y Deadheads representativos. Además, Bar-Lev revela la historia nunca contada de la banda y de la subcultura psicodélica que giraba alrededor de ella. El documental también muestra la visión de su último guitarrista, Jerry García, cuyos problemas con la autoridad contribuyeron a generar más escándalos en torno al grupo. "Long Strange Trip" explora el singular experimento de Grateful Dead en la creación y producción de música ecléctica radical y va más allá de la historia que hay detrás de la música de un grupo de artistas excepcionalmente talentosos y queridos, y muestra de manera inspiradora la expresión artística sin trabas, la tragedia americana y una visión incisiva sobre el ascenso y caída de la contracultura del siglo 20.

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Long Strange Trip [2017]


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Metafísica

> Por Biciman.©   



A veces me dan tantas ganas de verte / que me pica la razón / me hace cosquillas el ego / quiero más de lo que soy / siento más de lo que puedo / y cuando vuelvo del centro / al costado siempre mío / y me miro el corazón / hipertrofiado de ansia / por un bobazo de anhelo / ¿hasta dónde la pasión / llega con tanto revuelo? / no soy gallina ni huevo / soy mi tiempo en este cuerpo / me lo digo me recuerdo / soy el viento que me arrasa / soy el clima que no acierto / ¿desde cuándo la razón / debe más de lo que tengo? / no hay sentido sin sentirlo / pero sentirlo es mi techo / pensarlo son las paredes / tan sordas como un ladrillo / es el piso donde caigo / donde entro donde salgo / donde quiero lo que tengo / y si voy a pensar en algo / me lo digo me recuerdo / que sean las puertas que abro / las ventanas que rompe el tiempo / los rayos que me dan cielo / y me muestran el espacio / para encontrarme en el hecho / de que pasa lo que pasa / porque el diablo sobrevive / porque el ángel no está muerto.

Psychedelic Britannia [2015]



El rock psicodélico es un estilo de música que está inspirado o influenciado por la cultura psicodélica e intenta replicar y potenciar las experiencias con drogas psicodélicas que alteran la mente, siendo el LSD la más notable. A menudo utiliza nuevos efectos y técnicas de grabación y se inspira en fuentes como los ragas y pedales de la música india. Fue iniciado por músicos de pop y rock como The Beatles, The Beach Boys y The Byrds surgiendo como un género a mediados de la década de los 60 entre las bandas basadas en música folk, blues y jazz en el Reino Unido y Estados Unidos. Alcanzó su punto máximo entre 1966 y 1969 con eventos hito como el Verano del Amor de 1967 y el Festival de Woodstock de 1969 respectivamente, convirtiéndose en un movimiento musical internacional y asociado a una contracultura generalizada antes de iniciar un descenso, ya que el cambio de actitudes, la pérdida de algunos individuos clave y un movimiento de volver-a-lo-básico llevaron a los músicos sobrevivientes a moverse hacia nuevas áreas musicales. En los años 60, había dos principales tipos de rock psicodélico: la variante versátil británica y la más fuerte con el rock ácido de la costa oeste de Estados Unidos. "Psychedelic Britannia" es un documental de la BBC inglesa que explora el nacimiento y la caída de uno de los períodos más visionarios de la historia de la música británica: cinco años caleidoscópicos entre 1965 y 1970 cuando un puñado de soñadores reimaginaron la música pop, cuando una generación de bandas de R&B británicas descubrieron el LSD y las tradiciones comenzaron a ser cuestionadas. Saliendo del under bohemio y pasando al mainstream pop, la épica psicodélica produjo algunos de los sonidos más revolucionarios de esa época, siendo las pioneras algunas jóvenes bandas de improvisación como Soft Machine y Pink Floyd, y luego propagándose a los charts ingleses con los Beatles, Procol Harum, los Small Faces y los Moody Blues, y llegando a la campiña británica con el sonido de la Incredible String Band y Vashti Bunyan. "Psychedelic Britannia" es un viaje al pasado musical de la psicodelia, un movimiento de notable influencia en el arte contemporáneo y más allá.

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Psychedelic Britannia [2015]


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La bici de Gemma


A veces me gustaría no parecer un alien. 
[Gemma Ward]

The Blue Note Collection Vol 7



>Tracklist

01- Moving City [The Cinematic Orchestra Remix] - Faze Action
02- The Project Part 1 - Low Fidelity Jet Set Orchestra
03- Electric Boogaloo - Modulo5
04- Guauanco [The Cinematic Orchestra Remix] - Les Gammas
05- The Project Part 2 - Low Fidelity Jet Set Orchestra
06- Miles 2000 - Modulo5
07- Good Bad - Povo
08- Cool Affair - Black & Brown
09- Escapism - Metropolitan Jazz Affair
10- Coffee Table Music - Modulo5


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The Blue Note Collection Vol 7


Sin prisa

> Por Fernando Pessoa.


No tengo prisa: no la tienen el sol ni la luna. Nadie camina más de prisa que sus piernas. Si donde quiero estar está lejos, no estoy allá en un momento. No tengo prisa, ¿prisa de qué? No tienen prisa el sol y la luna: son exactos. Tener prisa es creer que vamos por delante de las piernas, o que, al dar un salto, hemos saltado sobre nuestra sombra. No; no sé tener prisa. Si extiendo el brazo, llego exactamente a donde mi brazo llega: ni un centímetro más lejos. Toco sólo donde toco, no donde pienso. Sólo me puedo sentar donde estoy. Y esto hace reír como todas las verdades absolutamente verdaderas. Pero lo que hace reír de veras es que siempre pensamos en otra cosa y vivimos evadidos de nuestra realidad. Y estamos siempre fuera de ella porque estamos aquí.

In Den Tag Hinein [2001]



El nuevo cine alemán, el de la llamada Escuela de Berlín, es un cine realista y estilizado como cierto cine oriental de corte minimalista, y por lo visto y sobretodo leído, ya que dentro y fuera de Alemania su difusión ha sido exigua o limitada a festivales independientes, tampoco es tan nuevo. Sus orígenes están en medio de los noventa y se desarrolla durante los dos mil. A este período precisamente corresponde el primer largometraje de María Speth, "In Den Tag Hinein", cuya traducción sería “Entrado el día” o “Bien adentro del día” o “En el fondo del día”, aún cuando en inglés se simplificó como "The days between". El dato no es superfluo ya que no por nada buena parte del filme transcurre a esas horas cuando todavía no es de noche pero tampoco de día: la hora azul o mágica, que puede ser poco antes de que amanezca o de que anochezca, y es cuando los jóvenes protagonistas –dos adolescentes tardíos– discurren y juntan sus soledades, estirando las horas del día o la noche hasta transformarlas en un tiempo fantasmal y perfecto para que tengan lugar sus citas. Lynn (Sabine Timoteo) reside en el departamento de su hermano junto a la familia de éste: su esposa y sus dos hijas. Vive en una habitación y en el cuarto de baño más que en la casa misma. Trabaja de cajera en un comedor universitario y de go go dancer en un club. En la medida que se distancia de su novio, un pragmático y frío nadador más interesado en entrenarse que en ella, conoce a Koji (Hiroki Mano), un estudiante japonés que apenas habla alemán pero con quien dará paseos en bicicleta, robará en un centro comercial y se emborrachará mirando los aviones; con él compartirá un sentido de libertad y ligereza que no logra con los demás. Koji, por supuesto, se enamora de ella, y su éxtasis (ilustrado en un notable y solitario baile al ritmo de Miles Davis mientras Lynn yace ebria en su cama al amanecer) se entiende a partir de una de las premisas de esta película: máximo de conexión con el mínimo de palabras o ninguna. Por esto no es de extrañar que Lynn se comunique más y mejor con quienes no puede usarlas, con Koji, desde luego, o con una de sus sobrinas que es muda y con quien habla a través de señas, transformando los silencios, el silencio, de pronto, en una extraña forma de comunión al mismo tiempo que la alejan de su vida real sujeta a responsabilidades y compromisos, sumiéndola finalmente en el fondo de sí misma. La película de Speth, pese a su enorme contemporaneidad, comparte más rasgos con ese género literario tan alemán que es el romanticismo de fines del siglo XVIII: la prevalecencia de los sentimientos sobre la razón y la técnica, la melancolía, la búsqueda de libertad versus el aislamiento, el amor y la muerte, la desesperación existencial del individuo frente al choque que le supone la realidad y la preferencia por paisajes naturales que den cuenta de sus tumultuosos sentimientos, que en este caso son urbanos, impersonales y berlineses, paisajes de cemento donde Lynn y Koji se acompañarán en eventos nada extraordinarios pero dotados de una gran carga emocional, que es lo que se resalta finalmente en cada plano. ¿De qué otra cosa -parece decirnos la directora- puede servir una historia si no es para dar cuenta de las emociones humanas? Y en "In Den Tag Hinein" además las provoca.

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In Den Tag Hinein [2001]


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La bici de Jean-Louis


No es que reniegue del cine,
simplemente me interesa más el vino
. 
[Jean-Louis Trintignant]

Jim & Andy: The Great Beyond [2017]



Es el show de David Letterman del 15 de octubre de 1980. Andy Kaufman entra con los aplausos. Despeinado, mal vestido, descuidado, un hilo de moco le cae por el bigote incipiente camino a la boca. Risas entrecortadas, risas indecisas, pero risas al fin. El público estadounidense está frente a una forma de humor que nunca ha experimentado. Este loco ha hecho cosas parecidas antes, pero siempre puede ir más lejos. El presentador, desencajado como todos a quienes capta la cámara, procura una pizca de seriedad; trata de conversar con el humorista pero la charla no avanza. El invitado lo desconcierta. Desconcierta a todo el mundo cuando dice que renunció a "Taxi", una exitosísima serie, y que no sabe si estará de nuevo en "Saturday Night Live". Letterman lo invita a hacer su número y él se va al centro, se sienta en un banquillo y comienza a hablar de su vida desgraciada. Algunos ríen pero él les pide que no lo hagan. También ruega que le den algo de dinero porque está en la quiebra. Se va tras cámaras, se acerca a la audiencia, recoge algo de efectivo moviéndose entre las butacas y se marcha. Ovación. Cuenta la leyenda que Andy Kaufman (Nueva York, 1949-1984) llevaba sus bromas hasta las últimas consecuencias. Cuando se inventó la disparatada Lucha Libre Intersexos y fue golpeado por un luchador profesional. Cuando leyó "El Gran Gatsby" en una presentación de stand up comedy. Cuando hizo que una señora fingiera un infarto en pleno show en el Carnegie Hall. Estos episodios, todos reseñados en la película biográfica "Man on the moon" (1999), correspondían a un humor que no era únicamente para reír. Era la comedia llevada al extremo, rozando el performance, buscando mover otros músculos que jamás mueven aquellos que no entienden de sarcasmos, ironías y absurdos. Por supuesto que Jim Carrey lo tuvo en un pedestal desde la primera vez que lo vio en pantalla. Claro que se hizo su fan desde jovencito. Desde luego se identificó con él, más aún al conocer su historia personal. Así lo cuenta el actor canadiense en el documental "Jim & Andy: The great beyond", cuando se encuentra frente a frente con su yo de hace dos décadas. Su yo al que le tocó interpretar a su ídolo. Una cámara siguió a Jim Carrey durante todo el rodaje de "Man on the moon". Mientras interactuaba con el resto del equipo en el área de catering. En su camerino. En el cuarto de maquillaje. Durante sus charlas con REM, agrupación que aportó dos grandes canciones a la banda sonora: una editada en 1992 y titulada “Man on the moon”, con varias alusiones a Andy Kaufman; y otra, “The great beyond”, hecha especialmente para el film. Esas imágenes permanecieron cajoneadas en una oficina durante casi 20 años, hasta que en 2017 Spike Jonze ("Her", "Being John Malkovich"), quien firmó como productor del documental, movió sus tentáculos para que fueran aprovechadas. Para Jim Carrey no fue un papel más. Hacer de Andy Kaufman fue un trabajo que le cambió la vida. Una experiencia mística. Y también lo fue para el resto del equipo, que veía cómo Andy Kaufman había revivido en plena década de los 90. Que en lugar de llegar Carrey, cada día entraba al set un cuerpo que prácticamente había alojado a Kaufman, muerto prematuramente a sus 35 años de edad por un cáncer que lo consumió en cuestión de meses. Danny De Vito, Tony Danza, Paul Giamatti. Todos miran a la cámara con cara de impresión. Qué extraño. Es exactamente como era él. Todo esto es surreal. Porque Jim Carrey nunca iba al rodaje. Iba sólo Andy Kaufman. Siempre Andy Kaufman. Y había que referirse a él de esa manera y tratarlo como tal. Y como a él le hubiese encantado, Carrey llevó su nueva broma hasta el extremo, agotando la paciencia de Milos Forman, director de la película, quien en el fondo y a la postre agradeció el compromiso y ese ingrediente de demencia reencarnada que convirtió aquella película en un clásico instantáneo.

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Jim & Andy: The Great Beyond [2017]


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Anagrama

> Por Biciman.©  






Siempre está el miedo en el medio.
Maldito anagrama.
El rayo deseador de tus ojos
me partió de nuevo.
Por el anagrama.


Oscar Alemán: Vida Con Swing [2002]



Asombró a Louis Armstrong. Duke Ellington se lo disputó a Josephine Baker que lo retuvo como lo mejor de su orquesta. Huyó de Hitler y esquivó a Perón que lo seguía para que tocara en sus actos públicos. En la época dorada del tango convocaba multitudes con el mejor jazz. Mezcla de sangre indígena y española, nacido en el país del tango, Oscar Alemán (1909-1980) fue uno de los mayores guitarristas de la historia, pero esto no alcanza para definirlo. Clasificarlo como "guitarrista de jazz" es acotarlo aún más. Fue un showman, que lo mejor que hacía era tocar la guitarra, y que lo mejor que interpretaba era jazz porque era el género que amaba y el que mejor servía a su estilo. Eso lo llevó a ser uno de los protagonistas del ambiente musical parisino de los años '30 y una de las primeras figuras del espectáculo argentino durante cuatro décadas. Cuando las discográficas no invertían millones en la imagen de un artista. Cuando un músico era popular porque lo elegía el Pueblo. El documental "Oscar Alemán: Vida Con Swing" (2002) dirigido por Hernán Gaffet, narra su emocionante y sorprendente itinerario de vida, el trágico destino familiar al que debió sobreponerse, y a la vez repasa buena parte de la historia de la música popular del siglo 20.

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Oscar Alemán: Vida Con Swing [2002]


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Las bicis de Britt & Peter


Soy como todos los humoristas, sólo
soy divertido cuando estoy trabajando
. 
[Peter Sellers, con Britt Ekland]

Bikes vs Cars [2015]



El mundo está inmerso en una gran crisis medioambiental que tarde o temprano se deberá afrontar si queremos preservar nuestra especie. El cambio climático, el agotamiento de los recursos fósiles y la contaminación urbana y de los océanos son cuestiones de máxima importancia. De vez en cuando se toman tímidas medidas a favor del medio ambiente, pero no se está afrontando el tema de forma directa. En este contexto la bicicleta se erige como una poderosa herramienta para el cambio. ¿Cómo una herramienta tan simple puede causar una revolución global que permita poner fin a gran parte de los problemas medioambientales de nuestra era? ¿Pero es tan simple poner fin a la hegemonía de los autos? ¿Qué intereses quieren poner freno a esta revolución? Incansables activistas de todo el mundo luchan para que se incrementen las ciclovías, aumenten las facilidades para los ciclistas, disminuyan los accidentes de tráfico y los niños aprendan a valorar el hecho de vivir en un mundo limpio de polución. La contribución de estos héroes anónimos a la mejora ambiental del planeta es indispensable. Pero también lo es para mejorar la calidad de vida en las grandes ciudades. No pretenden criminalizar a los conductores de automóvil, quieren cambiar las consciencias de los ciudadanos que cada día pierden horas en el tráfico cuando se trasladan en la ciudad. "Bikes vs Cars", del director sueco Fredrik Gertten, es un film que invita a la reflexión: ¿por qué no se ha conseguido que la bicicleta se posicione como vehículo principal de movilidad urbana en las principales ciudades del mundo? Sólo hacen falta pequeñas medidas para modificar el transcurso de la historia, pero hasta que los gobiernos no se atrevan a hacer frente a la poderosa industria del automóvil, los cambios no se harán efectivos. Para que esto ocurra, hay un grupo de gente que no se rinde. Un brote verde que pretende convertirse en una revolución a escala mundial. A través de este entretenido y aleccionador dossier urbano, conoceremos el trabajo diario de algunos de estos perseverantes gladiadores anónimos.

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Bikes vs Cars [2015]


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Más allá

> Por Roberto Juarroz.


Un amor más allá del amor
por encima del rito del vínculo,
más allá del juego siniestro
de la soledad y la compañía.
Un amor que no necesite regreso,
pero tampoco partida.
Un amor no sometido
a los fogonazos de ir y de volver,
de estar despiertos o dormidos,
de llamar o callar.
Un amor para estar juntos
o para no estarlo,
pero también para todas las posiciones intermedias.
Un amor como abrir los ojos.
Y quizás también como cerrarlos.


martes, 20 de marzo de 2018

Mr. Dynamite: The Rise of James Brown [2014]



Si hay un músico paradigmático y único en el vasto universo de la música afroamericana ese es James Brown (1933-2006), cantante, compositor prolífico, arreglista, bailarín de altos quilates. Brown fue un auténtico remolino, un trabajador incansable, un continuo innovador, una escuela en sí mismo, el epicentro de una actividad volcánica que lo llevó a convertirse en el disciplinado director de una de las bandas más sensacionales y telúricas de la historia. James Brown consiguió llevar sus modos de iglesia inspirados en el gospel al rhythm & blues, que en los años sesenta, ya con conciencia racial, se transformó en lo que se denominaría posteriormente como soul e inundaría el planeta. Brown desarrolló el ritmo concentrado en estado puro que se bautizó como funk y que mantendría su popularidad y atractivo hasta el presente. En los setenta, el funk tuvo como hijo a la comercial música disco, el afrobeat de gente como Fela Kuti, y sirvió de base para la fundación del hip-hop: miles de temas de rap parten de grabaciones de Brown como "Funky Drummer", "Give It Up or Turn It Loose" o "Think About it". Por decirlo de alguna manera, el funk es una creación colectiva: todos los instrumentos se concentran en generar un cierto ritmo, a expensas de la melodía. James Brown tuvo la genialidad de implicar a instrumentistas imaginativos, muchos de los cuales siguieron productivas carreras en solitario: Alfred Pee Wee Ellis, Maceo Parker, Fred Wesley, William Bootsy Collins, pero sin la visión de un talento como James Brown, es posible que no hubieran pasado de ser nombres para coleccionistas. El Rey del Soul buscaba el momento adecuado para grabar: muchos de sus más grandes clásicos se hicieron en la ruta, entre actuación y actuación. No podía ser de otra manera, Brown se había ganado a pulso el título de "el trabajador más duro del mundo del espectáculo" debido a la intensidad de sus actuaciones y el número de conciertos: más de 300 en sus buenos años. Le gustaba alardear de la afilada precisión de sus bandas, sometidas a disciplina férrea, rayando lo militar: multas por retrasos, descuidos indumentarios, fallos musicales; y si el culpable se resistía, podía llegar a ponerse violento. Brown consiguió alcanzar una posición hegemónica durante la segunta mitad del siglo 20, el cual quedó marcado por la emergencia de la música afroamericana. Miles Davis obtuvo más respeto pero nunca logró su impacto comercial. Su influencia en la música ha sido tal que nombres como Mick Jagger, Serge Gainsbourg, David Bowie, Prince y Michael Jackson lo han reconocido como un gran inspirador en sus carreras. "Mr. Dynamite: The Rise of James Brown" es un documental producido justamente por Mick Jagger y dirigido por el experimentado Alex Gibney, que pone especial énfasis en su etapa más innovadora, creativa y prolífica, en la que cimentó el sonido del soul y creó el contagioso funk. Testimonios de miembros de su banda y otros músicos de la actualidad, extraordinarias imágenes nunca antes vistas y valioso material de archivo conforman un documental impactante que nos muestra a uno de los más grandes showman de la historia de la música contemporánea.

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Mr. Dynamite: The Rise of James Brown [2014]


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Razón

> Por Biciman.©   

La razón es la flor más rara: sólo crece en el argumento destruido. Si todos tienen la verdad, el que juzga decide por instruido: si las instrucciones son heredadas o cómodamente legibles o fácilmente manipuladas, el resultado de su acción es redundante con su vapuleado instinto: decide por omisión (se abstiene) o decide lo que ya estaba decidido. Entonces la verdad es una metáfora, lo sólido no es tan sólido si no se toca, las pruebas no aprueban si no importan, y la realidad es imperturbable, aún si es dañina para sí mismo y su entorno íntimo. No alcanzan los números, las batallas, los huesos, ni la historia de todos los muertos para alumbrar la razón de cualquier vida: vivir mejor, o a veces seguir viviendo. Y todo argumento es ladrido y todo vecino es un perro. Pero un perro no desestima su experiencia: no todo humano es bueno, no todo humano es malo. ¿De qué depende? De cómo lo traten, ni más ni menos. La razón humana es rara: necesita la destrucción del fundamento para saber del error y probar de nuevo. Sólo en la crisis aflora la empatía, la conexión con la verdad del otro que es igual a la mía y que es siempre la misma: no todo vecino es bueno, no todo vecino es malo. Y si saber eso depende de lo instruido, y lo instruido es siempre lo mismo, hay una forma de variar el ciclo: volver al instinto, dejar la manada, aprender solo el camino. Y rehacer la verdad, gritar el argumento y decidir el destino, sin destruir nada, porque destruir la razón, la flor millonariamente única de todo pensamiento, es, inequívocamente, destruirse a sí mismo.

Tom Waits: Tales from a Cracked Jukebox [2017]



Creador y espejo de outsiders dados al alcohol y a la bohemia que pueblan ambientes tan sórdidos como románticos, tan míseros como fascinantes, tan teatrales como reales, Tom Waits es uno de los grandes personajes de la historia del rock, un crooner noctívago del lumpen, de los clubes de barrios bajos llenos de alcohol y humo. Artista único, ecléctico e inquieto, de voz lijosa, influenciado por la escritura beatnik de William Burroughs o Jack Kerouac y los sonidos primarios del jazz, el blues, el cabaret, las composiciones pop del Tin Pan Alley, la vanguardia, Lenny Bruce, Harry Partch, Louis Armstrong, el burlesque, Kurt Weill o el rock experimental, Waits ha conseguido construir un personaje musical singular. También ha trabajado como compositor de bandas sonoras y como actor en películas, tales como Bajo el peso de la ley , Drácula y The Imaginarium of Doctor Parnassus, y fue nominado al Óscar por la banda sonora de One from the Heart. Líricamente, las canciones de Waits presentan complejos retratos de lugares y personajes muy variados, aunque también muestra cierta inclinación por baladas más convencionales. Dada su poca repercusión mediática en televisión y radio, algunas de sus canciones son más conocidas a través de versiones hechas por otros artistas: tal es el caso de "Jersey Girl", interpretada por Bruce Springsteen, "Ol' '55", por The Eagles, y "Downtown Train", por Rod Stewart, entre otros. A lo largo de estas últimas tres décadas, Tom Waits ha ido consolidando, entre su creciente círculo de iniciados, la inquebrantable adhesión que despierta su obra entre todos aquellos que han convertido a este versátil y polifacético engendro en objeto de culto; alcanzando un grado de popularidad que ni siquiera alcanzan a atisbar artistas ya consagrados por razones más prosaicas y soporíferas. Usando imágenes inéditas, grabaciones de audio y entrevistas, "Tom Waits: Tales from a Cracked Jukebox" es un fascinante viaje fuera de hora a través del surrealista mundo iluminado por la luz de la luna de la música de Waits, un retrato de un músico pionero y de su cancionero único y marginal sobre la Norteamérica más oscura y desconocida.

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Tom Waits: Tales from a Cracked Jukebox [2017]


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La bici de Penélope


Cada minuto de nuestras vidas
es una oportunidad para cambiarlo todo
. 
[Penélope Cruz]

The Groovy Sessions XI



>Tracklist

01- Impro - Julian Convex
02- STFU [Jazz Spastiks Instrumental Remix] - Pen Pals
03- Special Place - Jazzdrip
04- Poolside - Less Is More
05- Prismatic - Birocratic
06- Danger - DeKobe
07- Back In The Days - Slam53
08- Genius Jazzy Moon - Ash n' Soul
09- Midnight - Alter Ego
10- Bourbon And Cake - EMERLD


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The Groovy Sessions XI


Estrellas

> Por Lawrence Krauss.





Cada átomo en nuestro cuerpo vino de una estrella que estalló. Y los átomos en la mano izquierda probablemente vinieron de una estrella diferente que la mano derecha. Es realmente la cosa más poética que sé de la física: todos somos polvo de estrellas. No podríamos estar aquí si las estrellas no hubieran estallado, porque los elementos - el carbón, el nitrógeno, el oxígeno, el hierro, todas las cosas que importan para la evolución - no fueron creados al principio del tiempo. Fueron creados en los hornos nucleares de estrellas y la única manera para que terminaran en nuestro cuerpo es que esas estrellas fueron suficientemente amables para estallar. Así que olvídense de Jesús. Las estrellas murieron para que pudiéramos estar aquí hoy.

Teströl és lélekröl [2017]



La nieve cae. La tierra es ahora una alfombra blanca por la que caminan dos ciervos, envueltos en árboles muertos, bruma y soledad. Se observan a lo lejos. Caminan, se encuentran, se sienten. Hablan, él con su cuerpo, ella con sus ojos. Él la abraza; ella camina, huyendo. La pureza animal, escondida en el bosque, lejos del hacer humano, única y sola, se desenvuelve bajo un lúgubre cielo. Es la imagen perfecta de un sueño, de aquella totalidad intangible y mutable, gracias a la cual nuestra realidad se nutre, pero que es un breve reflejo, una simple copia de nosotros mismos. La realidad que plantea la directora húngara Ildikó Enyedi, creadora de "Teströl és lélekröl" (On Body and Soul), es distinta a aquella bella ensoñación del bosque níveo, quizás opuesta. En la realidad la alfombra es roja, roja de sangre, y en la realidad los hombres linchan animales para hacerlos comida, los árboles son máquinas y los sueños algo lejano que hay que olvidar para poder trabajar. Los ciervos que se encontraron aquella tarde en el bosque se han separado a luces de distancia y ahora deben buscarse en otros cuerpos, en otras almas, tan cercanos. El matadero que dirige Endre (Géza Morcsányi) se encarga de sacrificar animales de granja para luego procesarlos y comercializarlos como carne de origen animal. Las vacas son descabezadas y su sangre derramada en el piso y en las manos de operadores impasibles. Endre es un hombre sin pasión, cuya única actividad pareciera ser el trabajo y la rutina laboral. Imposibilitado de un brazo, siente que su estado lo detiene a realizar otra vida, la de sus sueños. Cuando una nueva profesional ingresa al matadero, surge un imperante deseo de conocerla: sus ojos son la reminiscencia de algo en su memoria. El personaje de la impecable Alexandra Borbély se llama María y es la encargada de controlar la calidad de la carne del matadero. Su personalidad obsesiva y metódica, su comportamiento antisocial y restringido, y su brillante memoria la transforman en un ser atractivo y único para Endre. Ildikó Enyedi logra iniciar su película, ganadora de la Berlinale 2017, con una secuencia casi documental, en la cual la indiferencia y la objetividad crean un contexto glacial en el cuál se abrirá una historia de amor, sin romance ni erotismo. La oposición entre las fuertes imágenes del matadero y la suavidad y gracia con que se relacionan Endre y María generan en el espectador una fuerte empatía hacia ellos. El relato lentamente se adentra en su intimidad. De la gran e imponente estructura del matadero, cuna de la tortura y el sufrimiento animal, pasaremos a aquella plenitud sólo esbozada en sueños, en donde la libertad y los deseos fluyen sin condiciones. Casi por casualidad, Endre y María se enterarán que comparten el mismo sueño: ella es el ciervo al otro lado del lago, él es quien la ha abrazado. Se iniciará entonces una relación particular entre ambos. Ahora los días laborales serán distintos: un pequeño secreto se está gestando. Encuentros oníricos, fugaces y ocultos comienzan a suceder. Pero la cobardía de Endre y María para concretar los deseos que se revelan en sus sueños hará más dificultosa la conclusión. Y la realidad volverá a sangrar, como en el matadero, herida por la imposibilidad de los anhelos. "Teströl és lélekröl" es un relato delicado sobre la incomprensión de los cuerpos, esos que se encuentran y se pierden en cualquier lado, cualquier día, al azar y sin reglas, como en los sueños.

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Teströl és lélekröl [2017]


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