viernes, 29 de mayo de 2020

Marianne & Leonard: Words of Love [2019]



¿Por qué en el título primero leemos a Marianne y después al mito, y no al revés? Porque se ha querido prescindir en recrear la figura hermética y oscura del gran autor canadiense, para iluminar la figura paciente de un amor llevado hasta los puntos suspensivos que separan la vida del más allá. Marianne Ihlen, la mujer noruega que vivió los mejores momentos de Leonard Cohen en la isla griega de Hydra durante algunos años de la década de los '60 del siglo pasado, constituye el modelo perfecto de compañera de una figura popular en la sombra. Que antes de cantante fue poeta, para iniciar sus pasos en la música bajo la bruma de la timidez y la media sonrisa, que caracterizarían esa misteriosa personalidad, de un artista que ha llevado su influencia hasta más allá de su existencia. A Marianne le dedicó varias canciones, le envió entradas para sus conciertos a lo largo de toda su vida, pero no cabía una relación juntos; porque Leonard Cohen vivía en un mundo oscuro, decía ser una persona libre. Era un mujeriego y, como muchos otros artistas, sus flirteos con las drogas condicionaron su vida. Creció como artista bajo la influencia de la contracultura dominante, para después refugiarse en la meditación y el estudio de la existencia, estudiando la Torá y retirándose a monasterios zen; el más largo de ellos, durante seis años. En Hydra, paraíso hippie en los '60 y refugio hasta hoy de muchos artistas, escribió dos de sus más celebradas canciones: "So long, Marianne" (1967) y "Bird on the Wire" (1969). "Marianne & Leonard: Words of Love", del director británico Nick Broomfield, relata una historia de amor que fue una despedida casi desde el principio y un reencuentro constante en la distancia. "Estoy justo detrás tuyo, lo suficientemente cerca como para tomar tu mano (...). Nunca he olvidado tu amor y tu belleza. Pero eso ya lo sabes y no tengo que decir nada más. Buen viaje, vieja amiga. Nos vemos al final del camino", le escribió Leonard a Marianne poco antes de la muerte de esta, en el quizá más certero y romántico de los presagios: Ihlen falleció en julio de 2016 y Cohen murió sólo tres meses después.

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Marianne & Leonard: Words of Love [2019]


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Pensar

> Por Biciman.©   




Pienso más
lo que digo
que lo que digo.
Sobra músculo
falta fuerza
y el silencio merecido
por el cansancio exacto
de pensar justo
lo mismo que digo.


Blue Note Records: Beyond the Notes [2018]



Blue Note es un sello discográfico fundado por Alfred Lion y Francis Wolff, dos judíos alemanes que en los años 30 huyeron de la persecución alemana para asentarse en el país de las oportunidades y crear un espacio para su música favorita, fue un subterfugio para músicos que buscaban experimentar sin las restricciones de las grandes compañías musicales, ávidas de vender sus productos sin reparar en la calidad de los mismos. Sin embargo, este par de amigos buscaban la libertad de creación, la misma que proporciona el jazz a sus músicos, la misma que estos músicos, la mayoría negros, ansiaban en su lucha colectiva por los derechos civiles. A día de hoy, su esfuerzo colectivo por invertir en libertad creativa y calidad, apostando por pagar las horas de ensayo a sus músicos, repetir las grabaciones hasta encontrar consenso en el grupo o practicar el amparo social y económico de aquellos que vivían la vulnerabilidad de su propio destino, como el enigmático Thelonious Monk, se ve reflejado en cada uno de los discos producidos entre los años 1932 y 1966. Además, gracias a la pasión por la fotografía de uno de sus dueños, Francis Wolff, capturando cientos de imágenes durante las sesiones grabaciones y convirtiendo a Blue Note en uno de los archivos fotográficos de jazz más interesantes, el diseñador gráfico Reid Miles pudo crear unas portadas que hoy son auténticas obras de arte en sí mismas, aportando al formato de grabación, entonces el vinilo, un valor añadido para sus coleccionistas. Este documental dirigido por Sophie Huber, la directora suiza que ya sorprendió a la crítica con su ópera prima sobre la vida y obra de Harry Dean Stanton, enlaza perfectamente el pasado y el presente de este sello discográfico, sin caer en el dramatismo de las dificultades financieras, la pérdida de identidad al venderse a Liberty Records y, en consecuencia, las aspiraciones iniciales de sus fundadores, o la evolución del jazz perdiendo esa aportación fresca y genuina del bebop durante la década de los cuarenta. Lejos de todo esto, "Blue Note Records: Beyond the Notes" se convierte en un documental esencial para los amantes del jazz sin contemplaciones. A modo de homenaje, esta cinta se convierte en imprescindible, sobre todo en un mundo que cada día demanda más que nunca grandes historias.

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Blue Note Records: Beyond the Notes [2018]


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La bici de Irina


Cuando la libertad se defiende con odio, 
ya no es libertad.
[Irina Demick]

The Blue Note Collection Vol 8



>Tracklist

01- A New Day - Kazumi Kaneda
02- A Little Piece of Happiness - Living Room
03- Un grosso guaio [Dave Masoch Re-Jazzed] - Acusmatic Group
04- Let's Go - Low Fidelity Jet Set Orchestra
05- Mellowman - Black Mighty Orchestra
06- Third Row - Kazumi Kaneda
07- Investigations - Clan Greco
08- If I Had Said to You - Agostino Maria Ticino
09- Thinking of You - Eme Hache
10- Autumn River- The James Taylor Quartet

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The Blue Note Collection Vol 8

Creación

> Por Charles Bukowski.



Sabes, yo tenía una familia, un trabajo, algo siempre estaba en el medio. Pero ahora he vendido mi casa y he encontrado este lugar, un estudio amplio, deberías ver el espacio y la luz. Por primera vez en mi vida voy a tener el lugar y el tiempo para crear. No, cariño, si vas a crear, vas a crear trabajando 16 horas al día en una mina de carbón o vas a crear en una habitación con tres chicos mientras estás desempleado, vas a crear aunque te falte parte de tu mente y de tu cuerpo, vas a crear ciego, mutilado, loco; vas a crear con un gato trepando por tu espalda mientras la ciudad entera tiembla, con terremotos, bombardeos, inundaciones y fuego. Cariño, aire y luz y tiempo y espacio no tienen nada que ver con esto y no crean nada, excepto quizá una vida más larga para encontrar nuevas excusas.

Systemsprenger [2019]



"Systemsprenger" (System Crasher) es una pelícua dirigida por Nora Fingscheidt, ganadora del Oso de Plata en la Berlinale, además de muchos otros premios internacionales. En ella se comienza a contarnos la historia cuando esta ya ha llegado a un límite. 37 respuestas negativas de hogares de menores, dos internaciones en psiquiatría, demasiado joven para una institución cerrada: ya no hay donde enviarla. Es que si estridente es un sonido agudo, desapasible, chirriante, y un color o una actitud estridente molestan por su violencia, su extravagancia o su exceso, entonces no hay adjetivo que exprese mejor lo que suscita Benni (Helena Zengel), de apenas 9 años, la protagonista de "Systemsprenger". Una rompesistema, como se los denomina a estos “casos” perdidos en la jerga de los trabajadores sociales del Jugendamt, la Oficina de Protección de Menores alemana. En una jugada arriesgada, la película nos presenta al personaje de Benni sin filtro ni romantización alguna. Cuando creemos sentir un instinto protector por la niña, al avizorar destellos de fragilidad, bruscamente nos vuelve a sacar de quicio. Benni, de eterna chaqueta rosa fluo, como los colores que signalizan los servicios de emergencias, es burlona, agresiva, insoportable y con su incontenible energía vuelve a salir disparada al ritmo del tictac de una bomba a punto de estallar, mientras la película adquiere su mismo ritmo, su tono, su forma. Pero en medio de todo ese sobresalto, de gritos y estallidos y portazos, calladamente se va entablando una relación, un vínculo entre Benni y Micha (Albrecht Schuch). Un entrenador antiviolencia que envían con la sola misión de asegurarse de que vaya a la escuela. “Para retrasados”, dirá Benni que se niega a ir. Pero en Micha hay algo que lo hace también no pertenecer; en su caso no pertenecer del todo a esa numerosa ronda de maestros especiales y asistentes sociales y personal pedagógico y psiquiatras superados por las circunstancias y, en ausencia de la madre, con potestad para decidir sobre la vida y el cuerpo de Benni. Pronto veremos que no sólo su dura apariencia une a Micha y Benni. De algún modo son iguales. "Systemsprenger" no edulcora la historia: Benni no es Heidi ni la niña rubiecita de la publicidad. Es una "Kampfzwerg", una enana guerrera, como la llama Micha, que de repente puede convertirse en una especie de Glenn Close de "Atracción fatal". "Systemsprenger" nos presenta al personaje de Benni con un realismo crudo. Y sin embargo, nunca más adecuada la elección de la canción que acompaña los créditos: "Ain’t Got No, I Got Life" interpretado por la impresionante Nina Simone. Allí está la clave de Benni. Y emociona.

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Systemsprenger [2019]


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La bici de Brad [2]


Estados Unidos no es un país,
es un negocio.

[Brad Pitt]

De Palma [2015]



Nacido en Nueva Jersey (Estados Unidos) en 1940, Brian de Palma plagó la segunda mitad del siglo 20 de películas emocionantes, personalísimas y llenas de reverencias a la historia del cine. Formó parte del selecto grupo que revolucionó la industria en los años 60 y 70, movimiento conocido como el Nuevo Hollywood, donde entabló amistad con Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg o George Lucas. Sin embargo, sus películas se alejaban de toda tendencia y apostaban por el formalismo, donde la puesta en escena era toda una declaración de intenciones. Además, sus retratos del voyeurismo nos obligan a mirarnos a nosotros mismos como espectadores, y nos ayudan a entender por qué la posibilidad de observar sin ser vistos es tan sumamente fascinante. "De Palma" es un documental dirigido por Noah Baumbach y Jake Paltrow, en el que realizan una extensa entrevista al director. Así, repasan todas y cada una de sus películas, en las que De Palma recupera momentos, anécdotas y opiniones. Es una forma irrepetible de entender su cine, sus inquietudes y sus numerosas referencias cinematográficas, que lo han convertido en uno de los grandes directores del Nuevo Hollywood. Esta película es una buena manera de adentrarnos en su filosofía como director, mucho más profunda e inquietante de lo que se ha pensado en muchas ocasiones por parte de la crítica. "Mis películas suelen decepcionar a la gente", dice en el documental el propio cineasta. Y es que lo diferente siempre decepciona, pero nunca muere.

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De Palma [2015]


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Complejo

> Por Biciman.©   



Dejar al complejo
estéril
sin agua
y sin culpa.
Un día perfecto
lo imperfecto
me sirve.
Una gran nariz
puede ser
un saxo
un puente
un lugar donde respiro.


La Organización Negra [2016]



Buenos Aires, 1984. La ciudad despierta de la larga noche de la dictadura. Sus calles vuelven a poblarse de gente. La euforia democrática lo tiñe todo de un optimismo multicolor. Sin embargo, desde los márgenes, un grupo de jóvenes se prepara para intervenir el espacio público de una forma revolucionaria. Sin siquiera sospecharlo, están a punto de poner en marcha un dispositivo teatral que marcará un antes y un después en el ámbito del teatro y la performance en Argentina. "La Organización Negra (Ejercicio Documental)" ensaya la historia de La Organización Negra, un colectivo teatral que entre 1984 y 1993 se propuso dejar de lado la palabra y poner el cuerpo y la acción en primer plano, desarrollando un nuevo lenguaje escénico basado en imágenes, que apelaban a la provocación del espectador derribando la cuarta pared del teatro tradicional. La Organización Negra fue el germen de grupos posteriores como Ar Detroy, De la Guarda y Fuerza Bruta. ¿Cómo llevar el teatro fuera de sus propios límites? Esa parece ser la pregunta sobre la que se construye el documental dirigido por Julieta Rocco. Porque, en pleno fervor de la “primavera alfonsinista” y cuando todo parecía direccionar hacia lo político y sus instituciones, La Negra se desmarcó para trabajar desde lo lúdico y lo salvaje de una estética industrial, oscura, y desde una apuesta por el cuerpo inédita en esos años en la Argentina. En la palabra de sus propios protagonistas, la película recrea momentos clave del grupo: desde Cemento y La tirolesa/Obelisco hasta su disolución en los noventa, todo el vértigo de una agrupación que supo tomar la calle con su arte para conquistar el aire.

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La Organización Negra [2016]


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La bici de Reese & Mark


La ambición femenina
es el terror de los hombres.

[Reese Witherspoon, con Mark Wahlberg]

viernes, 27 de marzo de 2020

A Dog Called Money [2019]



Uno de los grandes desafíos de todo documental musical es atrapar el momento de la creación y registrarlo para la posteridad. Hay múltiples muestras al respecto. Puede ocurrir por azar, porque la cámara estaba ahí en el momento adecuado, o puede responder a un plan preconcebido. Este es el caso de "A Dog Called Money" (presentado en la sección Panorama de la Berlinale), donde la artista británica PJ Harvey se asocia con el fotógrafo Seamus Murphy para filmar lo que ellos mismos llaman “un experimento”, la creación a lo largo del globo de su nuevo álbum, "The Hope Six Demolition Project", para lo que no reparan en medios y ambiciones. El film arranca en Kabul y viaja a Kosovo y a Washington D.C. buscando historias y material para las canciones en entornos asolados por la destrucción, la muerte y la pobreza, pero también por cierta esperanza. No en vano, un grupo de evangelistas protagoniza uno de los bloques de esta película-collage que salta sin solución de continuidad de los movimientos migratorios en Macedonia a los ghettos afroamericanos, a operaciones militares en Afganistán o a protestantes sirios contra Assad. Entre un escenario y otro, la película nos adentra en el estudio de grabación de Londres, un cuarto expresamente diseñado al efecto en el que los curiosos pueden ser testigos de la grabación del álbum como si fuera un peep-show, sin que los músicos puedan verlos ni viceversa. El proceso se antoja extremadamente colaborativo y el aura enigmática de la música nunca se ve del todo desactivada, ya que el objetivo no es conocer a la persona sino adentrarnos en los procesos creativos de la artista. Harvey incluso añade una voz en off poética a las imágenes, que ejerce una cualidad de flujo de pensamiento ante las situaciones, los ambientes y las personas que va encontrando en su camino. El gran interés de "A Dog Called Money", aparte de los temas musicales resultantes (conformando uno de los grandes álbumes de Harvey, extraordinariamente ecléctico), es la oportunidad que brinda de poder poner imágenes y rostros concretos a cada uno de los temas del disco, aquellos que la propia artista tenía en mente cuando compuso los temas. Es un documento experimental cautivante, en especial para los fans de la cantante PJ Harvey, que podrán asistir a su proceso creativo y descubrir su pensamiento sobre el mundo que nos rodea, relatado en las letras de sus canciones.

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A Dog Called Money [2019]


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Cenicienta

> Por Biciman.©   





Ese dedo entra justito en mi culo. Su diámetro color calor intenciones. No hay otro igual. Tampoco es que lo voy a andar buscando por todo el reino. Un par de beldades a la redonda y ya está. Porque yo sé dónde está ese dedo. Entre falanges de una mano que mece mis lunas. En cortezas copulantes que no quiero nombrar. A menos que me circunciden el recuerdo, me arranquen la memoria y quede al descubierto como aireando un poco la edad. Ese dedo no es mío y siempre lo quise y nunca lo fue. Entró en mi cuerpo como un virus motorizándome el rabo, inventándome helicópteros de ansiedad. Y mi culo fue un botón y esa mano un ascensor y ahora bajo como cienqués por la escalera más larga del mundo. Todos los dedos de la humanidad señalándome no me importan. Yo quiero ese dedo. Sé que anda siempre desnudo. Y que la última campanada de medianoche no me lo traerá. Entonces acá me quedo. Acá lo espero. Acá lo veo. Acá viene. Acá está. Ese dedo tiene sombra. Es mi culo que está detrás.

Miles Davis: Birth of the Cool [2019]



Preciso, inteligente, meticuloso y mágico. Estos cuatro adjetivos bastan para describir el documental del norteamericano Stanley Nelson ("The Black Panthers", "American Experience"), sobre Miles Davis, uno de los artistas más importantes del jazz, basado en una estructura que se libera por medio de la improvisación. El trabajo de Nelson posee una cronología canónica: se recorre la vida del artista desde su nacimiento hasta el final de su vida, se revisa su obra, teniendo en cuenta tanto sus triunfos como sus fracasos, y se examinan tanto las cualidades como los defectos que son parte de su condición humana. Pero gracias a esta estructura es que se puede apreciar la enorme libertad que Miles Davis le aportó a un género, que de por sí es libre (o debería serlo). El actor Carl Lumbly (de la serie "Supergirl") aporta su voz para encarnar a Davis y contarnos su historia. Lumbly logra imitar muy bien la singular voz rasposa del trompetista, la cual se complementa con unas estupendas imágenes de archivo y con la música original de Davis. Gracias a un perfecto equilibrio entre la voz, la imagen en movimiento y la música, los amantes del jazz volverán a enamorarse de Davis y quienes poco o nada saben de jazz, podrán descubrir uno de los regalos más hermosos que Estados Unidos le ha dado al mundo. "Miles Davis: Birth of the Cool" es una película dedicada a quienes amamos la música, a quienes se nos pone la piel de gallina cuando escuchamos a Miles Davis y a los que todavía no logramos entender cómo ciertas personas han sido verdaderamente bendecidas por los dioses, ya que son capaces de alcanzar la inmortalidad gracias a unas obras excelsas: las que logran producir un inmenso e intenso placer en nosotros, los míseros mortales.

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Miles Davis: Birth of the Cool [2019]


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La bici de Helen


Si esperas consuelo por tu orgullo herido...
pídele un turno a tu mamá.

[Helen Freeman]

The Groovy Sessions XII



>Tracklist

01- Starsky - Voo Doo Phunk
02- Kontaminazione - Bossa Nostra
03- Jazz Brake - Ohm Guru
04- Man Sueto Theme - Man Sueto
05- Moai Message - Jestofunk
06- Piri Piri - Takuya Kuroda
07- Kontaminazione II - Bossa Nostra
08- Pentatonic - Soul Jazz Unit
09- Tokio Station - Ohm Guru
10- Sentimental Song - Man Sueto


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The Groovy Sessions XII


Virus

> Por Byung-Chul Han.




El virus no vencerá al capitalismo. La revolución viral no llegará a producirse. Ningún virus es capaz de hacer la revolución. El virus nos aísla e individualiza. No genera ningún sentimiento colectivo fuerte. De algún modo, cada uno se preocupa solo de su propia supervivencia. La solidaridad consistente en guardar distancias mutuas no es una solidaridad que permita soñar con una sociedad distinta, más pacífica, más justa. No podemos dejar la revolución en manos del virus. Confiemos en que tras el virus venga una revolución humana. Somos nosotros, personas dotadas de razón, quienes tenemos que repensar y restringir radicalmente el capitalismo destructivo, y también nuestra ilimitada y destructiva movilidad, para salvarnos a nosotros, para salvar el clima y nuestro bello planeta.

Es esmu seit [2016]



Ganadora de un Oso de Cristal Generation 14Plus en la Berlinale 2016 (apartado dedicado al cine con jóvenes), y con el protagonismo prácticamente total de la actriz Elina Vaska (nieta del compositor Peteris Vasks), "Es esmu seit" (Mellow Mud) nos muestra un año en la vida de Raja y su hermano pequeño Robis. Sin padre y con la madre de ambos viviendo y trabajando en Inglaterra, los dos conviven con su abuela en una granja del interior de Letonia. Un día, esta última aparece muerta en casa (por causas naturales) y Raja se ve obligada a sobrevivir de todas las maneras posibles sin que nadie se percate de tal pérdida, ya que esto los llevaría a un orfanato (al ser todavía menores). Mientras tanto, Raja busca la forma de llegar hasta su madre y descubrir qué es de su vida. Una película que muestra poco, lo justo, pero de una naturaleza interna profunda. Lo ordinario que sucede tras algo fuera de lo normal. La naturalidad de la marginalidad, al menos como punto de referencia para la percepción del espectador. Un progreso invisible y a veces ingenuo, como si se percatara de su dramatismo. Quizás en esa mezcla radique su interés, en ese equilibrio bien buscado y encontrado. También en la gran actuación de sus protagonistas. Un retrato sutil de los detalles que nos marcan o nos forman el carácter, desde la soledad a la experiencia del primer amor o la amistad. Aunque visualmente estamos ante una obra elegante y contemplativa (incluso al dar forma al barro), las imágenes destacan al unirlas al sonido, o a la falta de él, en muchos casos. Una especie de señal aclaratoria que indicará dudas que debemos plantearnos. La protagonista, muchas veces en situaciones desesperadas, toma caminos moralmente reprobables o incluso legalmente penados, pero siempre quedará esa duda en el espectador. Eso es mérito de Renars Vimba, realizador y guionista. El creador de un potente drama orientado a ciertas dosis de optimismo, con un personaje perseverante hasta el colapso, al menos hasta obtener lo que busca.

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Es esmu seit [2016]


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La bici de Ollie


¡Este es otro buen lío en el que me has metido! 
[Oliver Hardy]

Bergman: A Year in a Life [2018]



En 1957, Ingmar Bergman estaba enfermo. La impetuosa necesidad del artista por hacer una "obra digna" y estar a la altura de las expectativas del público, y las que tenía consigo mismo, le producían intensas dolencias estomacales que no le permitían lidiar con el sueño. Era ese insaciable apetito creativo, correspondiente de un genio como él, el que lo llevaría a realizar una carrera artística prodigiosa, pero también le significaría vivir una vida perturbada y solitaria. Bajo esta premisa, la crítica de arte y escritora Jane Magnusson desarrolla "Bergman: A Year in a Life", el tercer proyecto cinematográfico de la directora que busca reflexionar acerca de la singular y contradictoria vida del cineasta sueco, trazando fuertes vínculos con sus obras. Tras haber realizado otros documentales sobre su persona, como "Descubriendo a Bergman" (Trespassing Bergman, 2013), Magnusson expone cómo fue que en 1957 el director de "Un verano con Mónika" (1953) llevaría al límite sus capacidades físicas, artísticas e incluso emocionales, para llevar a cabo la realización de dos obras de teatro, una producción para televisión, dos radioteatros y el estreno de su icónico largometraje "El séptimo sello", además de escribir y filmar otras dos películas: "Fresas salvajes" (1957) y "En el umbral de la vida" (1958); sacrificando la mayor parte de su vida familiar. El documental gira alrededor de aquel año utilizándolo como excusa para hacer un recorrido por la biografía del cineasta de forma anacrónica, a la vez que marca un antes y un después en su carrera cuando comienza a proporcionarle un componente autobiográfico al desarrollo de sus relatos. Magnusson lo muestra como figura indiscutible e insuperable, pero también esclarece sus facetas más oscuras de forma crítica y respetuosa, aunque en ocasiones muy categórica a pesar de su aparente discurso reverente. Bergman es presentado como un artista brillante, pero también como un hombre neurótico, egocéntrico, mezquino y mujeriego que consiguió una libertad creativa total en el desarrollo de sus proyectos en su Suecia natal, pero también abusó del poder pasando por encima de quien osara ir en su contra. "Bergman: A Year in a Life" nos clarifica al creador y al hombre, exponiendo que la única forma de conocer a Bergman es a través de su obra. Una obra que nació de la oscura personalidad de su autor, que logró transformar sus miedos, traumas e inquietudes en un legado indispensable para los amantes del cine y del arte.

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Bergman: A Year in a Life [2018]


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Felices siestas

> Por Biciman.©   




Exploto
Girondo
atómicamente
de ganas
de unirme
a una chispa
que vuele
por los aires.


Everybody Street [2013]



Las calles de cualquier ciudad son el escenario, el set de fotografía perfecto para la creación de imágenes inolvidables, de retratos naturales. Si de ciudades se habla, Nueva York ha sido durante años el lugar favorito para la fotografía callejera y ha servido de inspiración para los grandes artistas de la cámara. "Everybody Street" quiere homenajear eso. Se trata de un documental que presenta la vida y el trabajo de icónicos fotógrafos de Nueva York, y la manera en que se inspiraron en las calles de la mítica ciudad. El documental es un tributo al espíritu de la fotografía, tomada instantáneamente en la calle, y su singular perseverancia a través del tiempo. La película cuenta con testimonios de miembros históricos de la agencia Magnum como Bruce Davidson, Elliot Erwitt o Bruce Gilden, que lograron retratar los personajes de la calle con sus particularidades y detalles cotidianos. También incluye la mirada de otros, como Jill Freedman, Rebecca Lepkoff, Mary Ellen Mark o Marta Cooper, quien supo capturar la esencia del street art. Muestra además la experiencia de Rick Powell como fotógrafo de la escena musical neoyorquina, y del serbio Vladimir Milivojevich, conocido como Boogie, quien con su lente se aventuró en el mundo de drogadictos y pandilleros. La lista de expertos en este arte se completa con Luc Sante, Max Kozloff, Clayton Patterson, Jamel Shabazz, Joel Meyerowitz y Jeff Mermelstein. "Everybody Street" muestra el proceso que realizaron estos retratistas callejeros para capturar parte del alma de quienes transitan las amplias calles neoyorquinas. Es el retrato de aquellas personas que con agilidad, rapidez, elegancia, instantaneidad y extroversión apuntaron su lente a momentos y expresiones irrepetibles de la vida cotidiana en la gran metrópolis.

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Everybody Street [2013]


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La bici de Molly & Randall


Extraño los cassettes , las polaroids y las cartas...
Pero enciendo el celular y me olvido de todo.

[Molly Ringwald, con Randall Batinkoff]