> Por Darío Jaramillo Agudelo.
A estas alturas rodando,
literalmente rodando,
asumo mi destino,
araño cielos, tiento paraísos,
busco la clave que me traspase,
sin buscarla la busco,
la llave es un torso, un gesto,
la sonrisa de un amor imposible
o de otro amor imposible.
Los amores imposibles
-es tan evidente que siempre lo olvido-
son partes de ese mundo imposible
que es mi mundo verdadero.
martes, 14 de marzo de 2017
Shell [2012]

"Shell" es el primer largometraje del escocés Scott Graham, quien ya en 2007 firmó un corto con el mismo título, igualmente rodado en las Highlands de su país y ligeramente parecido en su temática a esta historia. Sobria, sutil y poderosa son algunos de los adjetivos que la crítica mundial ha usado para calificar esta transición del corto al largometraje. Shell (Chloe Pirrie, ganadora del Premio del Cine Independiente Británico a la Revelación más Prometedora por este trabajo), es la protagonista con nombre de gasolinera (conveniente, por cierto, al trabajar en una) pero cuando le sacan la broma ella prefiere decir que "shell" (concha o caparazón en inglés) es ese bonito objeto que uno encuentra en el mar, el mismo que posiblemente nunca haya visto en su vida. Shell vive en las Tierras Altas de Escocia, en mitad de ese paisaje tan fantástico como demoledor, que encanta a turistas pero que puede resultar desesperante si uno lleva toda su vida conviviendo con él. La madre de Shell se marchó hace muchos años y la dejó sola con su padre, Pete (Joseph Mawle), el dueño de esa gasolinera en medio de la nada, un mecánico que sufre ataques de epilepsia y depresión. A sus 17 años, Shell no sólo tiene las hormonas en efervescencia, sino que la atraviesa un deseo de evasión física y mental. ¿Pero qué hacer con su padre? ¿Cómo cargar con la culpa, con la peligrosa ambigüedad de la relación paterno-filial y el miedo a lo desconocido, más allá de las eternas carreteras de las Highlands? Con un fuerte material dramático entre manos, Graham elabora un complejo retrato de una adolescente atípica en el cual, afortunadamente, casi no hay lugar para el voyeurismo ni el maniqueísmo fácil. El guión apuesta por diálogos sobrios y abre espacio para que los silencios y el lenguaje corporal nos den pistas sobre los acontecimientos. Alrededor de Shell y de su padre, hay una galería de personajes que cortan momentáneamente el aislamiento enfermizo en que viven y, por consiguiente, acaban por intensificar el deseo de un cambio jamás verbalizado. Como en el final de "Fish Tank", de Andrea Arnold, ese cambio, cuando por fin ocurre, deja un regusto amargo en la boca pero apunta hacia un futuro que se espera menos sofocante. "Shell" es una película intensísima en su austeridad y la prueba de que la vieja fórmula "un buen guión, buenos actores y un buen director” puede dispensar del apoyo de efectos especiales y grandes presupuestos para hacer una obra que quede por mucho tiempo en nuestra memoria.
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Shell [2012]
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National Lampoon: Drunk Stoned Brilliant Dead [2015]

"National Lampoon" fue una revista de humor estadounidense que se editó entre 1970 y 1998. La revista logró gran popularidad durante la década de 1970 y dio lugar a películas, programas de radio, teatro, grabaciones y libros. Muchos miembros del personal creativo de la revista triunfaron posteriormente en otros medios de comunicación. Durante muchos años la revista fue una parodia surrealista del modo de vida americano, con toques de historietas y dibujos, cómic y fotografías que repasaban el sentir de la juventud estadounidense. Casi todos los asuntos tratados, incluidos los textos más breves, partían de la hilaridad. Contenía una sección de elementos noticiosos reales (bautizada "Hechos Ciertos"), a la que se añadían historietas y tiras de cómic. Otras páginas incluían los llamados "Foto Funnies" o "Fumetti", a menudo presentando desnudos mezclados con un humor descarnado. El resultado era una mezcla inusual de humor inteligente e ingenio desbordante, combinados ambos con golpes brutales e inesperados saltos al vacío. El documental "National Lampoon: Drunk Stoned Brilliant Dead" de Douglas Tirola, reconstruye la historia de la mítica revista surgida de la contracultura universitaria en los años '70 y devenida luego en una institución cultural con fuerte influencia en el rock, el cine, la radio y la TV. En sus primeros segundos aparecen desde John Goodman hasta Judd Apatow, Billy Bob Thornton y Kevin Bacon, hablando de la importancia que para su generación tuvo el fenómeno "National Lampoon". Es que prácticamente nada del humor actual (desde el programa televisivo Saturday Night Live hasta Los Simpson, pasando por la Nueva Comedia Americana) habría sido posible sin la irreverencia y la posterior popularidad de "National Lampoon". Buena parte del film está dedicado a Doug Kenney y Henry Beard, los estudiantes de Harvard que iniciaron una publicación satírica y terminaron construyendo un emporio sustentado en la provocación y la incorrección política. Del underground neoyorquino a la masividad (llegaron a tener 12 millones de lectores), los escenarios (la banda Lemmings) y finalmente a Hollywood (Colegio de animales, Vacaciones), por la franquicia "National Lampoon" pasaron notables escritores y dibujantes, y múltiples figuras como Gilda Radner, John Belushi, Harold Ramis, John Landis, Bill Murray, Christopher Guest, John Hughes y Chevy Chase, varios de los cuales aparecen por este documental que expone la genialidad y los excesos (sexo, drogas y rocanrol en toda su dimensión) de aquellos tiempos. Con un impresionante despliegue de testimonios e imágenes (ahí está hasta el erudito Marshall McLuhan analizando el fenómeno "National Lampoon") el documental se convierte no sólo en una fascinante reconstrucción de un éxito impensado sino también en un valioso ensayo sobre la historia del humor estadounidense de los últimos 45 años.
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National Lampoon: Drunk Stoned Brilliant Dead [2015]
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Deseo
> Por Biciman.©
Redeformar
este deseo.
Que tanto rayo
no espante.
Yo soy lo que vos me hacés.
Nada.
Amigo.
Amante.
Redeformar
este deseo.
Que tanto rayo
no espante.
Yo soy lo que vos me hacés.
Nada.
Amigo.
Amante.
Django Reinhardt: Three Fingered Lightning [2010]

Jean Baptiste "Django" Reinhardt (Liberchies, Bélgica, 23 de enero de 1910 - Fontainebleau, Francia, 16 de mayo de 1953) es considerado uno de los mejores guitarristas de jazz de todos los tiempos, y el primer jazzista europeo en realizar importantes contribuciones para el desarrollo del instrumento. Luego de que dos de sus dedos quedaran paralizados debido a las quemaduras que sufrió durante un incendio, Reinhardt utilizó solamente el índice y el medio de su mano izquierda para tocar, desarrollando un estilo completamente nuevo para los guitarristas de jazz, a veces llamado “hot jazz guitar”, y que desde entonces se ha convertido en una tradición musical en la cultura gitana-francesa. Jean “Django” Reinhardt pasó la mayoría de su primera juventud en campamentos gitanos cerca de París, donde comenzó a tocar el violín, el banjo y la guitarra. Su familia se dedicaba a la construcción de muebles de caña, pero el clan también incluía a unos cuantos músicos amateur que incentivaron al pequeño Django. Reinhardt se vio atraído por la música a temprana edad, tocando primero el violín. A los doce recibió su primer banjo de regalo y aprendió a tocar rápido, copiando el movimiento de los dedos de los músicos que miraba. A los 13 ya podía sustentarse gracias a la música. Recibió muy poca educación formal y fue iletrado la mayor parte de su vida adulta. Entre 1929 y 1933 fueron años de formación musical para Reinhardt. Se dedicó por completo a la guitarra y escuchó por primera vez el jazz norteamericano, quedando especialmente impresionado con Louis Armstrong. En 1934 formó el quinteto "Hot Club de Francia", que carecía de instrumentos de percusión y era conformado solamente por cuerdas. Además de tocar con el famoso quinteto, Reinhardt también tocó y grabó con varios jazzistas norteamericanos y participó en una jam-session con Louis Armstrong. Más tarde llegaría a tocar, en Francia, con Dizzy Gillespie. En 1951, Reinhardt se retiró a Samois-Sur-Seine, cerca de Fontainebleau, donde vivió hasta el final de su vida. Continuó tocando en los clubes de jazz de París y empezó a familiarizarse con la guitarra eléctrica. Sus últimas grabaciones con el “Nuevo Quinteto” lo muestran moviéndose en una nueva dirección musical, habiendo asimilado el vocabulario del bebop y fusionándolo con su propio estilo melódico. Una noche, caminando cerca de la estación de trenes de Avon luego de un show, colapsó antes de llegar a su casa, debido a una hemorragia cerebral. Fue declarado muerto ese mismo domingo en el hospital de Fontainebleau. Tenía 43 años. "Django Reinhardt: Three Fingered Lightning" es un documental francés del 2010 que retrata con respetuosa fidelidad e inéditas imágenes de archivo, el devenir musical de un guitarrista tan genial como instintivo, descripto por el gran Jeff Beck como: "Por lejos, el más sorprendente guitarrista de todos los tiempos".
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Django Reinhardt: Three Fingered Lightning [2010]
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lunes, 11 de julio de 2016
Janis: Little Girl Blue [2015]

La vida de Janis Joplin ha sido narrada con tal profusión de detalles que es difícil encontrar información nueva y puntos de vista diferentes a los ya conocidos. El valor del documental "Janis: Little Girl Blue" es precisamente el de arrojar algo más de luz sobre una de las biografías más desgarradoras y apasionantes de la música popular del siglo XX. La realizadora Amy Berg cuenta para ello con los testimonios de antiguos colaboradores, familiares y amantes. Un desfile de rostros ordenado para construir un discurso en común, el relato de una tigresa que nunca dejó de ser una pequeña chica triste. Esta es al menos la idea principal que defiende la película, identificar a Joplin como un personaje lleno de aristas y contradicciones. Berg maneja un nutrido archivo de imágenes de la época, algunas de ellas hasta ahora desconocidas. Conciertos, entrevistas, grabaciones amateurs, programas de televisión, se intercalan en la pantalla como piezas de un mosaico que se va completando a medida que avanza el metraje. Lejos de la habitual tendencia a convertir los documentales de personajes famosos en límpidas biografías, Amy Berg no oculta el lado oscuro de Janis, sus excesos, su falta de confianza en sí misma, la huella que dejó en ella ser el patito feo en la escuela de su Texas natal, su transformación cuando se instala en San Francisco, todo un reto para una mujer que alcanza el éxito mundial en muy pocos años. Uno de los aspectos más novedosos es la lectura de las cartas que Joplin remitió a su familia en la voz de Cat Power. "Janis: Little Girl Blue" es hasta la fecha el documental definitivo sobre la artista. Un trabajo hecho desde el respeto y la admiración, que interesará tanto a los melómanos como a los que se quieren asomar al abismo de una personalidad siempre al filo de sus posibilidades. Amy Berg esboza también el paisaje de los años sesenta, la eclosión del rock, la experiencia con las drogas, los derechos sociales. Una década fascinante que tuvo en Janis Joplin a una de sus más carismáticas figuras. En definitiva, el retrato necesario de una estrella que encandiló con fulgor y que se apagó demasiado pronto.
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Janis: Little Girl Blue [2015]
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Matar a la serpiente
> Por Biciman.©
Quisiera la serpiente ser lombriz, atravesar el ras de su herencia, hundirse en lo negro, cavarle venas a la tierra. Pero no lo haría, al ser impulsada por su templaria genética, con el dichoso y espontáneo fin de engordar su cuerpo sentido con la humedad que nutre la fugaz y prodigiosa experiencia de ser parte de ser uno en un millón de planetas. Quisiera la serpiente ser lombriz para ser serpiente en el bajo mundo que la soporta y no percibe y no acapara en su tenso dominio que todo lo quiere. Quisiera la serpiente hacer túneles más grandes, rectos, intersectados, inteligentes, productivos, una eficaz estructura de pobredumbre barata y repetitiva, que cumple sin merma con el altruista objetivo de socavar más espacios para más serpientes. Las abejas también tienen nobleza dirá ella, con el mortífero orgullo de su estirpe. Pero las abejas reinan para más abejas, no para más reinas. Las abejas y las lombrices saben que hay abejas y abejas reinas y más lombrices y más serpientes y ratas que nadan y chanchos que vuelan. Y moscas de sopas y tortugas que escapan porque no hay donde morderlas. Saben que la vida es naturalmente una guerra, que no hay paz sino equilibrio, que los espacios se ganan y defienden, con el único y difícil mérito de ser parte de la vida y de la guerra. Y saben que la muerte se combate con muerte. En el ataque que siempre comienza, es menester del bichaje sacudir las minorías para inquietar el impacto, alarmar el arrebato del territorio perdido, revivir lo sanguinario para matar el espanto. En el ataque que nunca termina, se repiensan las defensas, el escudo se tensa con la costilla de al lado, la fiamma subversiva recorre bajos y esquinas, tramando el conjuro de un solo bramido urgente: hay que matar a la serpiente, hay que matarlos a todos.
Quisiera la serpiente ser lombriz, atravesar el ras de su herencia, hundirse en lo negro, cavarle venas a la tierra. Pero no lo haría, al ser impulsada por su templaria genética, con el dichoso y espontáneo fin de engordar su cuerpo sentido con la humedad que nutre la fugaz y prodigiosa experiencia de ser parte de ser uno en un millón de planetas. Quisiera la serpiente ser lombriz para ser serpiente en el bajo mundo que la soporta y no percibe y no acapara en su tenso dominio que todo lo quiere. Quisiera la serpiente hacer túneles más grandes, rectos, intersectados, inteligentes, productivos, una eficaz estructura de pobredumbre barata y repetitiva, que cumple sin merma con el altruista objetivo de socavar más espacios para más serpientes. Las abejas también tienen nobleza dirá ella, con el mortífero orgullo de su estirpe. Pero las abejas reinan para más abejas, no para más reinas. Las abejas y las lombrices saben que hay abejas y abejas reinas y más lombrices y más serpientes y ratas que nadan y chanchos que vuelan. Y moscas de sopas y tortugas que escapan porque no hay donde morderlas. Saben que la vida es naturalmente una guerra, que no hay paz sino equilibrio, que los espacios se ganan y defienden, con el único y difícil mérito de ser parte de la vida y de la guerra. Y saben que la muerte se combate con muerte. En el ataque que siempre comienza, es menester del bichaje sacudir las minorías para inquietar el impacto, alarmar el arrebato del territorio perdido, revivir lo sanguinario para matar el espanto. En el ataque que nunca termina, se repiensan las defensas, el escudo se tensa con la costilla de al lado, la fiamma subversiva recorre bajos y esquinas, tramando el conjuro de un solo bramido urgente: hay que matar a la serpiente, hay que matarlos a todos.
The Life and Times of Allen Ginsberg [1993]

"The weight of the world is love". [Allen Ginsberg]
Visionario, rebelde, cazador espiritual, renombrado poeta, miembro fundador de un icónico movimiento literario, campeón de los derechos humanos, budista, activista político y profesor. Pocos seres humanos pueden alcanzar una vida tan vibrante como la de Allen Ginsberg durante el curso de seis décadas. Este militante de las libertades civiles, experimentado catador de drogas, homosexual declarado, pionero en la difusión de religiones orientales, formó parte, junto a Jack Kerouac y William Burroughs, de la Santísima Trinidad del la Generación Beat, el movimiento que inyectó libertad a los Estados Unidos de la postguerra. Hace más de cincuenta años, Ginsberg publicaba su obra más famosa: "Aullido", un largo poema con el que sacudió las mentes de una época atenazada por el fantasma nuclear y el conservadurismo, se alzó como la voz de su generación, inoculó el jazz en la poesía, anticipó el grito eléctrico del rock, dio a luz al ansia de libertad del hippismo y se convirtió en el heredero indiscutido de Walt Whitman, el primer gran poeta norteamericano. El cineasta Jerry Aronson conoció a Ginsberg en 1968 en Chicago, durante las protestas contra la Convención Demócrata. Desde ese momento, Aronson se convirtió en admirador y biógrafo del escritor, hasta plasmar su conocimiento y sus encuentros con Ginsberg en un documental editado en 1993 y reeditado recientemente, actualizado con el transcendental dato de su muerte en 1997. La decisiva relación con su madre Naomi, enferma mental, y con su padre Louis, también poeta, su adolescencia conflictiva, el encuentro radical y promisorio con Burroughs y Kerouac, sus viajes alucinógenos y literarios, sus plegarias a la vida y su curiosidad por la muerte, "The Life and Times of Allen Ginsberg" es un revelador recorrido por la historia y la obra de un ícono de la contracultura estadounidense y mundial, retratando, a través de entrevistas a su círculo íntimo e inéditas imágenes de archivo, el devenir de un alma brillante que influiría a toda una generación y más allá.
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The Life and Times of Allen Ginsberg [1993]
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Hi-Fidelity Dub Sessions XII

>Tracklist
01- Signals From Bob - Ott
02- Dust And Dirt - The Black Seeds
03- Dubby Tubby - Psyolopher
04- Rasta Dub - Mad Professor
05- Dimension Extension - Globular
06- Coming Back Home - The Black Seeds
07- Ganja Dub - Shwe Dagon
08- Surrender Dub - Resonators
09- Different Wak Dub - Zenzile
10- 1000 Mile Drift [International Observer Remix] - Pitch Black
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Hi-Fidelity Dub Sessions XII
Arder
> Por Jorge Boccanera.
Cuando nos besamos trituramos un ángel.
Su última voluntad será nuestro deseo.
Tiempo habrá para escupir sus vidrios de colores,
su sombrero de plumas,
barajas manoseadas por tahúres y ahora
hay que hacerlo entrar,
ofrecerle licor (que él viene de morirse),
acercarle una silla (que lee en la oscuridad).
Dirá sus baratijas,
su forma de guiarnos al secreto de la vieja estación.
Dirá que el vino está hecho de hojas secas,
que puede hacer un fuego con tu rostro y el mío.
(Ni un centavo de luz a su trabajo).
Cuando nos besamos desollamos un ángel,
un condenado a muerte que va a resucitar
en otras bocas.
No tengas lástima por él,
sólo hay que hincar el diente
y triturar al ángel.
Abrir tus piernas blancas y darle sepultura.
Cuando nos besamos trituramos un ángel.
Su última voluntad será nuestro deseo.
Tiempo habrá para escupir sus vidrios de colores,
su sombrero de plumas,
barajas manoseadas por tahúres y ahora
hay que hacerlo entrar,
ofrecerle licor (que él viene de morirse),
acercarle una silla (que lee en la oscuridad).
Dirá sus baratijas,
su forma de guiarnos al secreto de la vieja estación.
Dirá que el vino está hecho de hojas secas,
que puede hacer un fuego con tu rostro y el mío.
(Ni un centavo de luz a su trabajo).
Cuando nos besamos desollamos un ángel,
un condenado a muerte que va a resucitar
en otras bocas.
No tengas lástima por él,
sólo hay que hincar el diente
y triturar al ángel.
Abrir tus piernas blancas y darle sepultura.
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Fotos para la bici,
Poesía para la bici
Jack [2014]

El universo infantil es presa fácil para películas con ínfulas sociales, que suelen caer en la moralina y la sensiblería. No es el caso de "Jack", un film duro, sencillo e inteligente, firmado por el veterano realizador alemán Edward Berger, donde destaca el debut del joven Ivo Pietzcker, encarnando con absoluta y deslumbrante convicción al pequeño protagonista de una odisea infantil contemporánea. Jack tiene diez años y evidencia una madurez impropia de su edad. Ejerce de protector de su hermano pequeño, Manuel, y lo controla todo en su humilde hogar, situado en un barrio marginal de Berlín. Ambos están casi siempre solos, porque su mamá trabaja todo el día y por la noche se evade en fiestas post adolescentes. Ella los ama, pero es incapaz de desempeñar su función. Así que Jack y Manuel deambulan por el Berlín urbano, sintiéndose ajenos a una sociedad que los ignora. A causa de un accidente doméstico, Jack será internado en un centro de menores, del que escapará para reunirse con su pequeño hermano y empezar una búsqueda frenética de su errática madre por las calles berlinesas. Un tema de realismo social vinculado al universo infantil, con evidentes resonancias del gran cine practicado por los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne. El recuerdo de dos películas tan memorables como "El niño de la bicicleta" (2011) y especialmente "Rosetta" (1999) resulta inevitable. Esta pareja de realizadores belgas, que actualmente ruedan otra película, "La fille inconnue" (La chica desconocida), siempre han estado muy certeros en su recreación del mundo de la adolescencia, ubicándolo en un entorno social tremendamente hostil y donde sus jóvenes protagonistas buscan el afecto de los demás y también se buscan a sí mismos. Son seres indómitos, desconfiados y ansiosos de ternura, que luchan denodadamente por sobrevivir. "Jack" muestra no sólo el proceso de precoz maduración al que se ve sometido un niño, condenado a crecer antes de tiempo para sobrevivir y proteger a su hermano pequeño. También enseña el abismo de incomprensión y crueldad intolerable que separa, a menudo inconscientemente, a niños de adultos en nuestra sociedad. Todo ello, sin un ápice de melodrama o sentimentalismo, con una implacable sobriedad, que nos obliga a mirar a nuestro alrededor y reflexionar sobre el lugar de la infancia en el mundo de hoy.
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Jack [2014]
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Stanley Kubrick's Boxes [2008]

Una de las cosas que más puede interesar a un admirador de Stanley Kubrick es poder hacer un viaje al interior de su mente. Sería argumento para una cinta de ciencia ficción, pero en el año 2008 se emitió un documental que se aproxima en cierto modo a esta premisa e intenta ahondar en el conocimiento del fascinante cineasta. Ese año, el canal británico de televisión Channel 4 emitió "Stanley Kubrick's Boxes", un revelador documental sobre el trabajo de investigación que llevó a cabo Jon Ronson (durante cuatro años) para explorar los cientos de cajas, casi un millar, que el realizador había reunido durante gran parte de su vida en su residencia familiar de Hertfordshire, Inglaterra. Tras una ardua pero estimulante labor, se extrajo interesantísimo material, tanto de las películas que llegó a finalizar como de sus proyectos inacabados. Fotografías de localización, cartas, anotaciones, guiones, recortes de periódicos, toda una recopilación de documentos que acumuló en cajas y que ahora podemos descubrir, como una forma de aproximarnos al pensamiento y los métodos del genial director. Y ver el orden con el que guardó ese tesoro demuestra su conocida faceta de meticulosidad extrema. Se incluyen testimonios muy valiosos de personas próximas a Kubrick, como su esposa Christiane y su hija, y otros miembros de su entorno más íntimo.
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Stanley Kubrick's Boxes [2008]
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Redondear
> Por Biciman.©
Tengo que desmedirme
blanquear los ojos
zombiarme
fugarme con algún dios a las alturas
preguntarme
por qué estoy mal donde quiero estar
por qué no entro
me falto me sobro
me desencajo
creo que por ahí está la cosa
que me hago cosa
en una caja
cuando por forma
por mi planetaria forma
sólo por eso
tendría que rodar.
Tengo que desmedirme
blanquear los ojos
zombiarme
fugarme con algún dios a las alturas
preguntarme
por qué estoy mal donde quiero estar
por qué no entro
me falto me sobro
me desencajo
creo que por ahí está la cosa
que me hago cosa
en una caja
cuando por forma
por mi planetaria forma
sólo por eso
tendría que rodar.
What Happened, Miss Simone? [2015]

"Ser libre es no tener miedo". [Nina Simone]
El 21 de abril de 2003 fallecía en su casa, cerca de Marsella (Francia), la gran cantante afro americana Nina Simone que, como nadie, supo ser fiel intérprete de su raza, oprimida y marginada. Su verdadero nombre era Eunice Kathleen Waymon, y había nacido el 21 de febrero de 1933 en Tryon, Carolina del Norte, una población segregacionista. Era la sexta de ocho hermanos dentro de la familia de un obrero manual y una sirvienta doméstica. Niña prodigio, ya tocaba el piano a la edad de cuatro años y junto con sus hermanas cantaba en el coro de la iglesia metodista que su madre dirigía. En 1943, cuando tenía 10 años, dio su primer concierto de piano en la biblioteca de la ciudad. Allí conoció su primer aplauso y su primer choque con el racismo: durante el concierto quitaron a sus padres de la primera fila del local para acomodar a un grupo de blancos. Este episodio fue la primera de una cadena de experiencias traumáticas para ella, y es el origen de su compromiso con la lucha por la libertad y las reivindicaciones de los negros en Estados Unidos. Con la ayuda económica de su profesor de música pudo estudiar en la escuela de música Julliard de Nueva York, y de allí su familia se trasladó a Filadelfia, donde intentó conseguir una beca para el Instituto Curtis, pero fue rechazada por el color de su piel. A pesar de que tenía una formación pianística clásica, para mantener a su familia tuvo que empezar a trabajar en 1954 en un club de Atlantic City como cantante. Fue entonces cuando cambió su nombre por el de Nina (tomado del castellano para definirse como la pequeña) Simone (de la actriz francesa Simone Signoret). En 1959 grabó sus primeros discos para el sello Bethlehem, subsidiario de R&B. En ellos dio muestras notables de su talento como pianista, cantante, adaptadora y compositora. Algunas canciones se convirtieron en clásicos de su repertorio. La canción "I Love You Porgy", de la ópera "Porgy and Bess", de Ira y George Gershwin, la convirtió de golpe en una estrella, vendiendo un millón de copias. Desde esos primeros registros, su repertorio se llenó de jazz, gospel, blues, soul, música clásica y canciones populares de origen diverso, en una amalgama totalmente personal, cálida y de enorme expresividad. Tras los asesinatos de Medgar Evers en Mississippi (junio de 1963) y cuatro niños negros al ser bombardeada su escuela en Birmingham, Alabama (septiembre del mismo año), compuso "Mississippi Goddam", su primera canción de protesta, una acusación amarga y furiosa de la opresiva situación de los afro americanos en Estados Unidos. Harta del racismo y del mundillo musical americano, Nina renunció a su país en 1969, tras el asesinato de Martin Luther King. Se convirtió en una trotamundos. En 1974 se fue a Barbados y durante los años siguientes vivió en Liberia, Suiza, París, Holanda, y finalmente en el sur de Francia, donde falleció. "What Happened, Miss Simone?" es un documental original de Netflix, producido en el año 2015 y dirigido por Liz Garbus ("Love, Marilyn"), que explora la vida de la "Alta Sacerdotisa del Soul" desde que era una niña que soñaba con aprender a tocar el piano, hasta convertirse en una de las grandes compositoras de jazz y soul de todos los tiempos. El documental combina material de archivo totalmente inédito y entrevistas a los personajes más cercanos a la artista. "What Happened, Miss Simone?" (cuyo título está extraído de una cita de la poetisa Maya Angelou) revela la naturaleza del ego de una de las artistas más formidables de su era.
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What Happened, Miss Simone? [2015]
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martes, 22 de marzo de 2016
Burroughs: The Movie [1983]

William S. Burroughs es, sin duda, una de las figuras más destacadas de la literatura estadounidense, un hombre que convirtió la singularidad de su persona en materia de su obra, esa llamarada oscilante entre la vanguardia y la irreverencia que caracterizan el estilo impreso en su literatura. En este sentido, es totalmente previsible y justificable que el escritor haya sido objeto de una exploración fílmica en torno a su biografía y su trabajo. "Burroughs: The Movie", realizado en 1983 por Howard Brookner, muerto por complicaciones derivadas del sida seis años más tarde, cuando sólo tenía 34, no sólo fue el primer largometraje sobre Burroughs, sino el único retrato filmado que contó con la colaboración y complicidad del escritor. El rodaje empezó en 1978 como un trabajo de fin de carrera de Brookner para la New York University Film School y concluyó cinco años más tarde. Es un documental entretenido y realista que echa por tierra muchos de los clichés sobre Burroughs que circulan por los mentideros del fanatismo. Además de largas entrevistas y reveladoras secuencias con el escritor, en el film aparecen algunos de sus amigos y colaboradores más cercanos, como Allen Ginsberg, John Giorno, James Grauerholz, Brion Gysin, Patti Smith, Terry Southern y Francis Bacon. También, y en una persona tan tímida como Burroughs resulta prueba suficiente de la confianza que depositaba en el cineasta, incluye las únicas declaraciones públicas del escritor sobre la muerte de su mujer, Joan Vollmer, a la que Burroughs pegó un tiro en la cabeza en 1959 mientras ambos estaban alcoholizados y drogados. El documental recoge declaraciones del hijo de la pareja, Bill Jr., que murió a los 33 años cuando estaba intentando desengancharse de la heroína con un tratamiento de metadona. "Burroughs: The Movie", en cuyo equipo de producción trabajaron figuras como Tom DiCillo (operador de cámara) y Jim Jarmusch (sonido), compañeros de clase y amigos del director, fue emitido por la BBC en el mítico programa Arena, el oasis de seriedad y frescura de las televisiones públicas europeas durante décadas. También se exhibió en algunas salas de cine de circuitos off. Aunque la carrera de Brookner fue en ascenso (dirigió el documental "Robert Wilson and the Civil Wars", en 1987, y la comedia "Noches de Brodway", en 1989, con Madonna y Matt Dillon en el reparto), la muerte prematura del cineasta y el desinterés de las distribuidoras condenaron a "Burroughs: The Movie" a las categorías de película inencontrable y tesoro perdido. Pero la situación cambió con la intervención de Aaron Brookner, sobrino del director y también autor de cine, que puso en marcha un proyecto de financiación en masa para restaurar y reeditar el documental. Y fue el prestigioso sello "The Criterion Collection" el que en el año 2015 finalmente relanzó esta gema fílmica, haciéndola accesible para todos aquellos interesados en explorar la intimidad del genio creador de obras de culto como "Junkie" y "Naked Lunch".
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Burroughs: The Movie [1983]
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