Long Strange Trip [2017]

Festivas ceremonias llenas de lisergia, sinceros hippies de San Francisco enlazados con la tradición sonora americana y despreocupadas disoluciones psicodélicas puestas en escena de forma dilatada y comunal. Estos son algunos de los rasgos en la naturaleza como banda de una de las grandes formaciones surgidas en la Norteamérica de los años 60: The Grateful Dead. En plena efervescencia del LSD, legal por esa época, el grupo fue elegido por el escritor de la Generación Beat, Ken Kesey (famoso por ser el autor del libro “Alguien Voló Sobre El Nido Del Cuco”, llevado a la pantalla con éxito por Milos Forman), para participar en los Test de Ácido y ser las estrellas de sus fiestas musicales repletas de ácido denominadas “Trips Festivals”, organizadas junto a Kesey por Bill Graham o Stewart Brand, en las que participaban gente como Jefferson Airplane, Country Joe & The Fish o Quicksilver Messenger Service. Los conciertos de los Grateful Dead, basados en improvisados sonidos lisérgicos con largos pasajes instrumentales que, desde la psicodelia, ofrecían sonidos folk, country, rock, jazz o blues, fueron acrecentando con el paso de su trayectoria un masivo seguimiento por el área de San Francisco, convirtiendo a los Dead en un grupo de culto entre sus prosélitos, denominados The Deadheads, quienes seguían a la banda por todas las localidades en las que actuaban. Luego de varios altibajos en los setenta y ochenta, sus legendarios conciertos continuaron hasta que en 1992 García sufrió una indisposición derivada de su adicción a la heroína. Tres años después, el 9 de agosto de 1995, falleció de un ataque al corazón a los 53 años, poniendo punto y final a su vida y a la de The Grateful Dead, uno de los grupos más importantes de la psicodelia de San Francisco e inspirador de multitud de jam bands en todo el mundo, como Phish, Blues Traveler o The Dave Matthews Band. Dirigida por Amir Bar-Lev junto a Martin Scorsese en la producción ejecutiva, "Long Strange Trip" es el primer documental de muy larga duración (casi 4 horas divididas en 6 capítulos) que explora, desde una visión independiente, la innovación perpetua y el compromiso con el público que hizo posible que la banda de Bay Area fuese uno de los grupos musicales más influyentes de su generación, pese a que Grateful Dead apuntaba a tener la historia menos exitosa del rock and roll. El documental recoge entrevistas en profundidad con la banda, el equipo de las giras, familiares y Deadheads representativos. Además, Bar-Lev revela la historia nunca contada de la banda y de la subcultura psicodélica que giraba alrededor de ella. El documental también muestra la visión de su último guitarrista, Jerry García, cuyos problemas con la autoridad contribuyeron a generar más escándalos en torno al grupo. "Long Strange Trip" explora el singular experimento de Grateful Dead en la creación y producción de música ecléctica radical y va más allá de la historia que hay detrás de la música de un grupo de artistas excepcionalmente talentosos y queridos, y muestra de manera inspiradora la expresión artística sin trabas, la tragedia americana y una visión incisiva sobre el ascenso y caída de la contracultura del siglo 20.

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Long Strange Trip [2017]

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Metafísica

> Por Biciman.©   
A veces me dan tantas ganas de verte / que me pica la razón / me hace cosquillas el ego / quiero más de lo que soy / siento más de lo que puedo / y cuando vuelvo del centro / al costado siempre mío / y me miro el corazón / hipertrofiado de ansia / por un bobazo de anhelo / ¿hasta dónde la pasión / llega con tanto revuelo? / no soy gallina ni huevo / soy mi tiempo en este cuerpo / me lo digo me recuerdo / soy el viento que me arrasa / soy el clima que no acierto / ¿desde cuándo la razón / debe más de lo que tengo? / no hay sentido sin sentirlo / pero sentirlo es mi techo / pensarlo son las paredes / tan sordas como un ladrillo / es el piso donde caigo / donde entro donde salgo / donde quiero lo que tengo / y si voy a pensar en algo / me lo digo me recuerdo / que sean las puertas que abro / las ventanas que rompe el tiempo / los rayos que me dan cielo / y me muestran el espacio / para encontrarme en el hecho / de que pasa lo que pasa / porque el diablo sobrevive / porque el ángel no está muerto.

Psychedelic Britannia [2015]

El rock psicodélico es un estilo de música que está inspirado o influenciado por la cultura psicodélica e intenta replicar y potenciar las experiencias con drogas psicodélicas que alteran la mente, siendo el LSD la más notable. A menudo utiliza nuevos efectos y técnicas de grabación y se inspira en fuentes como los ragas y pedales de la música india. Fue iniciado por músicos de pop y rock como The Beatles, The Beach Boys y The Byrds surgiendo como un género a mediados de la década de los 60 entre las bandas basadas en música folk, blues y jazz en el Reino Unido y Estados Unidos. Alcanzó su punto máximo entre 1966 y 1969 con eventos hito como el Verano del Amor de 1967 y el Festival de Woodstock de 1969 respectivamente, convirtiéndose en un movimiento musical internacional y asociado a una contracultura generalizada antes de iniciar un descenso, ya que el cambio de actitudes, la pérdida de algunos individuos clave y un movimiento de volver-a-lo-básico llevaron a los músicos sobrevivientes a moverse hacia nuevas áreas musicales. En los años 60, había dos principales tipos de rock psicodélico: la variante versátil británica y la más fuerte con el rock ácido de la costa oeste de Estados Unidos. "Psychedelic Britannia" es un documental de la BBC inglesa que explora el nacimiento y la caída de uno de los períodos más visionarios de la historia de la música británica: cinco años caleidoscópicos entre 1965 y 1970 cuando un puñado de soñadores reimaginaron la música pop, cuando una generación de bandas de R&B británicas descubrieron el LSD y las tradiciones comenzaron a ser cuestionadas. Saliendo del under bohemio y pasando al mainstream pop, la épica psicodélica produjo algunos de los sonidos más revolucionarios de esa época, siendo las pioneras algunas jóvenes bandas de improvisación como Soft Machine y Pink Floyd, y luego propagándose a los charts ingleses con los Beatles, Procol Harum, los Small Faces y los Moody Blues, y llegando a la campiña británica con el sonido de la Incredible String Band y Vashti Bunyan. "Psychedelic Britannia" es un viaje al pasado musical de la psicodelia, un movimiento de notable influencia en el arte contemporáneo y más allá.

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Psychedelic Britannia [2015]

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La bici de Gemma

A veces me gustaría no parecer un alien. 
[Gemma Ward]

The Blue Note Collection Vol 7

>Tracklist

01- Moving City [The Cinematic Orchestra Remix] - Faze Action
02- The Project Part 1 - Low Fidelity Jet Set Orchestra
03- Electric Boogaloo - Modulo5
04- Guauanco [The Cinematic Orchestra Remix] - Les Gammas
05- The Project Part 2 - Low Fidelity Jet Set Orchestra
06- Miles 2000 - Modulo5
07- Good Bad - Povo
08- Cool Affair - Black & Brown
09- Escapism - Metropolitan Jazz Affair
10- Coffee Table Music - Modulo5

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The Blue Note Collection Vol 7

Sin prisa

> Por Fernando Pessoa.


No tengo prisa: no la tienen el sol ni la luna. Nadie camina más de prisa que sus piernas. Si donde quiero estar está lejos, no estoy allá en un momento. No tengo prisa, ¿prisa de qué? No tienen prisa el sol y la luna: son exactos. Tener prisa es creer que vamos por delante de las piernas, o que, al dar un salto, hemos saltado sobre nuestra sombra. No; no sé tener prisa. Si extiendo el brazo, llego exactamente a donde mi brazo llega: ni un centímetro más lejos. Toco sólo donde toco, no donde pienso. Sólo me puedo sentar donde estoy. Y esto hace reír como todas las verdades absolutamente verdaderas. Pero lo que hace reír de veras es que siempre pensamos en otra cosa y vivimos evadidos de nuestra realidad. Y estamos siempre fuera de ella porque estamos aquí.

In Den Tag Hinein [2001]

El nuevo cine alemán, el de la llamada Escuela de Berlín, es un cine realista y estilizado como cierto cine oriental de corte minimalista, y por lo visto y sobretodo leído, ya que dentro y fuera de Alemania su difusión ha sido exigua o limitada a festivales independientes, tampoco es tan nuevo. Sus orígenes están en medio de los noventa y se desarrolla durante los dos mil. A este período precisamente corresponde el primer largometraje de María Speth, "In Den Tag Hinein", cuya traducción sería “Entrado el día” o “Bien adentro del día” o “En el fondo del día”, aún cuando en inglés se simplificó como "The days between". El dato no es superfluo ya que no por nada buena parte del filme transcurre a esas horas cuando todavía no es de noche pero tampoco de día: la hora azul o mágica, que puede ser poco antes de que amanezca o de que anochezca, y es cuando los jóvenes protagonistas –dos adolescentes tardíos– discurren y juntan sus soledades, estirando las horas del día o la noche hasta transformarlas en un tiempo fantasmal y perfecto para que tengan lugar sus citas. Lynn (Sabine Timoteo) reside en el departamento de su hermano junto a la familia de éste: su esposa y sus dos hijas. Vive en una habitación y en el cuarto de baño más que en la casa misma. Trabaja de cajera en un comedor universitario y de go go dancer en un club. En la medida que se distancia de su novio, un pragmático y frío nadador más interesado en entrenarse que en ella, conoce a Koji (Hiroki Mano), un estudiante japonés que apenas habla alemán pero con quien dará paseos en bicicleta, robará en un centro comercial y se emborrachará mirando los aviones; con él compartirá un sentido de libertad y ligereza que no logra con los demás. Koji, por supuesto, se enamora de ella, y su éxtasis (ilustrado en un notable y solitario baile al ritmo de Miles Davis mientras Lynn yace ebria en su cama al amanecer) se entiende a partir de una de las premisas de esta película: máximo de conexión con el mínimo de palabras o ninguna. Por esto no es de extrañar que Lynn se comunique más y mejor con quienes no puede usarlas, con Koji, desde luego, o con una de sus sobrinas que es muda y con quien habla a través de señas, transformando los silencios, el silencio, de pronto, en una extraña forma de comunión al mismo tiempo que la alejan de su vida real sujeta a responsabilidades y compromisos, sumiéndola finalmente en el fondo de sí misma. La película de Speth, pese a su enorme contemporaneidad, comparte más rasgos con ese género literario tan alemán que es el romanticismo de fines del siglo XVIII: la prevalecencia de los sentimientos sobre la razón y la técnica, la melancolía, la búsqueda de libertad versus el aislamiento, el amor y la muerte, la desesperación existencial del individuo frente al choque que le supone la realidad y la preferencia por paisajes naturales que den cuenta de sus tumultuosos sentimientos, que en este caso son urbanos, impersonales y berlineses, paisajes de cemento donde Lynn y Koji se acompañarán en eventos nada extraordinarios pero dotados de una gran carga emocional, que es lo que se resalta finalmente en cada plano. ¿De qué otra cosa -parece decirnos la directora- puede servir una historia si no es para dar cuenta de las emociones humanas? Y en "In Den Tag Hinein" además las provoca.

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In Den Tag Hinein [2001]

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La bici de Jean-Louis

No es que reniegue del cine,
simplemente me interesa más el vino. 
[Jean-Louis Trintignant]

Jim & Andy: The Great Beyond [2017]

Es el show de David Letterman del 15 de octubre de 1980. Andy Kaufman entra con los aplausos. Despeinado, mal vestido, descuidado, un hilo de moco le cae por el bigote incipiente camino a la boca. Risas entrecortadas, risas indecisas, pero risas al fin. El público estadounidense está frente a una forma de humor que nunca ha experimentado. Este loco ha hecho cosas parecidas antes, pero siempre puede ir más lejos. El presentador, desencajado como todos a quienes capta la cámara, procura una pizca de seriedad; trata de conversar con el humorista pero la charla no avanza. El invitado lo desconcierta. Desconcierta a todo el mundo cuando dice que renunció a "Taxi", una exitosísima serie, y que no sabe si estará de nuevo en "Saturday Night Live". Letterman lo invita a hacer su número y él se va al centro, se sienta en un banquillo y comienza a hablar de su vida desgraciada. Algunos ríen pero él les pide que no lo hagan. También ruega que le den algo de dinero porque está en la quiebra. Se va tras cámaras, se acerca a la audiencia, recoge algo de efectivo moviéndose entre las butacas y se marcha. Ovación. Cuenta la leyenda que Andy Kaufman (Nueva York, 1949-1984) llevaba sus bromas hasta las últimas consecuencias. Cuando se inventó la disparatada Lucha Libre Intersexos y fue golpeado por un luchador profesional. Cuando leyó "El Gran Gatsby" en una presentación de stand up comedy. Cuando hizo que una señora fingiera un infarto en pleno show en el Carnegie Hall. Estos episodios, todos reseñados en la película biográfica "Man on the moon" (1999), correspondían a un humor que no era únicamente para reír. Era la comedia llevada al extremo, rozando el performance, buscando mover otros músculos que jamás mueven aquellos que no entienden de sarcasmos, ironías y absurdos. Por supuesto que Jim Carrey lo tuvo en un pedestal desde la primera vez que lo vio en pantalla. Claro que se hizo su fan desde jovencito. Desde luego se identificó con él, más aún al conocer su historia personal. Así lo cuenta el actor canadiense en el documental "Jim & Andy: The great beyond", cuando se encuentra frente a frente con su yo de hace dos décadas. Su yo al que le tocó interpretar a su ídolo. Una cámara siguió a Jim Carrey durante todo el rodaje de "Man on the moon". Mientras interactuaba con el resto del equipo en el área de catering. En su camerino. En el cuarto de maquillaje. Durante sus charlas con REM, agrupación que aportó dos grandes canciones a la banda sonora: una editada en 1992 y titulada “Man on the moon”, con varias alusiones a Andy Kaufman; y otra, “The great beyond”, hecha especialmente para el film. Esas imágenes permanecieron cajoneadas en una oficina durante casi 20 años, hasta que en 2017 Spike Jonze ("Her", "Being John Malkovich"), quien firmó como productor del documental, movió sus tentáculos para que fueran aprovechadas. Para Jim Carrey no fue un papel más. Hacer de Andy Kaufman fue un trabajo que le cambió la vida. Una experiencia mística. Y también lo fue para el resto del equipo, que veía cómo Andy Kaufman había revivido en plena década de los 90. Que en lugar de llegar Carrey, cada día entraba al set un cuerpo que prácticamente había alojado a Kaufman, muerto prematuramente a sus 35 años de edad por un cáncer que lo consumió en cuestión de meses. Danny De Vito, Tony Danza, Paul Giamatti. Todos miran a la cámara con cara de impresión. Qué extraño. Es exactamente como era él. Todo esto es surreal. Porque Jim Carrey nunca iba al rodaje. Iba sólo Andy Kaufman. Siempre Andy Kaufman. Y había que referirse a él de esa manera y tratarlo como tal. Y como a él le hubiese encantado, Carrey llevó su nueva broma hasta el extremo, agotando la paciencia de Milos Forman, director de la película, quien en el fondo y a la postre agradeció el compromiso y ese ingrediente de demencia reencarnada que convirtió aquella película en un clásico instantáneo.

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Jim & Andy: The Great Beyond [2017]

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Anagrama

> Por Biciman.©  






Siempre está el miedo en el medio.
Maldito anagrama.
El rayo deseador de tus ojos
me partió de nuevo.
Por el anagrama.

Oscar Alemán: Vida Con Swing [2002]

Asombró a Louis Armstrong. Duke Ellington se lo disputó a Josephine Baker que lo retuvo como lo mejor de su orquesta. Huyó de Hitler y esquivó a Perón que lo seguía para que tocara en sus actos públicos. En la época dorada del tango convocaba multitudes con el mejor jazz. Mezcla de sangre indígena y española, nacido en el país del tango, Oscar Alemán (1909-1980) fue uno de los mayores guitarristas de la historia, pero esto no alcanza para definirlo. Clasificarlo como "guitarrista de jazz" es acotarlo aún más. Fue un showman, que lo mejor que hacía era tocar la guitarra, y que lo mejor que interpretaba era jazz porque era el género que amaba y el que mejor servía a su estilo. Eso lo llevó a ser uno de los protagonistas del ambiente musical parisino de los años '30 y una de las primeras figuras del espectáculo argentino durante cuatro décadas. Cuando las discográficas no invertían millones en la imagen de un artista. Cuando un músico era popular porque lo elegía el Pueblo. El documental "Oscar Alemán: Vida Con Swing" (2002) dirigido por Hernán Gaffet, narra su emocionante y sorprendente itinerario de vida, el trágico destino familiar al que debió sobreponerse, y a la vez repasa buena parte de la historia de la música popular del siglo 20.

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Oscar Alemán: Vida Con Swing [2002]

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Las bicis de Britt & Peter

Soy como todos los humoristas, sólo
soy divertido cuando estoy trabajando. 
[Peter Sellers, con Britt Ekland]

Bikes vs Cars [2015]

El mundo está inmerso en una gran crisis medioambiental que tarde o temprano se deberá afrontar si queremos preservar nuestra especie. El cambio climático, el agotamiento de los recursos fósiles y la contaminación urbana y de los océanos son cuestiones de máxima importancia. De vez en cuando se toman tímidas medidas a favor del medio ambiente, pero no se está afrontando el tema de forma directa. En este contexto la bicicleta se erige como una poderosa herramienta para el cambio. ¿Cómo una herramienta tan simple puede causar una revolución global que permita poner fin a gran parte de los problemas medioambientales de nuestra era? ¿Pero es tan simple poner fin a la hegemonía de los autos? ¿Qué intereses quieren poner freno a esta revolución? Incansables activistas de todo el mundo luchan para que se incrementen las ciclovías, aumenten las facilidades para los ciclistas, disminuyan los accidentes de tráfico y los niños aprendan a valorar el hecho de vivir en un mundo limpio de polución. La contribución de estos héroes anónimos a la mejora ambiental del planeta es indispensable. Pero también lo es para mejorar la calidad de vida en las grandes ciudades. No pretenden criminalizar a los conductores de automóvil, quieren cambiar las consciencias de los ciudadanos que cada día pierden horas en el tráfico cuando se trasladan en la ciudad. "Bikes vs Cars", del director sueco Fredrik Gertten, es un film que invita a la reflexión: ¿por qué no se ha conseguido que la bicicleta se posicione como vehículo principal de movilidad urbana en las principales ciudades del mundo? Sólo hacen falta pequeñas medidas para modificar el transcurso de la historia, pero hasta que los gobiernos no se atrevan a hacer frente a la poderosa industria del automóvil, los cambios no se harán efectivos. Para que esto ocurra, hay un grupo de gente que no se rinde. Un brote verde que pretende convertirse en una revolución a escala mundial. A través de este entretenido y aleccionador dossier urbano, conoceremos el trabajo diario de algunos de estos perseverantes gladiadores anónimos.

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Bikes vs Cars [2015]

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Más allá

> Por Roberto Juarroz.


Un amor más allá del amor
por encima del rito del vínculo,
más allá del juego siniestro
de la soledad y la compañía.
Un amor que no necesite regreso,
pero tampoco partida.
Un amor no sometido
a los fogonazos de ir y de volver,
de estar despiertos o dormidos,
de llamar o callar.
Un amor para estar juntos
o para no estarlo,
pero también para todas las posiciones intermedias.
Un amor como abrir los ojos.
Y quizás también como cerrarlos.

Mr. Dynamite: The Rise of James Brown [2014]

Si hay un músico paradigmático y único en el vasto universo de la música afroamericana ese es James Brown (1933-2006), cantante, compositor prolífico, arreglista, bailarín de altos quilates. Brown fue un auténtico remolino, un trabajador incansable, un continuo innovador, una escuela en sí mismo, el epicentro de una actividad volcánica que lo llevó a convertirse en el disciplinado director de una de las bandas más sensacionales y telúricas de la historia. James Brown consiguió llevar sus modos de iglesia inspirados en el gospel al rhythm & blues, que en los años sesenta, ya con conciencia racial, se transformó en lo que se denominaría posteriormente como soul e inundaría el planeta. Brown desarrolló el ritmo concentrado en estado puro que se bautizó como funk y que mantendría su popularidad y atractivo hasta el presente. En los setenta, el funk tuvo como hijo a la comercial música disco, el afrobeat de gente como Fela Kuti, y sirvió de base para la fundación del hip-hop: miles de temas de rap parten de grabaciones de Brown como "Funky Drummer", "Give It Up or Turn It Loose" o "Think About it". Por decirlo de alguna manera, el funk es una creación colectiva: todos los instrumentos se concentran en generar un cierto ritmo, a expensas de la melodía. James Brown tuvo la genialidad de implicar a instrumentistas imaginativos, muchos de los cuales siguieron productivas carreras en solitario: Alfred Pee Wee Ellis, Maceo Parker, Fred Wesley, William Bootsy Collins, pero sin la visión de un talento como James Brown, es posible que no hubieran pasado de ser nombres para coleccionistas. El Rey del Soul buscaba el momento adecuado para grabar: muchos de sus más grandes clásicos se hicieron en la ruta, entre actuación y actuación. No podía ser de otra manera, Brown se había ganado a pulso el título de "el trabajador más duro del mundo del espectáculo" debido a la intensidad de sus actuaciones y el número de conciertos: más de 300 en sus buenos años. Le gustaba alardear de la afilada precisión de sus bandas, sometidas a disciplina férrea, rayando lo militar: multas por retrasos, descuidos indumentarios, fallos musicales; y si el culpable se resistía, podía llegar a ponerse violento. Brown consiguió alcanzar una posición hegemónica durante la segunta mitad del siglo 20, el cual quedó marcado por la emergencia de la música afroamericana. Miles Davis obtuvo más respeto pero nunca logró su impacto comercial. Su influencia en la música ha sido tal que nombres como Mick Jagger, Serge Gainsbourg, David Bowie, Prince y Michael Jackson lo han reconocido como un gran inspirador en sus carreras. "Mr. Dynamite: The Rise of James Brown" es un documental producido justamente por Mick Jagger y dirigido por el experimentado Alex Gibney, que pone especial énfasis en su etapa más innovadora, creativa y prolífica, en la que cimentó el sonido del soul y creó el contagioso funk. Testimonios de miembros de su banda y otros músicos de la actualidad, extraordinarias imágenes nunca antes vistas y valioso material de archivo conforman un documental impactante que nos muestra a uno de los más grandes showman de la historia de la música contemporánea.

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Mr. Dynamite: The Rise of James Brown [2014]

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Razón

> Por Biciman.©   

La razón es la flor más rara: sólo crece en el argumento destruido. Si todos tienen la verdad, el que juzga decide por instruido: si las instrucciones son heredadas o cómodamente legibles o fácilmente manipuladas, el resultado de su acción es redundante con su vapuleado instinto: decide por omisión (se abstiene) o decide lo que ya estaba decidido. Entonces la verdad es una metáfora, lo sólido no es tan sólido si no se toca, las pruebas no aprueban si no importan, y la realidad es imperturbable, aún si es dañina para sí mismo y su entorno íntimo. No alcanzan los números, las batallas, los huesos, ni la historia de todos los muertos para alumbrar la razón de cualquier vida: vivir mejor, o a veces seguir viviendo. Y todo argumento es ladrido y todo vecino es un perro. Pero un perro no desestima su experiencia: no todo humano es bueno, no todo humano es malo. ¿De qué depende? De cómo lo traten, ni más ni menos. La razón humana es rara: necesita la destrucción del fundamento para saber del error y probar de nuevo. Sólo en la crisis aflora la empatía, la conexión con la verdad del otro que es igual a la mía y que es siempre la misma: no todo vecino es bueno, no todo vecino es malo. Y si saber eso depende de lo instruido, y lo instruido es siempre lo mismo, hay una forma de variar el ciclo: volver al instinto, dejar la manada, aprender solo el camino. Y rehacer la verdad, gritar el argumento y decidir el destino, sin destruir nada, porque destruir la razón, la flor millonariamente única de todo pensamiento, es, inequívocamente, destruirse a sí mismo.

Tom Waits: Tales from a Cracked Jukebox [2017]

Creador y espejo de outsiders dados al alcohol y a la bohemia que pueblan ambientes tan sórdidos como románticos, tan míseros como fascinantes, tan teatrales como reales, Tom Waits es uno de los grandes personajes de la historia del rock, un crooner noctívago del lumpen, de los clubes de barrios bajos llenos de alcohol y humo. Artista único, ecléctico e inquieto, de voz lijosa, influenciado por la escritura beatnik de William Burroughs o Jack Kerouac y los sonidos primarios del jazz, el blues, el cabaret, las composiciones pop del Tin Pan Alley, la vanguardia, Lenny Bruce, Harry Partch, Louis Armstrong, el burlesque, Kurt Weill o el rock experimental, Waits ha conseguido construir un personaje musical singular. También ha trabajado como compositor de bandas sonoras y como actor en películas, tales como Bajo el peso de la ley , Drácula y The Imaginarium of Doctor Parnassus, y fue nominado al Óscar por la banda sonora de One from the Heart. Líricamente, las canciones de Waits presentan complejos retratos de lugares y personajes muy variados, aunque también muestra cierta inclinación por baladas más convencionales. Dada su poca repercusión mediática en televisión y radio, algunas de sus canciones son más conocidas a través de versiones hechas por otros artistas: tal es el caso de "Jersey Girl", interpretada por Bruce Springsteen, "Ol' '55", por The Eagles, y "Downtown Train", por Rod Stewart, entre otros. A lo largo de estas últimas tres décadas, Tom Waits ha ido consolidando, entre su creciente círculo de iniciados, la inquebrantable adhesión que despierta su obra entre todos aquellos que han convertido a este versátil y polifacético engendro en objeto de culto; alcanzando un grado de popularidad que ni siquiera alcanzan a atisbar artistas ya consagrados por razones más prosaicas y soporíferas. Usando imágenes inéditas, grabaciones de audio y entrevistas, "Tom Waits: Tales from a Cracked Jukebox" es un fascinante viaje fuera de hora a través del surrealista mundo iluminado por la luz de la luna de la música de Waits, un retrato de un músico pionero y de su cancionero único y marginal sobre la Norteamérica más oscura y desconocida.

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Tom Waits: Tales from a Cracked Jukebox [2017]

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La bici de Penélope

Cada minuto de nuestras vidas
es una oportunidad para cambiarlo todo. 
[Penélope Cruz]

The Groovy Sessions XI

>Tracklist

01- Impro - Julian Convex
02- STFU [Jazz Spastiks Instrumental Remix] - Pen Pals
03- Special Place - Jazzdrip
04- Poolside - Less Is More
05- Prismatic - Birocratic
06- Danger - DeKobe
07- Back In The Days - Slam53
08- Genius Jazzy Moon - Ash n' Soul
09- Midnight - Alter Ego
10- Bourbon And Cake - EMERLD

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The Groovy Sessions XI

Estrellas

> Por Lawrence Krauss.





Cada átomo en nuestro cuerpo vino de una estrella que estalló. Y los átomos en la mano izquierda probablemente vinieron de una estrella diferente que la mano derecha. Es realmente la cosa más poética que sé de la física: todos somos polvo de estrellas. No podríamos estar aquí si las estrellas no hubieran estallado, porque los elementos - el carbón, el nitrógeno, el oxígeno, el hierro, todas las cosas que importan para la evolución - no fueron creados al principio del tiempo. Fueron creados en los hornos nucleares de estrellas y la única manera para que terminaran en nuestro cuerpo es que esas estrellas fueron suficientemente amables para estallar. Así que olvídense de Jesús. Las estrellas murieron para que pudiéramos estar aquí hoy.

Teströl és lélekröl [2017]

La nieve cae. La tierra es ahora una alfombra blanca por la que caminan dos ciervos, envueltos en árboles muertos, bruma y soledad. Se observan a lo lejos. Caminan, se encuentran, se sienten. Hablan, él con su cuerpo, ella con sus ojos. Él la abraza; ella camina, huyendo. La pureza animal, escondida en el bosque, lejos del hacer humano, única y sola, se desenvuelve bajo un lúgubre cielo. Es la imagen perfecta de un sueño, de aquella totalidad intangible y mutable, gracias a la cual nuestra realidad se nutre, pero que es un breve reflejo, una simple copia de nosotros mismos. La realidad que plantea la directora húngara Ildikó Enyedi, creadora de "Teströl és lélekröl" (On Body and Soul), es distinta a aquella bella ensoñación del bosque níveo, quizás opuesta. En la realidad la alfombra es roja, roja de sangre, y en la realidad los hombres linchan animales para hacerlos comida, los árboles son máquinas y los sueños algo lejano que hay que olvidar para poder trabajar. Los ciervos que se encontraron aquella tarde en el bosque se han separado a luces de distancia y ahora deben buscarse en otros cuerpos, en otras almas, tan cercanos. El matadero que dirige Endre (Géza Morcsányi) se encarga de sacrificar animales de granja para luego procesarlos y comercializarlos como carne de origen animal. Las vacas son descabezadas y su sangre derramada en el piso y en las manos de operadores impasibles. Endre es un hombre sin pasión, cuya única actividad pareciera ser el trabajo y la rutina laboral. Imposibilitado de un brazo, siente que su estado lo detiene a realizar otra vida, la de sus sueños. Cuando una nueva profesional ingresa al matadero, surge un imperante deseo de conocerla: sus ojos son la reminiscencia de algo en su memoria. El personaje de la impecable Alexandra Borbély se llama María y es la encargada de controlar la calidad de la carne del matadero. Su personalidad obsesiva y metódica, su comportamiento antisocial y restringido, y su brillante memoria la transforman en un ser atractivo y único para Endre. Ildikó Enyedi logra iniciar su película, ganadora de la Berlinale 2017, con una secuencia casi documental, en la cual la indiferencia y la objetividad crean un contexto glacial en el cuál se abrirá una historia de amor, sin romance ni erotismo. La oposición entre las fuertes imágenes del matadero y la suavidad y gracia con que se relacionan Endre y María generan en el espectador una fuerte empatía hacia ellos. El relato lentamente se adentra en su intimidad. De la gran e imponente estructura del matadero, cuna de la tortura y el sufrimiento animal, pasaremos a aquella plenitud sólo esbozada en sueños, en donde la libertad y los deseos fluyen sin condiciones. Casi por casualidad, Endre y María se enterarán que comparten el mismo sueño: ella es el ciervo al otro lado del lago, él es quien la ha abrazado. Se iniciará entonces una relación particular entre ambos. Ahora los días laborales serán distintos: un pequeño secreto se está gestando. Encuentros oníricos, fugaces y ocultos comienzan a suceder. Pero la cobardía de Endre y María para concretar los deseos que se revelan en sus sueños hará más dificultosa la conclusión. Y la realidad volverá a sangrar, como en el matadero, herida por la imposibilidad de los anhelos. "Teströl és lélekröl" es un relato delicado sobre la incomprensión de los cuerpos, esos que se encuentran y se pierden en cualquier lado, cualquier día, al azar y sin reglas, como en los sueños.

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Teströl és lélekröl [2017]

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La bici de Jake

Unos fuman, otros beben, otros se drogan y otros se enamoran...
Cada quien se mata a su manera. 
[Jake Gyllenhaal]

The Curious World of Hieronymus Bosch [2016]

En los días de "El Bosco" (1450-1516) se escuchaba un proverbio: "La entrada al Infierno está en el culo del Diablo". Es esta clase de verdad soez o conocimiento humorístico popular lo que impregna a sus obras pictóricas de vitalidad, vigencia y un sentido cómico de la tragedia, por llamar de algún modo a su singular estilo. Y es que Hieronymus Bosch es sin duda uno de los mayores iconoclastas de la Historia, en una acepción rigurosa del término: iconoclasta es aquel que deja de venerar íconos. La pregunta que se plantea, entonces, a 500 años de distancia, es: ¿por qué "El Bosco", que trastocaba todos los símbolos que tenía a su alcance, terminó convirtiéndose él mismo en ícono? En medio del clima artístico con tendencias realistas del gótico tardío y el Renacimiento temprano, el pintor holandés Hieronymus Bosch, "El Bosco", constituyó una extraordinaria anomalía. Sus pinturas están pobladas de escenas grotescas protagonizadas por seres surrealistas que sucumben a toda índole de fantasías, angustias y anhelos humanos. Una de sus grandes genialidades fue tomar las representaciones figurativas y escénicas conocidas como drolleries, que utilizan monstruos y seres grotescos para ilustrar los pecados y el mal, y trasladarlas de los márgenes de los manuscritos a pinturas en retablos de gran formato. Junto con los híbridos tradicionales de hombre y bestia, como los centauros, y criaturas mitológicas como unicornios, diablos, dragones y grifos, encontramos también incontables monstruos surgidos de la imaginación del artista. La obra de "El Bosco" (cuyo nombre era en realidad Jheronimus van Aken) ha sido objeto de profusas copias e imitaciones: de hecho, el número de obras de discípulos de "El Bosco" que ha llegado hasta nosotros supera en más de diez veces la producción del propio maestro. En la actualidad, sólo una veintena de pinturas y algunos dibujos se atribuyen con total certeza a la mano de "El Bosco", quien continúa siendo considerado un visionario, retratista de sueños y pesadillas, además del pintor por antonomasia del averno y sus demonios. "The Curious World of Hieronymus Bosch" es un documental que nos adentra en el mundo de "El Bosco", a través de la exposición “Jheronimus Bosch: Visiones de un genio” que tuvo lugar en su ciudad natal 's-Hertogenbosch (Holanda) en 2016, con motivo de los 500 años de su muerte. En el Noordbrabants Museum se exhibieron 17 de los 24 cuadros que existen del pintor, así como 19 de los 20 dibujos que se le atribuyen, de modo que fue la exposición más exhaustiva jamás hecha sobre él. Intercalando comentarios con apreciaciones de estudiosos y expertos en historia del arte, se narra su vida, se describe su época y se enseñan con gran dedicación sus cuadros, algunos de manera especial – El vendedor ambulante, La nave de los locos, El jardín de las delicias – desentrañando los pequeños detalles, los hallazgos, las constantes del artista, los motivos de fondo. Además de destacar la originalidad creativa del hombre que "pintaba los sueños", "The Curious World of Hieronymus Bosch" dedica tiempo a hablar de la perspectiva cristiana que empapa sus obras, el afán del pintor por ofrecer una visión moral que hablara de las consecuencias del pecado, y se convierte en la mejor manera de recorrer, de modo visual e inmersivo, una de las grandes exposiciones plásticas e históricas de los últimos años.

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The Curious World of Hieronymus Bosch [2016]

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Sí

> Por Biciman.©  



Un sí...
Un sí sin...
Un sí sin pero...
Un sí sin pero si...
Un sí sin pero si no...
Un sí sin pero si no sí.

Chasing Trane: The John Coltrane Documentary [2016]

En "Chasing Trane", el documental de John Scheinfeld sobre la vida y obra de John Coltrane (1926-1967), aparece más de una vez la palabra “espiritual”. A estas alturas es casi una muletilla para hablar de su música, pero, a falta de palabras - por ejemplo, ante temas tales como “Alabama” o “Equinox” o “Naima” o “India” o “Afro Blue” o precisamente “Spiritual” - quizá sea un término ajustado o en todo caso propenso a ser llenado como a uno mejor le plazca. Pero es muy difícil concentrarse en otra cosa mientras está sonando el cuarteto o el quinteto de Coltrane, pues ese sonido no sólo pone a prueba el estereotipo del jazz en tanto como música de acompañamiento, sino, aún más, su pertenencia a un género específico. Al parecer, uno de los desafíos del documental - estrenado a cincuenta años de su muerte demasiado prematura- estuvo precisamente en recuperar de la música de Coltrane su resistencia, o por lo menos sus reparos, a la hora de intentar encasillarla incluso dentro de la historia del jazz, mediante entrevistas a músicos de rock como John Densmore, al rapero Common, al filósofo Cornel West o a aficionados famosos como Bill Clinton. Además, las declaraciones de los propios jazzistas negros - Percy Heath, Benny Golson, Winton Marsalis, Ravi Coltrane y las dos únicas leyendas del jazz aún vivas, McCoy Tyner y Sonny Rollins - rehúyen cualquier comentario musical para concentrarse en el anecdotario o en el sentido testimonio de una amistad entrañable. Así, el peso del documental recae sobre John Coltrane en cuanto a personalidad: sus propios dichos en la voz de Denzel Washington, imágenes poco conocidas del músico en familia, el testimonio de sus hijos sumado al de un fanático japonés, se dirigen a hacer de John Coltrane, más que un músico, el portador de un mensaje celestial. Con el añadido de rigor: victorioso en la lucha contra las drogas. "Chasing Trane" exhibe entonces el retrato de un héroe. La película persigue una línea cronológica en la trayectoria artística y biográfica de Coltrane; el entorno metodista de la infancia, la muerte del padre, sus inicios dubitativos en una banda militar, Naima, el golpe que significa (como para todo músico) encontrarse a Charlie Parker, su participación en la banda de Dizzy Gillespie, la adicción a la heroína, el trabajo (y los problemas) con Miles Davis, el trabajo (y la dicha) con Monk, el abandono de las drogas, la ruptura con Naima, la vida junto a Alice, el cuarteto de la consagración y el quinteto final, cuando Coltrane se despide definitivamente de la tonalidad y rearma su grupo incorporando a Rashied Ali, Alice Coltrane y Pharoah Sanders. La narración de Scheinfeld se sirve de esta cronología para intercalar entrevistas, aspectos biográficos del músico y el contexto histórico enfocado en la lucha racial, especialmente tratado con intensidad a partir de la voz de Martin Luther King junto a la soberbia composición e interpretación de “Alabama”. En definitiva, "Chasing Trane" es un completísimo dossier sobre una de las figuras más relevantes no sólo del jazz, sino de la música del siglo 20.

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Chasing Trane: The John Coltrane Documentary [2016]

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La bici de Marina & Marcello

No sé si creo en el amor...
Pero creo en la felicidad de dos cuerpos conectados. 
[Marcello Mastroianni, con Marina Vlady]

Heart Of A Dog [2015]

"Cuando mi padre murió lo pusimos en la tierra, cuando mi padre murió, fue como si una biblioteca entera se hubiese quemado". [Laurie Anderson]
 
En el documental "Heart of a Dog" la multifacética artista Laurie Anderson realiza una delicada reconstrucción de la propia experiencia del dolor frente a la muerte. En un film exploratorio y a la vez expiatorio, narra la vivencia íntima y doméstica de las ausencias que la confrontan con el amor, el paso del tiempo, la existencia y la conciencia de la finitud. Con su voz en off, relata la pérdida de su amada perra Lolabelle, de su madre y de su esposo, el músico Lou Reed; y lo hace con la sutileza del humor, en un tono y registro que oscilan entre el video diario y una home movie existencial. Lo hace, también, convencida de que, como enunció el filósofo austríaco Wittgenstein, "los límites de mi lenguaje son los límites de mi mundo". Anderson no sólo pone en palabras aquello que se propone compartir; también recurre a fragmentos de viejas películas familiares rodadas en 8mm, animaciones, pinturas, grabaciones caseras, fotos. Los recuerdos se desgranan desde sus sonidos, olores, anécdotas de infancia, en secuencias poético-confesionales que brindan una lúcida interpretación de ideas sobre la vida, el amor, el dolor y la muerte. Las ausencias parecen operar como recuerdos que se alternan en el tiempo, en una espiral que vuelve una y otra vez sobre textos, música, dibujos, dialogando con la filosofía budista tibetana, con Søren Kierkegaard, Ludwig Wittgenstein, David Foster Wallace, con ecos del existencialismo sartreano y de la generación Beat americana, todo reformulado y reinterpretado en imágenes que le permiten trazar una suerte de cartografía videográfica por el territorio de su memoria, reexaminado en contexto, frases, situaciones, evocaciones y cotidianas expresiones de la vida compartida junto a su perra y su esposo. Anderson habla en el film sobre el lenguaje y la imposibilidad de abordar la pérdida, pero también crea una honesta y brillante oda de amor de 75 minutos hacia su perra, la relación con nuestros seres queridos, los recuerdos compartidos, las vivencias del ámbito doméstico o la reflexión política sobre la sociedad, y cómo fortalecerse en lo espiritual y continuar frente a la desaparición física. En las imágenes sólo traduce con honda belleza estas pérdidas: es recurrente ver los planos intervenidos por texturas, filtros, o aplicar el recurso de capturar rostros o paisajes mediados por vidrios con gotas de lluvia deslizándose, que bien podría guardar cierta analogía con el loop en el terreno musical. En 1986 Laurie Anderson dirigió "Home of the Brave", registro de su recital/perfomance del álbum homónimo, donde cantaba parafraseando al escritor William Burroughs que "el lenguaje es un virus". Cerca de 20 años después y atravesada por otras vivencias, ella consigue en "Heart of a Dog" poner en escena la aserción del filósofo danés Kierkegaard: "la vida sólo puede comprenderse al mirar hacia atrás y sólo puede vivirse mirando hacia adelante".

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Heart Of A Dog [2015]

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Un perro ha muerto

> Por Pablo Neruda.

Mi perro ha muerto. Lo enterré en el jardín junto a una máquina oxidada. Allí, no más abajo ni más arriba, se juntará conmigo alguna vez. Ahora él ya se fue con su pelaje. Su mala educación, su nariz fría. Y yo, materialista que no cree en el celeste cielo prometido para ningún humano, para este perro o para todo perro, creo en el cielo, sí, creo en un cielo donde yo no entraré, pero él me espera ondulando su cola de abanico para que yo al llegar tenga amistades. Ay, no diré la tristeza en la tierra de no tenerlo más por compañero, que para mí jamás fue un servidor. Tuvo hacia mí la amistad de un erizo que conservaba su soberanía, la amistad de una estrella independiente sin más intimidad que la precisa, sin exageraciones: no se trepaba en mi vestuario llenándome de pelos o de sarna, no se frotaba contra mi rodilla como otros perros obsesos sexuales. No, mi perro me miraba dándome la atención que necesito, la atención necesaria para hacer comprender a un vanidoso que siendo perro él, con esos ojos, más puros que los míos, perdía el tiempo, pero me miraba con la mirada que me reservó toda su dulce, su peluda vida, su silenciosa vida, cerca de mí, sin molestarme nunca, y sin pedirme nada. Ay, cuántas veces quise tener cola andando junto a él por las orillas del mar, en el invierno de Isla Negra, en la gran soledad: arriba el aire traspasado de pájaros glaciales, y mi perro brincando, hirsuto, lleno de voltaje marino en movimiento: mi perro vagabundo y olfatorio enarbolando su cola dorada, frente a frente al Océano y su espuma. Alegre, alegre, alegre como los perros saben ser felices, sin nada más, con el absolutismo de la naturaleza descarada. No hay adiós a mi perro que se ha muerto. Y no hay ni hubo mentira entre nosotros. Ya se fue y lo enterré, y eso era todo.