20,000 Days on Earth [2014]

 

Nick Cave, cantautor y escritor australiano nacido en 1957, es uno de los personajes más enigmáticos y pintorescos del mundo musical de habla inglesa. Su universo se construye en base a violentas yuxtaposiciones: la más honda dulzura y la más cruda violencia, los más sutiles y variados intertextos con las más vulgares insinuaciones. Un universo que se hace canción a través de su lírica barroca y la densa y expresiva instrumentación que consigue en sus diferentes bandas, siendo The Bad Seeds la más reconocida. Actualmente muy vinculado al mundo del cine de ficción por su trabajo como compositor de música incidental (junto a su compañero Warren Ellis), guionista (es el autor de "The Proposition" y "Lawless", ambas de John Hillcoat) y ocasional actor, es el personaje perfecto para dedicarle un documental. "20,000 Days on Earth" es el primer largometraje que lo tiene como protagonista. Y no hace falta buscarle un personaje, porque Cave es uno en sí mismo. Esto es lo que los directores Ian Forsyth y Jane Pollard buscan y consiguen a lo largo del film: el retrato de un artista efervescente, de un hombre inquieto y apasionado que a poco de cumplir seis décadas de vida se halla en plenitud creativa. El relato de una búsqueda constante por llegar hasta el cielo y apartarlo, empujarlo para ver qué hay detrás: “Push The Sky Away", tal el nombre de su último disco de estudio, el decimoquinto registrado junto a The Bad Seeds. Disco cuya grabación, ensayos e interpretación en vivo registra el rockumental de manera íntima, cálida, sumamente detallista a lo largo de un día imposible, el número 20.000 del músico sobre nuestro planeta. Una hora y media parece poco para poder abarcar los secretos de un artista tan apasionante, creativo e impredecible. Y lo es. Pero es parte del misterio, de ese personaje enigmático que Nick Cave construye y que halla su máxima expresión en las interpretaciones en vivo que las cámaras de Forsyth y Pollard nos regalan. Todo lo que tenemos que saber de Cave está sobre el escenario: cinco minutos de canción en los que se condensa la mirada de un hombre, cinco minutos en los cuales se deja llevar y trepa bien alto, hasta empujar el cielo.

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Sólo por MP

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Omnivos

> Por Biciman.©

Me despierto y te veo, en el sueño donde te vi. Me lavo tus dientes de piano sin teclas negras, aunque dudo porque yo tengo un par de oscuridades en el marfil. Te inspiro en el aire, te amochilo y pedaleo, hay un sol que ciega pero veo el norte con tus ojos de sur y todo se despeja. Se despelleja tu nariz de boxeadora, me pongo del color de tu vergüenza o de tu ira que no conocí, pero debe ser parecida a mi vergüenza cuando te adentro. Te llego a destino, que es parecido al sueño donde te vi. Que es el mismo lugar de donde partí, porque tu recuerdo es un cilindro y yo el ratón que te circula buscando ese lado donde siempre me encuentro. Me canso y me siento sobre tus nalgas de oso Ted. Me regodeo en ellas y quiero alabarlas con tus manos y resbalar un dedo pero el túnel duerme y respeto las señales. Te expiro en el aire, ahora todo huele como tu aliento. Te fumo y me mareo y te aboco y me noqueo. Y te sueño de nuevo, pero ahora tengo hambre y me hago un plato al mentón de tu carretilla que no para de traer tus órganos mis vitales que devoro a la velocidad de tu sur, que calculo y persigo hasta el agobio porque me comí tus pulmones y respiro con tu último aliento. Ya estás toda adentro y va a doler sacarte pero tenés que salir. No puedo con un corazón y menos con dos. Y me despierto y te veo, en el sueño que te comí. Y me estiro cual queso y me rugen tus huesos y me martilla el pecho tu revolución. Clamo tu calma y mi sereno y te saco a pasear por mi cordura, y como si fueras a responderme taquicardicamente te pregunto, ¿sabés qué horas son, mi corazón? (Son horas de comerte de nuevo, pero no en sueños).

Badlands [1973]

"Badlands", la ópera prima del genial director estadounidense Terrence Malick, contiene las claves y características que definirían buena parte de su corta pero imprescindible obra. Fuerza visual, fotografía preciosista, imágenes que son pura poesía. "Badlands" está llena de ellas: el incendio de la casa, la visita a la mansión de un hombre rico, el joven con el rifle a la espalda mirando perplejo el espectáculo de la llanura bajo la luna. Una rústica visión de Estados Unidos cercana a la de pintores realistas como Hopper y Wyeth, con sus casas de listones blancos de madera y llanuras desoladas bajo cielos infinitos e implacables. Malick envuelve en un tono poético un duro relato basado en hechos reales (unos jóvenes que cometen un asesinato y huyen), ayudado por unas interpretaciones excepcionales tanto de Martin Sheen como de Sissy Spacek, convertidos en personajes que pueden cometer crímenes y actos brutales, de los que no se les culpa ni se buscan sus motivaciones. Porque detrás de un asesinato puede no existir ninguna razón para cometerlo, y eso lo hace más inquietante y terrible. A Malick sólo le interesa la mera exposición de los hechos, y ahí reside precisamente el tremendo magnetismo de su obra. No hay que intentar comprender sus películas exclusivamente por la vía de la razón, debemos dejar que nos entren por los sentidos y la sensibilidad. Si lo conseguimos, la experiencia puede ser única.

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Badlands [1973]

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La bici de Brad

 
Tenemos empleos que odiamos 
para comprar mierda que no necesitamos. 
[Brad Pitt en "Fight Club"] 

The Blue Note Collection Vol 5

>Tracklist

01- The Love Theme [Nostalgia 77 Version] - Natural Self
02- Adagio In Wot Minor - Get The Blessing
03- New World - James Taylor Quartet
04- The Moon - Nostalgia 77 [Feat. Capstone & Lizzy Parks]
05- Dark Jazz - Parov Stelar
06- You and Me - Nostalgia 77
07- Quiet - Get The Blessing
08- Stop To Make A Change - Nostalgia 77
09- 68 On Third - Unforscene
10- The Fog - Parov Stelar [Feat. Jerry Di Monza]

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The Blue Note Collection Vol 5

Oración

> Por Juan Gelman.


Habítame, penétrame.
Sea tu sangre una con mi sangre.
Tu boca entre a mi boca.
Tu corazón agrande el mío hasta estallar.
Desgárrame.
Caigas entera en mis entrañas.
Anden tus manos en mis manos.
Tus pies caminen en mis pies, tus pies.
Árdeme, árdeme.
Cólmeme tu dulzura.
Báñeme tu saliva el paladar.
Estés en mí como está la madera en el palito.
Que ya no puedo así, con esta sed
quemándome.
Con esta sed quemándome.
La soledad, sus cuervos, sus perros, sus pedazos.

Easy Riders, Raging Bulls [2003]

 

A finales de los años sesenta y principios de los setenta, si uno era joven, ambicioso y talentoso, no había en la tierra mejor lugar que Hollywood. El rumor empezó a atraer a las escuelas de cine a los mejores y más brillantes hijos del "baby boom", el impresionante aumento de la natalidad que siguió a la Segunda Guerra Mundial en Estados Unidos. Todo el mundo quería entrar en ese ambiente. Norman Mailer quería hacer cine más que escribir novelas, Andy Warhol quería hacer cine más que producir latas de sopa Campbell. Las estrellas del rock, como Bob Dylan, Mick Jagger y The Beatles, no veían el momento de ponerse delante, y en el caso de Dylan detrás, de la cámara. En palabras de Steven Spielberg: “En los setenta se levantó por primera vez una especie de restricción a la edad, a la gente joven se la dejó pasar, con toda su ingenuidad y su sabiduría y con todos los privilegios de esa juventud. Fue una avalancha de grandes y nuevas ideas, y por eso fue una década crucial.” Fue la última vez que Hollywood produjo obras de riesgo y alta calidad, películas más centradas en los personajes que en el argumento, que desafiaban las tradicionales convenciones narrativas y la tiranía de la corrección técnica, que rompían los tabúes del lenguaje y del comportamiento, que se atrevieron a tener un final no feliz. Este movimiento, bautizado “Nuevo Hollywood” por la prensa, estaba liderado por una nueva generación de directores: Peter Bogdanovich, Francis Coppola, Warren Beatty, Stanley Kubrick, Dennis Hopper, Mike Nichols, Woody Allen, Bob Fosse, Arthur Penn, John Cassavetes, Robert Altman, Martin Scorsese, Steven Spielberg, George Lucas, Paul Schrader, Brian De Palma y Terrence Malick. Estos son sólo algunos de los nombres detrás del fenómeno, cineastas que en base a una actitud irreverente y provocativa, pudieron plasmar en celuloide algunas de las obras más originales e iconoclastas que hayan salido del país del norte. "Easy Riders, Raging Bulls: How the Sex, Drugs and Rock 'N' Roll Generation Saved Hollywood" es un documental producido por la BBC y dirigido por Kenneth Bowser, basado en el libro homónimo de Peter Biskind, que refleja, a través de entrevistas, secuencias fílmicas e imágenes de archivo, los trece años transcurridos entre "Bonnie & Clyde" (1967) y "Heaven’s Gate" (1980), que delimitan la última época en que hacer cine en Hollywood fue realmente emocionante, la última vez que la gente pudo estar, y con razón, orgullosa de las películas que hacía, la última vez que una comunidad en su conjunto alentó el trabajo bien hecho, la última vez, también, que hubo un público capaz de sostenerlo.

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Easy Riders, Raging Bulls [2003]

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La bici de Lauren

 
Esta es la prueba para saber si tu misión en la vida
está completa: si sigues vivo, no lo está. 
[Lauren Bacall] 

Inside Björk [2003]

"Sueño que mi voz es un volcán que escupe amor y descongela todos los sueños". [Björk]
 
Björk Guðmundsdóttir (Reikiavik, Islandia, 21 de noviembre de 1965), conocida simplemente como Björk, es una cantautora, multiinstrumentista, compositora y productora islandesa. Pasó sus primeros años en Reikiavik, donde se convirtió en vocalista profesional a los once años al publicar su primer álbum, "Björk". El álbum fue exitoso en Islandia pero no fue publicado fuera del país. Tras haber formado algunas bandas post-punk, Björk saltó a la fama como una de las cantantes principales del grupo de rock alternativo The Sugarcubes, que tuvo un seguimiento de culto en Estados Unidos e Inglaterra. Tras la desintegración del grupo, Björk se mudó a Londres, donde comenzó una carrera en solitario. "Debut", su segundo álbum lanzado en 1993, estableció su nueva dirección artística y se convirtió en un éxito internacional. Siguió lanzando una serie de álbumes en los que adoptó diversos géneros músicales, desde el jazz hasta la electrónica y la música experimental, obteniendo aclamación por la crítica y trabajando con importantes diseñadores de moda, productores y fotógrafos. Sus videos musicales, dirigidos por reconocidos directores como Michel Gondry, también han sido aclamados por la crítica. En el año 2000, Björk protagonizó la película "Dancer in the Dark" del director danés Lars von Trier, la cual ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Su interpretación le valió el premio a la mejor actriz de dicho festival y una nominación al Globo de Oro a la mejor actriz. Considerada como una de las figuras más importantes en la música contemporánea, Björk es conocida por su música ecléctica, videos provocadores y sentido de la moda extravagante. Cada uno de sus álbumes incluye una éstetica y mensaje propios, y su voz ha sido elogiada por su poder y estilo únicos. En el año 2003, su productora One Little Indian editó el documental "Inside Björk", que refleja, a través de entrevistas a la cantante y a famosos admiradores de su arte como Sean Penn, Thom Yorke, Elton John, Lars Von Trier y Beck, entre otros, los primeros pasos musicales en su tierra natal y su rápido ascenso internacional, incluyendo fragmentos de sus videos más aclamados y sus conciertos. El torrent también incluye el documental "When Björk Met Attenborough" del año 2013, dossier realizado por la BBC británica para documentar el proceso de creación y desarrollo de su último trabajo, "Biophilia", que contó con la colaboración del célebre biólogo británico David Attenborough.

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Inside Björk [2003]

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A tus zapatos

> Por Biciman.©




A destiempo a desviento juaneteando encallado por los cordones sin cuneta ni luna ni teta ni el más impreciso vestigio de cuero de lonja para rozar para esperanzar el rabo legitimizar el decreto de amor que me imponen las manos y los pasos deshacen los callos y te caminan y te acordonan el rancho pero tus dos ventanas al frente y una puerta por atrás son tu blindaje al amado armado contra la tiranía de mis borcegos bravucones que se pliegan a tus repliegues miniciclones de vulvas que salto mortal por un rato hasta que caigo y reboto en la duda de si me cambio botines por mocasines y brillo tanto que ya no trato y camino porque hay un piso y un camino y yo lo piso hasta el final de todo y de tanto en tanto y de vez en cuando me siento lejos de todo y me siento a mi costado y me pienso a tu costado y te dejo acá al costado un par de zapatillas limpias y simples por si algún día querés caminar simplemente a mi lado y me levanto y me levanto y sigo gastando las suelas de mis tendones guerreros que se rompen pero no se doblan porque son viejos pero sinceros como un sol redondo después de una tormenta de cuadrados.

Le Fils du Requin [1993]

Dicen que Agnes Merlet, la directora francesa de "Le Fils du Requin" (Son of the Shark), basó el guión de esta película en la historia verdadera de dos hermanos de once y doce años que habitaron y transgredieron las buenas costumbres de un pueblo costero galo a finales de los años 80. Y que esa transgresión no fue oportunista, sino más bien anarquista. La infancia de Martin y Simon Vanderhoes no fue normal porque nunca convalidaron las normas. Si la norma era convivir en un departamento suburbano con un padre alcohólicamente resignado descargando frustaciones a mansalva, en ausencia de una madre autoexiliada de la familia, y bajo la diaria supervisión de una educación estatal autoritaria y aburrida, los hermanos Vanderhoes no eran normales. Ni tranquilos. Ni buenos. Ni malos. Eran inocentes y culpables de un método de crianza falible, niños creando caos en el silenciado caos primermundista. Y robando y molestando y quebrando todas las reglas, las del pueblo y las instituciones juveniles que intentaban separarlos y domesticarlos. Niños que aprendían a su manera. Y jugaban y sobrevivían a su manera, una manera tan violenta e irresponsable como genuina. Y también soñaban con días mejores y con alguna niña. Y con ser hijos de tiburones y desaparecer en lo profundo del océano con miles de peces dorados bailando alrededor. "Le Fils du Requin", que un crítico de cine describió como "Los 400 golpes de Truffaut pero con los niños pasados de crack", estuvo nominada a los premios Cesar de Francia y ganó el FIPRESCI del Festival de Venecia y el European Film Award como mejor film en la categoría jóvenes realizadores. Y su reconocimiento no es en vano, la ópera prima de Agnes Merlet destila realismo social, fantasía púber y poesía vital por todo el metraje, y lo hace con soltura, apoyada en la sorprendente naturalidad de sus dos jóvenes actores y una visión personal tan humana como antimoralista.

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Le Fils du Requin [1993]

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La bici de John

El arte siempre elige la verdad. Incluso cuando está mintiendo. 
[John Malkovich] 

Funk Off ! Vol 6

>Tracklist

01- Take 'em On - The Herbaliser
02- Syrup - Nightmares On Wax
03- Sad Thing - Nostalgia 77
04- Happy - Max Sedgley
05- Crimes and Misdemeanours - The Herbaliser [Feat. Twin Peaks]
06- Swamp Fever - Nightmares On Wax
07- Clean the House - Fat Freddy's Drop
08- Setting Up - The Herbaliser
09- The Hour Glass Effect - Shawn Lee's Ping Pong Orchestra
10- Crowded Places - Blundetto [With Akale Horns]

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Funk Off ! Vol 6

La Erótica

> Por Leopoldo Marechal.

Tuve un segundo encuentro en el Tuyú
junto al mar que bramaba como un toro
y en cierto mediodía de salitre.
Acostado en las algas vi al Amor
doble y uno en su forma de andrógino admirable:
la parte del Varón (crines y bronces)
y la de la Mujer (plumas y rosas)
buscaban la unidad en un abrazo
de dos metales puestos en crisol.
Y digo que, a mi vista, la región de la hembra
se iba trocando en la región del macho
y la del macho en la de la mujer,
las crines y las plumas en fusión,
los bronces y las rosas confundidos,
hasta no ser ni el macho ni la hembra,
sino los dos en uno y en ninguno.
Con el primer encuentro se puede hablar de Amor:
con el segundo nace la Erótica Infinita.

La bici de Catherine

La belleza no se tapa: el oro no es oro bajo la tierra. 
[Catherine Zeta-Jones] 

Liv & Ingmar [2012]

Él nació en Suecia en 1918, ella en Tokio en 1938. Los reunió una película en 1966: "Persona". Ingmar Bergman ya había realizado varios filmes y era reconocido como uno de los mejores directores de su época. Liv Ullmann era una actriz noruega de teatro. Ingmar la conoció y vio en ella todo lo necesario para que fuera la protagonista de su película. "Persona" se convertiría en una de las máximas obras del genio sueco y significaría la unión profesional de Ingmar y Liv para doce películas más. Y en medio del arte hubo amor. Y una hija. Y celos y odios y oscuridad. Y una amistad que duraría por siempre. La historia compartida entre estos dos artistas es lo que el director indio Dheeraj Akolkar quiso retratar y que le valió el premio al Mejor Documental en el Festival Internacional de Cine de Chicago. Contada desde el punto de vista de Liv, el documental narra, a través de un collage de imágenes, fotografías y fragmentos de las doce películas que hicieron juntos, los 42 años de relación entre la legendaria actriz y el cineasta.

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Liv & Ingmar [2012]
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Teoría de uno

> Por Biciman.©

No empezamos de cero. Empezamos de uno. Uno soy yo. Estoy entero. No tengo ni un primo. Ni un anterior. Soy singular y finito. Pero cero diviendo a uno es nada. Necesito otro uno. Pero si suma o resta ya no soy uno. Y si divide o multiplica tengo otros unos. Parecidos a uno. Y entonces soy otro uno o un distorsivo o un no soy uno. ¿Cómo le hago tablas a otro uno? Siendo dos unos, en el tablero mayor de unos, hay mucho de uno por todos lados. Y me tengo que prorratear para ser proporcional y resolver el problema de uno, antes de empezar de cero de nuevo. O de uno. Pero después de la cuenta, uno ya no es igual a uno. Es un binario. Lleno de unos y nadas. Hay quienes dicen que uno se adapta a los cambios. Que es mejor replicar para no quedarse en uno. A los duplicantes yo les resto este planteo: si me divido por cero soy nada, si me divido por otro soy otro uno, pero si me divido por uno mismo soy el mismo uno más todos los ceros. Y en algunas ecuaciones, es más rentable multiplicar la nada que deducirse uno entero. 

Hi-Fidelity Dub Sessions XI

>Tracklist

01- Wild Wild Dub - Zenzile
02- Tuk Tuk - The Black Seeds
03- Sky Rhythm - Dub Specialist
04- A New Dub - Roots Manuva
05- Roosters At War - Zenzile
06- Welcome To Extravagance - The Herbaliser
07- Hercules Dub - Blundetto
08- Blackbird - Fat Freddy's Drop
09- Dirty Old Cut - Zenzile
10- Alam Dub - Bill Laswell & Jah Wobble

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Hi-Fidelity Dub Sessions XI
 

La bici de Salvador

Sólo hay dos cosas malas que pueden pasarte en la vida:
ser Pablo Picasso o no ser Salvador Dalí. 
[Salvador Dalí] 

Nordvest [2013]

Si hay algo que destaca al cine danés de los últimos tiempos es el realismo extremo de muchas de sus producciones. Desde el Dogma de Lars Von Trier y Thomas Vinterberg, hasta la trilogía Pusher de Nicolas Winding Refn, los daneses se han empecinado en mostrar el lado más puramente oscuro del ser humano, y en ocasiones, como en Pusher y la aquí presentada Nordvest, esos seres se revuelcan en el barro de la marginalidad urbana de Dinamarca, porque en la perfecta Dinamarca también existe el barro, y la envidia y la codicia y las armas y las drogas. En Nordvest, los actores no profesionales y también hermanos en la vida real, Gustav y Oscar Giesen, son Casper y Andy, dos hermanos que sobreviven en los suburbios proletarios de Copenhague en base a robos en casas vacías y la transa a baja escala de drogas. Pero Casper, el mayor y más ambicioso, no se resigna al crimen minorista controlado por la banda árabe del áspero Jamal, y en plena búsqueda de nuevos negocios conoce a Bjorn, regenteador profesional de un grupo de prostitutas de europa del este de alto nivel, que está en expansión y en planes de contratar guardias para brindar protección a las mujeres en sus traslados por la ciudad. Casper ve la oportunidad y no la desaprovecha, y pronto se convierte en el mimado del rudo Bjorn, y las horas se cobran en billetes y drogas y fiestas y regalos para su familia. Pero la realidad es cliché, como el cine, y después de la fiesta llega la resaca. Y ahí está el desairado Jamal reclamando su parte, el callado hermano menor Andy escondiendo una rabia secreta, y el implacable Bjorn que no perdona errores. Y están los soles cada vez más negros de una Copenhague auténtica.

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Nordvest [2013]

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Un átomo de lluvia

> Por El Tomi Müller.

Si el primer intento fue imprudente el segundo fue descabellado. Y es que el paso a paso de la seducción pierde siempre con el salto mortal del sexo instintivo. De nada había servido el escarnio del reposo obligado a causa de la fracasada conquista, ni las inspiradas palabras de amor como caricias del cielo sobre la tierra que me había memorizado para decirle, ni el cálculo preciso del tiempo impasible que me tomaría descorrer el telón de sus bombachas e ir descubriendo el escenario de sus glúteos níveos, todo lo cual, lejos de serenar mis impulsos, me había jugado en contra. Fue esto lo que me llevó en volandas a intentar acceder por la retaguardia sin premeditación y con alevosía. Volví a encaramarme sobre los endebles peldaños de mi escala de valores hasta que mi heredad machista se apoderó nuevamente de mi escroto. Se dispararon incontrolables las imágenes libidinosas de sus piernas abiertas en medio de las cuales brillaban los pliegues secretos de su vagina y las íntimas tonalidades del orificio anal entre sus nalgas. Entonces me empezó a temblar el pulso del pene y como un ser independiente de mi control se desbocó por cuenta propia como un géiser y eyaculó una cucharada de miel blanca que resbaló por la suavidad del muslo femenino como un esquiador por la falda de las montañas. Ella sintió la humedad como el átomo de una gota de lluvia. Otro intelecto más que se agigantaba, ¿será por eso que dicen que todas las mujeres son iguales? No lo sé, pero ésta también empujó muy suavecito la escalera con el índice y yo volví a caer como caen los alpinistas, hecho un pequeño guijarro hipnotizado por el vértigo de los precipicios. Y otra vez con la líbido en cuarentena, los huesos del erotismo hechos pedazos y el nivel de semen por las nubes, altísimo, por allá donde el cerebro de las féminas vuela planeando sabiamente el espacio como un águila en celo y la brutalidad masculina aletea con el desorden propio de los buitres carroñeros.

Queens of Jazz: The Joy and Pain of the Jazz Divas [2013]

¿Qué tienen en común Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Peggy Lee, Sarah Vaughan y Nina Simone? Que nacieron y crecieron en el mismo país y la misma época, que eligieron el mismo destino musical, y que gracias a su desmesurado talento se convirtieron en referencias indiscutibles del cancionero jazz de todos los tiempos. El país era Estados Unidos, la época mediados del siglo 20, y el destino era la gloria y la consiguieron, pero para algunas el costo de la felicidad fue muy alto. La BBC nos brinda un documento elegante y revelador, donde las reinas del jazz ascienden talentosas a los glamorosos escenarios de los años 50, pero también bajan y viven una era cargada de racismo y discriminación sexual, mientras intentan desarrollar una entereza humana basada en el amor por el arte usando un instrumento propio y liberador, sus voces, las voces femeninas del mejor jazz de la historia, las voces que marcaron un estilo y una generación imposible de olvidar.

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Queens of Jazz: The Joy and Pain of the Jazz Divas [2013]
 
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La bici de Claudia [2]

Si esto es la decadencia, es lo mejor que me pasó en la vida. 
[Claudia Schiffer] 

Reggae Britannia [2011]

A mediados del siglo 20 las cosas en Jamaica no marchaban del todo bien. Las condiciones deplorables de vida y la pobreza generada por el saqueo y esclavitud perpetuados durante siglos en la isla por los británicos, obligó a sus habitantes a buscar refugio y mejores oportunidades del otro lado del océano, al norte de su originario continente africano, y en el seno mismo de la nación que generó esas condiciones: Inglaterra. Los inmigrantes jamaiquinos instalados en Inglaterra importaron su cultura y su música, elementos que les ayudaron a configurar y conservar su propia identidad en una tierra que les era totalmente ajena. El integrarse a la sociedad inglesa siendo personas de color no fue tarea fácil. Racismo y problemas legales con inmigración fueron constantes para limitar las oportunidades de empleo y educación. Es en este contexto que la música reggae se yergue y encuentra en Gran Bretaña el escaparate perfecto para que el mundo conozca su inconfundible y magnífico ritmo. "Reggae Britannia" es otro excelente dossier de la serie de documentales "Britannia" de la BBC, que hace un exhaustivo repaso sobre la llegada y el desarrollo del reggae en Inglaterra, desde los primeros "Sound Systems" y el desembarco del ska, hasta su influencia en el rock, el pop y el punk, en plena época en que Margaret Thatcher se dedicaba a cerrar fábricas y a oprimir a una juventud británica que no tardaría en revelarse cultural y socialmente. Big Youth, Bob Marley, The Clash, Madness, The Specials, Lee "Scratch" Perry, The Police, UB40, Culture Club, Max Romeo y Prince Buster son sólo algunos de los grandes nombres que desfilan por la pantalla, entre sorprendentes imágenes de archivo y entrevistas con aquellos que contribuyeron al legado del reggae en la música y la sociedad británica, en ese entonces y para siempre.

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Reggae Britannia [2011]

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La imparable sensualidad del caer

> Por Biciman.©



Hay que fondear los pedales para que el alma ruede, acelerar en las culpas para salir mal parados pero siempre con faros por naufragios pasados que ya no existen pero que están están. Hay que acribillar abrazazos la rutina serial, denunciar la suerte de la normalidad, matar a piña dopada la oscuridad de los días con las mechas prendidas de las noches dinamitas, llenar de sexo los bolsillos sucios y manosearlos y sacarlos y convidarlos como las últimas monadas de la humanidad. Hay que desfigurarse a besos y aplastar los celos a bofetones de palabras perfumadas de rococó supertibio que rompe vientos y cuece caprichos y los posa intimamente sobre nalgas ahogadas en sus propios jugos que desarman ansiedades y contagian impiedad. Hay que lujuriar el orden de las cosas con estilo, castigar la perfección de las facultades para saborear la resina de lo que queda en el piso, larvarizarse, refregarse en la hundición de los sentidos hasta el más básico latido de la sinrazón, y salir del tiempo, baldosear el espacio, violarse la mente y caer tan profundo, que el golpe final nos eleve tan alto que nos veamos al otro día en el altar de la vida brindando con nuestra sangre derramada por todos los destinos con la impresa y negligente sabiduría de creernos tan vivos que tenemos que morir de vez en cuando por no poder parar de estallar.

The Selfish Giant [2013]

Inspirado en la historia homónima de Oscar Wilde, este largometraje de la directora británica Clio Barnard ha sido catalogado como uno de los mejores films británicos del 2013. Continuando con la tradición inglesa del cine de realismo social, en la línea de "Kes" de Ken Loach y "Ratcacher" de Lynne Ramsay, "The Selfish Giant" es un relato crudo sobre amistades, egoísmos e injusticias que se desarrolla en los suburbios pobres de las afueras de Yorkshire. Lejos del universo fantástico del cuento de Oscar Wilde (al que pide prestado el título y en el cual se inspira de manera muy libre), la película se centra en dos amigos adolescentes, Arbor y Swifty, y en la relación de explotación que los une a Kitten, el propietario de una chatarrería local. A Arbor y Swifty los expulsaron de la escuela y, en esos días de incertidumbre, ambos empiezan a recoger (y robar) trozos de metal que luego venden a Kitten. En paralelo, la película retrata una costumbre local: las sulkys, carreras de pequeños carruajes tirados por caballos que son objeto de apuestas entre los habitantes. Swifty tiene un don para los caballos y el chatarrero Kitten empieza a utilizarlo en las carreras en las que apuesta. A Arbor, cada vez más problemático, le sienta mal esa relación de supuesta complicidad entre su amigo y quien él considera ser su modelo. Con una atmósfera oscura y una trama social en la que parecen percibirse los ecos de Ken Loach, Clio Barnard construye un guión fuertemente centrado en los personajes y en el que se cuestionan las fronteras entre la ayuda y el oportunismo. Kitten, el “gigante egoísta”, surge como un personaje distante, cuya supuesta “oportunidad” que ofrece a los dos chicos esconde en realidad su propio interés económico y su intención de hacerlos partícipes en actividades ilícitas. Con agilidad y una gran interpretación de los dos jóvenes actores, la historia se desarrolla sin dejar cabos sueltos. Y la violencia social que prevalece a lo largo del film es sin duda más horrorosa que cualquier escena de disparos o decapitaciones. Es una violencia anunciada. Lo cual desde el principio hace intuir que no habrá lugar para finales felices.

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The Selfish Giant [2013]

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La bici de Frida

Pies, para qué los quiero, si tengo alas para volar. 
[Frida Kahlo]

Música para la bici 17 - Resistencia urbana

>Tracklist

01- All Things to All Men - The Cinematic Orchestra [Feat. Roots Manuva]
02- What You Asked For - The Herbaliser
03- In Between The Lines - Bonobo [Nostalgia 77 Remix]
04- Tapestry - Nightmares On Wax
05- The Trap - Saru
06- Around the Block - Pretty Lights
07- Juggle Tings Proper - Roots Manuva
08- Mother Dove - The Herbaliser
09- Time is The Enemy - Quantic
10- Eastwind - Nostalgia 77

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Música para la bici 17 - Resistencia urbana
 

Ausencia

> Por Juan Gelman.


Cómo será pregunto.
Cómo será tocarte a mi costado.
Ando de loco por el aire
que ando que no ando.
Cómo será acostarme
en tu país de pechos tan lejano.
Ando de pobre cristo a tu recuerdo
clavado, reclavado.
Será ya como sea.
Tal vez me estalle el cuerpo todo lo que he esperado.
Me comerás entonces dulcemente
pedazo por pedazo.
Seré lo que debiera.
Tu pie. Tu mano.

1959: The Year That Changed Jazz [2009]

1959 fue un año trascendental para el jazz, cuando la complejidad del bebop dio paso a nuevas formas, otorgando a los músicos una libertad sin precedentes para explorar y expresarse. Fue también un año clave para Estados Unidos, en tiempos en que la democracia y la riqueza comenzaron a sufrir levantamientos sociales y raciales, con el jazz como fondo urbano que no escapaba a las controversias. Ese año se editaron cuatro grandes discos de jazz: "Kind of Blue", de Miles Davis, "Time Out", de Dave Brubeck, "Mingus Ah Um", de Charles Mingus, y "The Shape of Jazz to Come", de Ornette Coleman. Raras imagenes de archivo y de actuaciones en vivo contribuyen a revivir la época y a develar la importancia vital de estos discos en 1959 y en los años posteriores. A estas se suman entrevistas con artistas relevantes como Lou Reed, Dave Brubeck, Ornette Coleman, Charlie Haden, Herbie Hancock, Joe Morello y Jimmy Cobb, además de personalidades del jazz de los 50s y de la actualidad.

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1959: The Year That Changed Jazz [2009]
 
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La bici de Henry [2]

Dije que iba a escribir la verdad. Pensé que podía.
Pero nadie puede escribir la verdad absoluta. 
[Henry Miller] 

Woody Allen: A Documentary [2011]

Allan Stewart Königsberg (Brooklyn, 1 de diciembre de 1935) es un director, guionista, actor, músico, dramaturgo, humorista y escritor estadounidense. Muy conocido por su nombre artístico Woody Allen y ganador del premio Oscar en cuatro ocasiones, es uno de los directores más respetados, influyentes y prolíficos de la era moderna, rodando una película al año desde 1969. Allen dirigió, escribió y protagonizó "Annie Hall", película considerada por muchos como una de las mejores comedias de la historia del cine, y la cual recibió el premio Oscar al mejor director en 1977. Sus grandes influencias cinematográficas oscilan entre directores europeos como Ingmar Bergman y Federico Fellini, hasta comediantes como Groucho Marx y Bob Hope. Durante un año y medio, el director y documentalista Robert Weide captó el día a día del genial director, con el objetivo de ofrecer la biografía definitiva sobre Woody Allen. Desde su infancia y adolescencia a sus primeros trabajos profesionales, "Woody Allen: A Documentary" repasa la larga trayectoria de Allen desde su labor como guionista y monologuista en programas de TV durante los años 50 y 60, a sus primeros proyectos como director con "Take the Money and Run" (1969), "Bananas" (1971) y "Sleeper" (1973), pasando por sus películas más admiradas y premiadas como "Annie Hall" (1977), "Manhattan" (1979), "Zelig" (1983), "Broadway Danny Rose" (1984), "Purple Rose of Cairo" (1985), "Crimes and Misdemeanors" (1989), "Husbands & Wives" (1992) y "Bullets Over Broadway" (1994), hasta su más reciente periplo europeo con "Match Point" (2005), "Vicky Cristina Barcelona" (2008) y "Midnight in Paris" (2011). Con casi cuatro horas de duración, "Woody Allen: A Documentary" es un extenso y entretenido dossier sobre esta leyenda viva del séptimo arte, que incluye exclusivas imagenes del backstage de los films y entrevistas con renombradas figuras del cine de todos los tiempos, entre ellos Martin Scorsese, Diane Keaton, Martin Landau, Sean Penn, Mira Sorvino, Naomi Watts, Dianne Wiest, Antonio Banderas, Josh Brolin, Penélope Cruz, John Cusack, Owen Wilson, Mariel Hemingway, Scarlett Johansson, y los directores de fotografía Gordon Willis y Vilmos Zsigmond.

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Woody Allen: A Documentary [2011]

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Mil holas

> Por Biciman.©


Mon amour, qué raro esto de extrañar las playas que nunca caminamos. Supongo que la imaginación tiene su propia memoria, tan idealista como adiposa. Porque alimenta imágenes con presunciones, que la mayoría de las veces sobran. Y todo lo que sobra tiende a pesar. Creo que tengo un falso meteorólogo dentro de mi ego, que me atormenta con soles que nunca llegan. Y no es que me sienta sapo de otro pozo en mi atmósfera pluvial, es que ya rompí cien paraguas y ahora me empapo con tristezas ajenas. Y con las gripes que me catarro espanto a estornudazos a las chicas de mi puerta, que siempre se reportan con algo para secar. Y siempre hay algo en las formas de estas sujetas, un ojo esmeralda que titila, un pómulo que salta y resalta, un labio inferior que se estira y se quiebra como un bandoneón; siempre hay algo, digo, que me recuerda, la entramada guapura de tu cara. Y cuando abren su caixa de língua para soltar palabra, casi que no sueltan nada, o sale siempre lo mismo, o yo entro siempre lo mismo, que es lo mismo que casi nada. ¿Puede mi cabezal accionar tan fallido? ¿Puede encontrar en todos los ruidos la misma tonada? Debe ser que mi armonía está desacoplada, que hay un eco que mi memoria plagia, un silencio femenino que no paro de escuchar cuando las otras hablan. Ellas me regalan olas que nunca tocarán las playas, porque mil holas no pueden borrar un chau.

The Soul Out Collection Vol 8

>Tracklist

01- There 4u - Nightmares On Wax
02- Hercules - Blundetto [With Hugh Coltman & Shawn Lee]
03- Forgetting to Remember - Kinny & Horne [Nostalgia 77 Remix]
04- It'll Come - Belleruche
05- Since You've Been Gone - Blundetto
06- Your Love is Mine - The New Mastersounds [Feat. Corinne Bailey Rae][Nostalgia 77 Remix]
07- Good Things - Splenger
08- Breathing Pleasure - Jazz Liberatorz
09- Quiet Storm - Smokey Robinson
10- Street Scene - St Germain

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The Soul Out Collection Vol 8

La bici de Keira

La perfección no es una virtud, sino el estado previo al defecto. 
[Keira Knightley] 

The Songs of Nick Drake: Way to Blue [2010]

Filmado en el Barbican Centre de Londres en enero de 2010 y curado por Joe Boyd, productor y amigo de Nick Drake, "The Songs of Nick Drake: Way to Blue" es un concierto homenaje que celebra las canciones de Nick Drake, interpretadas por diversos y renombrados trovadores de la actualidad, como Vashti Bunyan, Green Gartside, Lisa Hannigan, Scott Matthews, Teddy Thompson, Krystle Warren, Robyn Hitchcock, Kirsty Almeida y Harper Simon. El concierto cuenta con los arreglos orquestales de Robert Kirby, amigo de Nick, e incluye como soporte una banda local liderada por Danny Thompson, el legendario bajista de los dos primeros discos de Drake. Entre las versiones se destacan la de Teddy Thompson haciendo la eterna "River Man", la cautivante interpretación de Lisa Hannigan de "Black Eyed Dog", la versión blusera de Krystle Warren de "Time Has Told Me", el giro psicodélico de Robyn Hitchcock con "Parasite", y la rendición consumada de Neil MacColl del clásico "Northern Sky". Durante su vida, Nick Drake tuvo poco éxito comercial, pero desde su muerte a la edad prematura de 26 en 1974, ha sido venerado como uno de los compositores ingleses más influyentes e importantes de su época.

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Secreta

> Por Eduardo Galeano.




Esa mujer es una casa secreta.
En sus rincones guarda voces y esconde fantasmas.
En las noches de invierno humea.
Quien en ella entra, dicen, nunca más sale.
Yo atravieso el hondo foso que la rodea.
En esa casa seré habitado.
En ella me espera el vino que me beberá.
Muy suavemente golpeo la puerta, y espero.

The Broken Circle Breakdown [2012]

El melodrama es un  género malquerido por regla general, dada la tendencia a utilizar de manera exagerada golpes de efecto que sustraen el interés del producto final. Cuando la alquimia funciona y la dosis es la adecuada, se convierte en un placer cinéfilo, como en el caso de "The Broken Circle Breakdown", del director belga Felix Van Groeningen, que retoma al pie de la letra la etimología de sus términos griegos: mélos (música) y drama (acción dramática). El film es una adaptación de la obra de teatro de Johan Heldenbergh y Mieke Dobbels, "The Broken Circle Breakdown featuring The Cover-Ups of Alabama", suceso musical en Bélgica que ahora se extiende a toda Europa, dando paso también a un éxito cinematográfico que cosecha premios en festival que se presente, consiguiendo ser nominada como mejor película extranjera para los Oscar 2013. La historia es tan simple como dura: Didier, un carismático músico amante del bluegrass y country norteamericano, que vive como un cowboy en el interior de Bélgica, conoce a la bella Elise, una treintañera que tiene su propio negocio de tatuajes y lleva impresas sus pasiones en su cuerpo ilustrado. Hay amor a primera cita y un romance que augura felicidad hasta el éxtasis. Y cuando Elise queda embarazada, parece que el círculo perfecto finalmente se cierra. Pero la vida que da también quita, y el demasiado tempranero diagnóstico de cáncer de su pequeña hija hace que el círculo se corrompa y el sueño se convierta en tragedia. Con una notable actuación de ambos intérpretes, una banda sonora cautivante, una fina fotografía, y un guión sincero y cruel como la vida misma, "The Broken Circle Breakdown" desparrama belleza, música y tristeza por la pantalla, con una historia lacerante para pieles sensibles.

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The Broken Circle Breakdown [2012]
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La bici de Natalie [2]

 
La belleza siempre subsiste en el recuerdo. 
[Natalie Wood] 
  

Arthur Rimbaud - Une biographie [1991]

Jean Nicolas Arthur Rimbaud (Charleville, 20 de octubre de 1854 – Marsella, 10 de noviembre de 1891) fue uno de los más grandes poetas franceses, adscrito unas veces al movimiento simbolista, junto a Mallarmé, y otras al decadentista, junto a Verlaine. Escribió sus primeros versos cuando apenas contaba con quince años y dejó para siempre la literatura a la prematura edad de veinte. Para él, el poeta debía de hacerse "vidente" por medio de un "largo, inmenso y racional desarreglo de todos los sentidos". Su influencia en la literatura moderna, la música y el arte es amplia. Rimbaud influyó en poetas franceses posteriores, pero también en los surrealistas André Bretón, Henry Miller, Anaïs Nin, William S. Burroughs, Pier Paolo Pasolini, Jim Jarmusch, Hugo Pratt, Klaus Kinski, Patti Smith, Jim Morrison, Luis Alberto Spinetta, Bob Dylan, Joe Strummer, e incluso en los poetas beats. "Arthur Rimbaud: Une biographie" es un documental del director Richard Dindo dividido en tres capítulos, "Los desiertos del amor", "Una temporada en el infierno" y "Un ángel en el exilio", que narra, a través de personajes ficticios, la vida, obra y muerte del gran poeta francés.

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Arthur Rimbaud - Une biographie [1991]

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