martes, 14 de marzo de 2017

B-Movie: Lust & Sound in West-Berlin 1979-1989 [2015]



¿Qué puede hacer un joven en una ciudad industrial en la que las fábricas van cerrando una tras otra? ¿Qué futuro puede tener en una ciudad que parece no tenerlo? El joven Mark Reeder encontró una pequeña luz en su Manchester natal, sumida en la pobreza de la post-Segunda Guerra y durante los inicios del Thatcherismo: la música. Primero como músico en sí, fundando la banda The Frantic Elevators junto a Mick Hucknall (quien posteriormente se haría famoso con Simply Red) y luego como vendedor en una pequeña tienda de Virgin Records en el centro de Manchester. Allí expandió su horizonte musical, del punk furioso de Sex Pistols y Buzzcocks a la experimentación alemana en la electrónica, como Tangerine Dream, Kraftwerk y Neu! Pero la pobre, sucia y fría Manchester se sentía demasiado pequeña, demasiada lejana a aquello que tanto deseaba, así que un día Mark Reeder decidió irse a vivir a Berlín Occidental. “B-Movie: Lust & Sound in West Berlin 1979-1989” es, a falta de una mejor expresión, un collage audio-visual. Es la atmósfera de una ciudad dividida y a punto de estallar, un enclave capitalista en medio de la órbita soviética, un imán para artistas, decadentes, okupas y desertores, y la película captura esa adrenalina, ese exceso, esos deseos de libertad en una situación tan mala (o peor) que en Manchester, con una edición caótica-pero-controlada, usando material de archivo, grabaciones nunca antes vistas, y la narración de Mark Reeder para guiarnos a través de su historia, que es tanto la historia de un extranjero que se vuelve berlinés, como la historia del underground de la ciudad. Reeder nos guía a través de estas coloridas aguas turbulentas con una línea firme: la música. Su relación con diversos artistas (como los punks de Die Toten Hosen y Die Ärzte y las experimentales new-wave de Malaria!) forman la espina dorsal del relato, pero hay una que sobresale: la figura lánguida y desaliñada de Blixa Bargeld. Bargeld, fundador de la influyente banda industrial Einstürzende Neubaten y co-fundador, junto a Nick Cave, de The Bad Seeds, es una presencia magnética cada vez que aparece en pantalla, con una particular (y muy lúcida) visión de Berlín y una pureza artística envidiable. Aparte de los ya mencionados, también hacen aparición una joven Tilda Swinton, la famosa cantante Nena (con el primer hit mundial en alemán), los endiosados Joy Division y posteriormente los novísimos New Order, la estrella adolescente Christiane F. y el mismísimo Nick Cave, quien se fue a Berlín buscando la inspiración que le parecía esquiva en ese momento de su vida. "B-Movie" es un documental con mucho espíritu punk, abiertamente rebelde y contra-cultural, pero nunca particularmente violento. Es una pequeña ventana a una ciudad que parece gris y opaca en su exterior, pero está llena de colores y chillidos en los detalles, en cada rincón, en cada grieta. Una de las mayores riquezas de la película consiste en el material de archivo que nos muestra, in-situ y sin filtro, la vida al borde de la Cortina de Hierro, lo que es absolutamente impagable. Una mirada de menos de dos horas a ese epicentro de creatividad y de excesos que era Berlín Occidental y que cayó, en cierto sentido, cuando también cayó el Muro.

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B-Movie: Lust & Sound in West-Berlin 1979-1989 [2015]


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Ruleta rusa

> Por Biciman.©  

¿Cómo sé que adentro de esta decisión hay un amor? Sé lo que puede hacerle a mi cabeza. Bien o mal es moral de la inconsciencia, estas cosas no se piensan, se aprenden pero no se piensan. Todos somos inmortales hasta demostrarnos lo contrario. ¿Quién no quisiera morir y nacer, en otro o el mismo? Jugar a que quiero más de lo que puedo, jugar a enfermarse, a la fiebre, a la víctima, a la consecuencia de mis actos. Es lindo volarse los sexos con otros cuerpos, morderse las colas, abrirse las penas. Pero después de unos tajos, de unos buenos malos tajos, el andar es instinto, uno quiere el olor sin las flores, la boca sin la risa, buscar lo preciso, ser justo sin ley, dar sin que pidan, no pedir lo que me dan. No es fácil hacer lo que se piensa, pero más revelador es no pensar, rendirse al miedo, filetearse, perder las banderas, las marcas, los talones. Es cambiar aceite por gas, la línea imaginaria por la contingente, por eso que nunca podías imaginar. Es un proceso de revuelco cíclico, arrastrarse hasta que salgan ruedas en los codos, rodar como loco por los egos circundantes, hasta chocar con algo, o con alguien, no es lo mismo, es lo que pasa, cuando lo único seguro es que algo va a pasar. La moneda va a caer, por eso de la gravedad, por esa cosa animal de tener un cuerpo, una cara, una huella, un vestigio, una cabeza para perder, un amor para ganar. Entonces cargate de miedo y tentate la sien, y que el deseo fluya my dear, que la sangre corra, que el pálpito decida. Y si podés perder la cabeza con el filo de la suerte, tal vez mejor morir de amor que no amar hasta la muerte.



Daft Punk: Unchained [2015]



Daft Punk es un dúo de música electrónica formado por los músicos franceses Guy Manuel de Homem-Christo (nacido el 8 de febrero de 1974) y Thomas Bangalter (nacido el 3 de enero de 1975). Daft Punk alcanzó gran popularidad en el estilo house a finales de la década de los '90, en Francia, y continuó con su éxito los años siguientes, usando el estilo synthpop. Daft Punk es conocido por sus elaborados conciertos en los que incorporan efectos visuales y por el énfasis que ponen en la historia y los componentes visuales de sus producciones musicales. También porque desde 2001 en sus actuaciones o apariciones públicas aparecen disfrazados de robots. En muy raras ocasiones conceden entrevistas o aparecen en televisión. "Daft Punk Unchained" es un documental del 2015 dirigido por Hervé Martin-Delpierre y producido por Canal+ y la BBC. La película es un recorrido narrativo desde los inicios noventosos en el circuito musical, mostrando su evolución y la forma en que han ayudado a definir la escena electrónica actual, posicionándose como la mejor banda del género, provocando grandes expectativas en cada uno de sus nuevos trabajos y presentaciones en vivo. Presenta sus influencias y los momentos decisivos de su carrera, el lanzamiento de su segundo y tercer disco, la recordada actuación en el festival de Coachella en 2006, momento que puso en lo más alto de su carrera a los Punks y que sirvió para que muchas personas que no estaban relacionadas con este tipo de movimiento entendieran de qué se trataba. "Daft Punk Unchained" intenta además presentar el perfil artístico del dúo que, a pesar de lo que se podría pensar dada la naturaleza de su trabajo, se remite a la disciplina y el control sobre los dispositivos con los que trabajan y los sonidos que componen. Como parte de los antecedentes de su éxito están la amplitud de sus referentes y un profundo entendimiento de la escena musical y la industria, ambos factores que les han permitido trabajar con relativa soltura artística y mantener los pies en la tierra. El documental explora esta revolución cultural sin precedentes que revela un dúo de artistas en una búsqueda permanente de la creatividad, la independencia y la libertad. Entre la ficción y la realidad, la magia y el secreto, el futuro y la reinvención, la teatralidad y la humildad, los robots han construido un mundo único. La película combina raras imágenes de archivo con entrevistas exclusivas con sus más cercanos colaboradores, incluyendo a Pharrell Williams, Giorgio Moroder, Nile Rodgers y Michel Gondry, entre muchos otros.

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Daft Punk: Unchained [2015]


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La bici de Ellen


Soy lesbiana y estoy cansada de mentir por omisión. 
[Ellen Page]

The Blue Note Collection Vol 6



>Tracklist

01- Play It - Bugge Wesseltoft
02- Value For Money - Low Fidelity Jet Set Orchestra
03- Hard Twelve - Beat Assailant
04- Summertime - Patchworks
05- Venice - Robert Kanford
06- Cantaloop Island - DJ Cam [With Tassel & Naturel]
07- Isabelle - Cassius Mc Fawner
08- Dolce Vita - Nick Edwardson
09- The Rustlers - Low Fidelity Jet Set Orchestra
10- Clauss It - Bugge Wesseltoft


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The Blue Note Collection Vol 6


Los amores imposibles

> Por Darío Jaramillo Agudelo.


A estas alturas rodando,
literalmente rodando,
asumo mi destino,
araño cielos, tiento paraísos,
busco la clave que me traspase,
sin buscarla la busco,
la llave es un torso, un gesto,
la sonrisa de un amor imposible
o de otro amor imposible.
Los amores imposibles
-es tan evidente que siempre lo olvido-
son partes de ese mundo imposible
que es mi mundo verdadero.


Shell [2012]



"Shell" es el primer largometraje del escocés Scott Graham, quien ya en 2007 firmó un corto con el mismo título, igualmente rodado en las Highlands de su país y ligeramente parecido en su temática a esta historia. Sobria, sutil y poderosa son algunos de los adjetivos que la crítica mundial ha usado para calificar esta transición del corto al largometraje. Shell (Chloe Pirrie, ganadora del Premio del Cine Independiente Británico a la Revelación más Prometedora por este trabajo), es la protagonista con nombre de gasolinera (conveniente, por cierto, al trabajar en una) pero cuando le sacan la broma ella prefiere decir que "shell" (concha o caparazón en inglés) es ese bonito objeto que uno encuentra en el mar, el mismo que posiblemente nunca haya visto en su vida. Shell vive en las Tierras Altas de Escocia, en mitad de ese paisaje tan fantástico como demoledor, que encanta a turistas pero que puede resultar desesperante si uno lleva toda su vida conviviendo con él. La madre de Shell se marchó hace muchos años y la dejó sola con su padre, Pete (Joseph Mawle), el dueño de esa gasolinera en medio de la nada, un mecánico que sufre ataques de epilepsia y depresión. A sus 17 años, Shell no sólo tiene las hormonas en efervescencia, sino que la atraviesa un deseo de evasión física y mental. ¿Pero qué hacer con su padre? ¿Cómo cargar con la culpa, con la peligrosa ambigüedad de la relación paterno-filial y el miedo a lo desconocido, más allá de las eternas carreteras de las Highlands? Con un fuerte material dramático entre manos, Graham elabora un complejo retrato de una adolescente atípica en el cual, afortunadamente, casi no hay lugar para el voyeurismo ni el maniqueísmo fácil. El guión apuesta por diálogos sobrios y abre espacio para que los silencios y el lenguaje corporal nos den pistas sobre los acontecimientos. Alrededor de Shell y de su padre, hay una galería de personajes que cortan momentáneamente el aislamiento enfermizo en que viven y, por consiguiente, acaban por intensificar el deseo de un cambio jamás verbalizado. Como en el final de "Fish Tank", de Andrea Arnold, ese cambio, cuando por fin ocurre, deja un regusto amargo en la boca pero apunta hacia un futuro que se espera menos sofocante. "Shell" es una película intensísima en su austeridad y la prueba de que la vieja fórmula "un buen guión, buenos actores y un buen director” puede dispensar del apoyo de efectos especiales y grandes presupuestos para hacer una obra que quede por mucho tiempo en nuestra memoria.

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Shell [2012]


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La bici de Prince


No soy una mujer ni soy un hombre.
Soy algo que nunca entenderás
. 
[Prince]

National Lampoon: Drunk Stoned Brilliant Dead [2015]



"National Lampoon" fue una revista de humor estadounidense que se editó entre 1970 y 1998. La revista logró gran popularidad durante la década de 1970 y dio lugar a películas, programas de radio, teatro, grabaciones y libros. Muchos miembros del personal creativo de la revista triunfaron posteriormente en otros medios de comunicación. Durante muchos años la revista fue una parodia surrealista del modo de vida americano, con toques de historietas y dibujos, cómic y fotografías que repasaban el sentir de la juventud estadounidense. Casi todos los asuntos tratados, incluidos los textos más breves, partían de la hilaridad. Contenía una sección de elementos noticiosos reales (bautizada "Hechos Ciertos"), a la que se añadían historietas y tiras de cómic. Otras páginas incluían los llamados "Foto Funnies" o "Fumetti", a menudo presentando desnudos mezclados con un humor descarnado. El resultado era una mezcla inusual de humor inteligente e ingenio desbordante, combinados ambos con golpes brutales e inesperados saltos al vacío. El documental "National Lampoon: Drunk Stoned Brilliant Dead" de Douglas Tirola, reconstruye la historia de la mítica revista surgida de la contracultura universitaria en los años '70 y devenida luego en una institución cultural con fuerte influencia en el rock, el cine, la radio y la TV. En sus primeros segundos aparecen desde John Goodman hasta Judd Apatow, Billy Bob Thornton y Kevin Bacon, hablando de la importancia que para su generación tuvo el fenómeno "National Lampoon". Es que prácticamente nada del humor actual (desde el programa televisivo Saturday Night Live hasta Los Simpson, pasando por la Nueva Comedia Americana) habría sido posible sin la irreverencia y la posterior popularidad de "National Lampoon". Buena parte del film está dedicado a Doug Kenney y Henry Beard, los estudiantes de Harvard que iniciaron una publicación satírica y terminaron construyendo un emporio sustentado en la provocación y la incorrección política. Del underground neoyorquino a la masividad (llegaron a tener 12 millones de lectores), los escenarios (la banda Lemmings) y finalmente a Hollywood (Colegio de animales, Vacaciones), por la franquicia "National Lampoon" pasaron notables escritores y dibujantes, y múltiples figuras como Gilda Radner, John Belushi, Harold Ramis, John Landis, Bill Murray, Christopher Guest, John Hughes y Chevy Chase, varios de los cuales aparecen por este documental que expone la genialidad y los excesos (sexo, drogas y rocanrol en toda su dimensión) de aquellos tiempos. Con un impresionante despliegue de testimonios e imágenes (ahí está hasta el erudito Marshall McLuhan analizando el fenómeno "National Lampoon") el documental se convierte no sólo en una fascinante reconstrucción de un éxito impensado sino también en un valioso ensayo sobre la historia del humor estadounidense de los últimos 45 años.

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National Lampoon: Drunk Stoned Brilliant Dead [2015]


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Deseo

> Por Biciman.©


Redeformar
este deseo.
Que tanto rayo
no espante.
Yo soy lo que vos me hacés.
Nada.
Amigo.
Amante.


Django Reinhardt: Three Fingered Lightning [2010]



Jean Baptiste "Django" Reinhardt (Liberchies, Bélgica, 23 de enero de 1910 - Fontainebleau, Francia, 16 de mayo de 1953) es considerado uno de los mejores guitarristas de jazz de todos los tiempos, y el primer jazzista europeo en realizar importantes contribuciones para el desarrollo del instrumento. Luego de que dos de sus dedos quedaran paralizados debido a las quemaduras que sufrió durante un incendio, Reinhardt utilizó solamente el índice y el medio de su mano izquierda para tocar, desarrollando un estilo completamente nuevo para los guitarristas de jazz, a veces llamado “hot jazz guitar”, y que desde entonces se ha convertido en una tradición musical en la cultura gitana-francesa. Jean “Django” Reinhardt pasó la mayoría de su primera juventud en campamentos gitanos cerca de París, donde comenzó a tocar el violín, el banjo y la guitarra. Su familia se dedicaba a la construcción de muebles de caña, pero el clan también incluía a unos cuantos músicos amateur que incentivaron al pequeño Django. Reinhardt se vio atraído por la música a temprana edad, tocando primero el violín. A los doce recibió su primer banjo de regalo y aprendió a tocar rápido, copiando el movimiento de los dedos de los músicos que miraba. A los 13 ya podía sustentarse gracias a la música. Recibió muy poca educación formal y fue iletrado la mayor parte de su vida adulta. Entre 1929 y 1933 fueron años de formación musical para Reinhardt. Se dedicó por completo a la guitarra y escuchó por primera vez el jazz norteamericano, quedando especialmente impresionado con Louis Armstrong. En 1934 formó el quinteto "Hot Club de Francia", que carecía de instrumentos de percusión y era conformado solamente por cuerdas. Además de tocar con el famoso quinteto, Reinhardt también tocó y grabó con varios jazzistas norteamericanos y participó en una jam-session con Louis Armstrong. Más tarde llegaría a tocar, en Francia, con Dizzy Gillespie. En 1951, Reinhardt se retiró a Samois-Sur-Seine, cerca de Fontainebleau, donde vivió hasta el final de su vida. Continuó tocando en los clubes de jazz de París y empezó a familiarizarse con la guitarra eléctrica. Sus últimas grabaciones con el “Nuevo Quinteto” lo muestran moviéndose en una nueva dirección musical, habiendo asimilado el vocabulario del bebop y fusionándolo con su propio estilo melódico. Una noche, caminando cerca de la estación de trenes de Avon luego de un show, colapsó antes de llegar a su casa, debido a una hemorragia cerebral. Fue declarado muerto ese mismo domingo en el hospital de Fontainebleau. Tenía 43 años. "Django Reinhardt: Three Fingered Lightning" es un documental francés del 2010 que retrata con respetuosa fidelidad e inéditas imágenes de archivo, el devenir musical de un guitarrista tan genial como instintivo, descripto por el gran Jeff Beck como: "Por lejos, el más sorprendente guitarrista de todos los tiempos".

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Django Reinhardt: Three Fingered Lightning [2010]


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Las bicis de Catherine & Jean


El amor es la carnada, el matrimonio la trampa. 
[Catherine Deneuve, con Jean Rochefort]

lunes, 11 de julio de 2016

Janis: Little Girl Blue [2015]



La vida de Janis Joplin ha sido narrada con tal profusión de detalles que es difícil encontrar información nueva y puntos de vista diferentes a los ya conocidos. El valor del documental "Janis: Little Girl Blue" es precisamente el de arrojar algo más de luz sobre una de las biografías más desgarradoras y apasionantes de la música popular del siglo XX. La realizadora Amy Berg cuenta para ello con los testimonios de antiguos colaboradores, familiares y amantes. Un desfile de rostros ordenado para construir un discurso en común, el relato de una tigresa que nunca dejó de ser una pequeña chica triste. Esta es al menos la idea principal que defiende la película, identificar a Joplin como un personaje lleno de aristas y contradicciones. Berg maneja un nutrido archivo de imágenes de la época, algunas de ellas hasta ahora desconocidas. Conciertos, entrevistas, grabaciones amateurs, programas de televisión, se intercalan en la pantalla como piezas de un mosaico que se va completando a medida que avanza el metraje. Lejos de la habitual tendencia a convertir los documentales de personajes famosos en límpidas biografías, Amy Berg no oculta el lado oscuro de Janis, sus excesos, su falta de confianza en sí misma, la huella que dejó en ella ser el patito feo en la escuela de su Texas natal, su transformación cuando se instala en San Francisco, todo un reto para una mujer que alcanza el éxito mundial en muy pocos años. Uno de los aspectos más novedosos es la lectura de las cartas que Joplin remitió a su familia en la voz de Cat Power. "Janis: Little Girl Blue" es hasta la fecha el documental definitivo sobre la artista. Un trabajo hecho desde el respeto y la admiración, que interesará tanto a los melómanos como a los que se quieren asomar al abismo de una personalidad siempre al filo de sus posibilidades. Amy Berg esboza también el paisaje de los años sesenta, la eclosión del rock, la experiencia con las drogas, los derechos sociales. Una década fascinante que tuvo en Janis Joplin a una de sus más carismáticas figuras. En definitiva, el retrato necesario de una estrella que encandiló con fulgor y que se apagó demasiado pronto.

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Janis: Little Girl Blue [2015]


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Matar a la serpiente

> Por Biciman.© 

Quisiera la serpiente ser lombriz, atravesar el ras de su herencia, hundirse en lo negro, cavarle venas a la tierra. Pero no lo haría, al ser impulsada por su templaria genética, con el dichoso y espontáneo fin de engordar su cuerpo sentido con la humedad que nutre la fugaz y prodigiosa experiencia de ser parte de ser uno en un millón de planetas. Quisiera la serpiente ser lombriz para ser serpiente en el bajo mundo que la soporta y no percibe y no acapara en su tenso dominio que todo lo quiere. Quisiera la serpiente hacer túneles más grandes, rectos, intersectados, inteligentes, productivos, una eficaz estructura de pobredumbre barata y repetitiva, que cumple sin merma con el altruista objetivo de socavar más espacios para más serpientes. Las abejas también tienen nobleza dirá ella, con el mortífero orgullo de su estirpe. Pero las abejas reinan para más abejas, no para más reinas. Las abejas y las lombrices saben que hay abejas y abejas reinas y más lombrices y más serpientes y ratas que nadan y chanchos que vuelan. Y moscas de sopas y tortugas que escapan porque no hay donde morderlas. Saben que la vida es naturalmente una guerra, que no hay paz sino equilibrio, que los espacios se ganan y defienden, con el único y difícil mérito de ser parte de la vida y de la guerra. Y saben que la muerte se combate con muerte. En el ataque que siempre comienza, es menester del bichaje sacudir las minorías para inquietar el impacto, alarmar el arrebato del territorio perdido, revivir lo sanguinario para matar el espanto. En el ataque que nunca termina, se repiensan las defensas, el escudo se tensa con la costilla de al lado, la fiamma subversiva recorre bajos y esquinas, tramando el conjuro de un solo bramido urgente: hay que matar a la serpiente, hay que matarlos a todos.

The Life and Times of Allen Ginsberg [1993]



"The weight of the world is love". [Allen Ginsberg]
 
Visionario, rebelde, cazador espiritual, renombrado poeta, miembro fundador de un icónico movimiento literario, campeón de los derechos humanos, budista, activista político y profesor. Pocos seres humanos pueden alcanzar una vida tan vibrante como la de Allen Ginsberg durante el curso de seis décadas. Este militante de las libertades civiles, experimentado catador de drogas, homosexual declarado, pionero en la difusión de religiones orientales, formó parte, junto a Jack Kerouac y William Burroughs, de la Santísima Trinidad del la Generación Beat, el movimiento que inyectó libertad a los Estados Unidos de la postguerra. Hace más de cincuenta años, Ginsberg publicaba su obra más famosa: "Aullido", un largo poema con el que sacudió las mentes de una época atenazada por el fantasma nuclear y el conservadurismo, se alzó como la voz de su generación, inoculó el jazz en la poesía, anticipó el grito eléctrico del rock, dio a luz al ansia de libertad del hippismo y se convirtió en el heredero indiscutido de Walt Whitman, el primer gran poeta norteamericano. El cineasta Jerry Aronson conoció a Ginsberg en 1968 en Chicago, durante las protestas contra la Convención Demócrata. Desde ese momento, Aronson se convirtió en admirador y biógrafo del escritor, hasta plasmar su conocimiento y sus encuentros con Ginsberg en un documental editado en 1993 y reeditado recientemente, actualizado con el transcendental dato de su muerte en 1997. La decisiva relación con su madre Naomi, enferma mental, y con su padre Louis, también poeta, su adolescencia conflictiva, el encuentro radical y promisorio con Burroughs y Kerouac, sus viajes alucinógenos y literarios, sus plegarias a la vida y su curiosidad por la muerte, "The Life and Times of Allen Ginsberg" es un revelador recorrido por la historia y la obra de un ícono de la contracultura estadounidense y mundial, retratando, a través de entrevistas a su círculo íntimo e inéditas imágenes de archivo, el devenir de un alma brillante que influiría a toda una generación y más allá.

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The Life and Times of Allen Ginsberg [1993]


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La bici de Kim


Los momentos que siempre recordaremos
llegan de repente, sin hacer ruido
. 
[Kim Novak]

Hi-Fidelity Dub Sessions XII



>Tracklist

01- Signals From Bob - Ott
02- Dust And Dirt - The Black Seeds
03- Dubby Tubby - Psyolopher
04- Rasta Dub - Mad Professor
05- Dimension Extension - Globular
06- Coming Back Home - The Black Seeds
07- Ganja Dub - Shwe Dagon
08- Surrender Dub - Resonators
09- Different Wak Dub - Zenzile
10- 1000 Mile Drift [International Observer Remix] - Pitch Black


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Hi-Fidelity Dub Sessions XII


Arder

> Por Jorge Boccanera.  
 
Cuando nos besamos trituramos un ángel.
Su última voluntad será nuestro deseo.
Tiempo habrá para escupir sus vidrios de colores,
su sombrero de plumas,
barajas manoseadas por tahúres y ahora
hay que hacerlo entrar,
ofrecerle licor (que él viene de morirse),
acercarle una silla (que lee en la oscuridad).
Dirá sus baratijas,
su forma de guiarnos al secreto de la vieja estación.
Dirá que el vino está hecho de hojas secas,
que puede hacer un fuego con tu rostro y el mío.
(Ni un centavo de luz a su trabajo).
Cuando nos besamos desollamos un ángel,
un condenado a muerte que va a resucitar
en otras bocas.
No tengas lástima por él,
sólo hay que hincar el diente
y triturar al ángel.
Abrir tus piernas blancas y darle sepultura.


Jack [2014]



El universo infantil es presa fácil para películas con ínfulas sociales, que suelen caer en la moralina y la sensiblería. No es el caso de "Jack", un film duro, sencillo e inteligente, firmado por el veterano realizador alemán Edward Berger, donde destaca el debut del joven Ivo Pietzcker, encarnando con absoluta y deslumbrante convicción al pequeño protagonista de una odisea infantil contemporánea. Jack tiene diez años y evidencia una madurez impropia de su edad. Ejerce de protector de su hermano pequeño, Manuel, y lo controla todo en su humilde hogar, situado en un barrio marginal de Berlín. Ambos están casi siempre solos, porque su mamá trabaja todo el día y por la noche se evade en fiestas post adolescentes. Ella los ama, pero es incapaz de desempeñar su función. Así que Jack y Manuel deambulan por el Berlín urbano, sintiéndose ajenos a una sociedad que los ignora. A causa de un accidente doméstico, Jack será internado en un centro de menores, del que escapará para reunirse con su pequeño hermano y empezar una búsqueda frenética de su errática madre por las calles berlinesas. Un tema de realismo social vinculado al universo infantil, con evidentes resonancias del gran cine practicado por los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne. El recuerdo de dos películas tan memorables como "El niño de la bicicleta" (2011) y especialmente "Rosetta" (1999) resulta inevitable. Esta pareja de realizadores belgas, que actualmente ruedan otra película, "La fille inconnue" (La chica desconocida), siempre han estado muy certeros en su recreación del mundo de la adolescencia, ubicándolo en un entorno social tremendamente hostil y donde sus jóvenes protagonistas buscan el afecto de los demás y también se buscan a sí mismos. Son seres indómitos, desconfiados y ansiosos de ternura, que luchan denodadamente por sobrevivir. "Jack" muestra no sólo el proceso de precoz maduración al que se ve sometido un niño, condenado a crecer antes de tiempo para sobrevivir y proteger a su hermano pequeño. También enseña el abismo de incomprensión y crueldad intolerable que separa, a menudo inconscientemente, a niños de adultos en nuestra sociedad. Todo ello, sin un ápice de melodrama o sentimentalismo, con una implacable sobriedad, que nos obliga a mirar a nuestro alrededor y reflexionar sobre el lugar de la infancia en el mundo de hoy.

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Jack [2014]


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La bici de Julio [2]


La esperanza le pertenece a la vida, 
es la vida misma defendiéndose. 
[Julio Cortázar]

Stanley Kubrick's Boxes [2008]



Una de las cosas que más puede interesar a un admirador de Stanley Kubrick es poder hacer un viaje al interior de su mente. Sería argumento para una cinta de ciencia ficción, pero en el año 2008 se emitió un documental que se aproxima en cierto modo a esta premisa e intenta ahondar en el conocimiento del fascinante cineasta. Ese año, el canal británico de televisión Channel 4 emitió "Stanley Kubrick's Boxes", un revelador documental sobre el trabajo de investigación que llevó a cabo Jon Ronson (durante cuatro años) para explorar los cientos de cajas, casi un millar, que el realizador había reunido durante gran parte de su vida en su residencia familiar de Hertfordshire, Inglaterra. Tras una ardua pero estimulante labor, se extrajo interesantísimo material, tanto de las películas que llegó a finalizar como de sus proyectos inacabados. Fotografías de localización, cartas, anotaciones, guiones, recortes de periódicos, toda una recopilación de documentos que acumuló en cajas y que ahora podemos descubrir, como una forma de aproximarnos al pensamiento y los métodos del genial director. Y ver el orden con el que guardó ese tesoro demuestra su conocida faceta de meticulosidad extrema. Se incluyen testimonios muy valiosos de personas próximas a Kubrick, como su esposa Christiane y su hija, y otros miembros de su entorno más íntimo.

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Stanley Kubrick's Boxes [2008]


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Redondear

> Por Biciman.©
 
Tengo que desmedirme
blanquear los ojos
zombiarme
fugarme con algún dios a las alturas
preguntarme
por qué estoy mal donde quiero estar
por qué no entro
me falto me sobro
me desencajo
creo que por ahí está la cosa
que me hago cosa
en una caja
cuando por forma
por mi planetaria forma
sólo por eso
tendría que rodar.


What Happened, Miss Simone? [2015]



"Ser libre es no tener miedo". [Nina Simone]
 
El 21 de abril de 2003 fallecía en su casa, cerca de Marsella (Francia), la gran cantante afro americana Nina Simone que, como nadie, supo ser fiel intérprete de su raza, oprimida y marginada. Su verdadero nombre era Eunice Kathleen Waymon, y había nacido el 21 de febrero de 1933 en Tryon, Carolina del Norte, una población segregacionista. Era la sexta de ocho hermanos dentro de la familia de un obrero manual y una sirvienta doméstica. Niña prodigio, ya tocaba el piano a la edad de cuatro años y junto con sus hermanas cantaba en el coro de la iglesia metodista que su madre dirigía. En 1943, cuando tenía 10 años, dio su primer concierto de piano en la biblioteca de la ciudad. Allí conoció su primer aplauso y su primer choque con el racismo: durante el concierto quitaron a sus padres de la primera fila del local para acomodar a un grupo de blancos. Este episodio fue la primera de una cadena de experiencias traumáticas para ella, y es el origen de su compromiso con la lucha por la libertad y las reivindicaciones de los negros en Estados Unidos. Con la ayuda económica de su profesor de música pudo estudiar en la escuela de música Julliard de Nueva York, y de allí su familia se trasladó a Filadelfia, donde intentó conseguir una beca para el Instituto Curtis, pero fue rechazada por el color de su piel. A pesar de que tenía una formación pianística clásica, para mantener a su familia tuvo que empezar a trabajar en 1954 en un club de Atlantic City como cantante. Fue entonces cuando cambió su nombre por el de Nina (tomado del castellano para definirse como la pequeña) Simone (de la actriz francesa Simone Signoret). En 1959 grabó sus primeros discos para el sello Bethlehem, subsidiario de R&B. En ellos dio muestras notables de su talento como pianista, cantante, adaptadora y compositora. Algunas canciones se convirtieron en clásicos de su repertorio. La canción "I Love You Porgy", de la ópera "Porgy and Bess", de Ira y George Gershwin, la convirtió de golpe en una estrella, vendiendo un millón de copias. Desde esos primeros registros, su repertorio se llenó de jazz, gospel, blues, soul, música clásica y canciones populares de origen diverso, en una amalgama totalmente personal, cálida y de enorme expresividad. Tras los asesinatos de Medgar Evers en Mississippi (junio de 1963) y cuatro niños negros al ser bombardeada su escuela en Birmingham, Alabama (septiembre del mismo año), compuso "Mississippi Goddam", su primera canción de protesta, una acusación amarga y furiosa de la opresiva situación de los afro americanos en Estados Unidos. Harta del racismo y del mundillo musical americano, Nina renunció a su país en 1969, tras el asesinato de Martin Luther King. Se convirtió en una trotamundos. En 1974 se fue a Barbados y durante los años siguientes vivió en Liberia, Suiza, París, Holanda, y finalmente en el sur de Francia, donde falleció. "What Happened, Miss Simone?" es un documental original de Netflix, producido en el año 2015 y dirigido por Liz Garbus ("Love, Marilyn"), que explora la vida de la "Alta Sacerdotisa del Soul" desde que era una niña que soñaba con aprender a tocar el piano, hasta convertirse en una de las grandes compositoras de jazz y soul de todos los tiempos. El documental combina material de archivo totalmente inédito y entrevistas a los personajes más cercanos a la artista. "What Happened, Miss Simone?" (cuyo título está extraído de una cita de la poetisa Maya Angelou) revela la naturaleza del ego de una de las artistas más formidables de su era.

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What Happened, Miss Simone? [2015]


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La bici de Vanessa


El sentimiento llena las lagunas de la ignorancia. 
[Vanessa Redgrave]

martes, 22 de marzo de 2016

Burroughs: The Movie [1983]



William S. Burroughs es, sin duda, una de las figuras más destacadas de la literatura estadounidense, un hombre que convirtió la singularidad de su persona en materia de su obra, esa llamarada oscilante entre la vanguardia y la irreverencia que caracterizan el estilo impreso en su literatura. En este sentido, es totalmente previsible y justificable que el escritor haya sido objeto de una exploración fílmica en torno a su biografía y su trabajo. "Burroughs: The Movie", realizado en 1983 por Howard Brookner, muerto por complicaciones derivadas del sida seis años más tarde, cuando sólo tenía 34, no sólo fue el primer largometraje sobre Burroughs, sino el único retrato filmado que contó con la colaboración y complicidad del escritor. El rodaje empezó en 1978 como un trabajo de fin de carrera de Brookner para la New York University Film School y concluyó cinco años más tarde. Es un documental entretenido y realista que echa por tierra muchos de los clichés sobre Burroughs que circulan por los mentideros del fanatismo. Además de largas entrevistas y reveladoras secuencias con el escritor, en el film aparecen algunos de sus amigos y colaboradores más cercanos, como Allen Ginsberg, John Giorno, James Grauerholz, Brion Gysin, Patti Smith, Terry Southern y Francis Bacon. También, y en una persona tan tímida como Burroughs resulta prueba suficiente de la confianza que depositaba en el cineasta, incluye las únicas declaraciones públicas del escritor sobre la muerte de su mujer, Joan Vollmer, a la que Burroughs pegó un tiro en la cabeza en 1959 mientras ambos estaban alcoholizados y drogados. El documental recoge declaraciones del hijo de la pareja, Bill Jr., que murió a los 33 años cuando estaba intentando desengancharse de la heroína con un tratamiento de metadona. "Burroughs: The Movie", en cuyo equipo de producción trabajaron figuras como Tom DiCillo (operador de cámara) y Jim Jarmusch (sonido), compañeros de clase y amigos del director, fue emitido por la BBC en el mítico programa Arena, el oasis de seriedad y frescura de las televisiones públicas europeas durante décadas. También se exhibió en algunas salas de cine de circuitos off. Aunque la carrera de Brookner fue en ascenso (dirigió el documental "Robert Wilson and the Civil Wars", en 1987, y la comedia "Noches de Brodway", en 1989, con Madonna y Matt Dillon en el reparto), la muerte prematura del cineasta y el desinterés de las distribuidoras condenaron a "Burroughs: The Movie" a las categorías de película inencontrable y tesoro perdido. Pero la situación cambió con la intervención de Aaron Brookner, sobrino del director y también autor de cine, que puso en marcha un proyecto de financiación en masa para restaurar y reeditar el documental. Y fue el prestigioso sello "The Criterion Collection" el que en el año 2015 finalmente relanzó esta gema fílmica, haciéndola accesible para todos aquellos interesados en explorar la intimidad del genio creador de obras de culto como "Junkie" y "Naked Lunch".

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Burroughs: The Movie [1983]


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Tu duda eterna

> Por Biciman.©



Tu yugo la promesa, de lo que nunca será. Tu número, tu triturante número, tu brujo número brujo, el que no cierra ni podrá cerrar la queja del que está, del cuerpo de la masa que pisás, que se mueve bajo tus pies y querés segura, plana, barata, desaprendida, coloreada como si fuera arcoiris pero es barro, estrato de tu suciedad, donde lo único estable es la promesa de lo que nunca será. Somos tu mugre, y aún con tus quinientos lavaderos automáticos sobornando la memoria, la sospecha del gusano sobrevive, ara, refuerza, come y espera, el juicio y castigo de tu presencia. Es tu tiempo, enemigo, salí, mirá, liderá, enfrentá las caras sucias y mostrá las armas, enseñanos la templanza necesaria del escudo, del grueso del antebrazo para sostener la piedra, del filo de la vista para acertar, para embarrarte las manos con el contragolpe justo. Mi miedo es doblemente fuerte porque tengo mi miedo y tengo tu odio. Y lo desclavo de mi pecho y lo hago búmeran, ciclo y anticiclo, opresión y lucha eterna, eterna como tu duda, porque las balas se terminan, las piedras jamás.

Lou Reed Remembered [2013]



Lou Reed murió en octubre de 2013, a los 71 años, dejando un legado de casi 50 años de rock: a lo largo de su existencia, el neoyorkino marcó la historia de la música. Con Velvet Underground, en los 60, Reed tradujo una necesidad local con los elementos de la música avant-garde europea, uniendo la belleza y el ruido, y llevando la poesía de las letras del rock a otro nivel, más honesto. Desde los 70 hasta sus últimos años, en su incansable carrera solista, fue camaléonico y hasta impredecible, desafiando a sus fans con cada giro. Lewis Allan "Lou" Reed nació en Brooklyn en 1942. En su adolescencia, trabajó en el sello Pickwick Records y a mediados de los 60 se unió a John Cale formando a los Primitives, que luego se llamaron Warlocks. Después de conocer al guitarrista Sterling Morrison y la baterista Moe Tucker, se transformaron en Velvet Underground. Con su sonido oscuro y su look característico, llamaron la atención de Andy Warhol, que enseguida los adoptó como parte de sus Exploding Plastic Inevitable. Producidos por Warhol y topándose con una total indiferencia comercial en su lanzamiento, el debut de 1967, The Velvet Underground & Nico, se transformó luego en uno de los discos más grandes de la historia, al nivel de Sgt Peppers o Blonde On Blonde. Y a pesar de su corta carrera, la banda se transformó sin dudas en una de las mayores influencias del rock. En su etapa solista, con su disco Transformer producido por David Bowie, Reed traspasó la barrera del culto para convertirse en una verdadera estrella: "Walk On the Wild Side", "Satellite of Love", por ejemplo, estaban incluidas en el tracklist. El resto de los 70 los usó para desafiar las expectativas, experimentando con sus discos sucesivos. Una necesidad de provocar que no abandonó nunca: quedó demostrado con Lulu, la colaboración con Metallica de 2011. En los últimos años, su segunda mujer, la música y artista Laurie Anderson, se tornó una figura inseparable de su persona: tocaban juntos en Nueva York, colaboraban y también participaban de actos cívicos, manifestando su compromiso con el activismo ambiental y más. "Lou Reed Remembered" es un documental que la cadena británica BBC televisó en diciembre de 2013 para rendir tributo a Reed, al poco tiempo de su fallecimiento. El especial, de una hora de duración, nos acerca a la figura de Lou, abordando su forma de componer y su personalidad, a través de una serie de entrevistas que la BBC realizó a celebridades del perfil de Boy George, Thurston Moore (Sonic Youth), el productor Bob Ezrin, Lenny Kaye, el fotógrafo Mick Rock o el escritor Paul Auster, entre muchos otros. Un dossier para disfrutar y atesorar, porque aún hay mucho por descubrir de la vida del genio de la Velvet Underground.

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Lou Reed Remembered [2013]


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La bici de Geraldine [2]


Envejecer no es temer al futuro, sino olvidar el pasado. 
[Geraldine Chaplin]

The Urban Love Collection Vol 11



>Tracklist

01- So Here We Are - Nightmares On Wax
02- Fade Into You - Mazzy Star
03- Warm My Soul - Blundetto [With Courtney John]
04- Stay - Zenzile
05- Channel 1 Suite - The Cinematic Orchestra
06- Beautiful Morning - Parov Stelar
07- Sweet Is The Air - Alice Russell [With Nature Boy]
08- And Relax! - The Cinematic Orchestra
09- Magic Number - Zenzile [With Winston Mcanuff]
10- Final Good Bye - Blundetto [With Tommy Guerrero]


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The Urban Love Collection Vol 11


No se trata de hablar

> Por Roberto Juarroz.
 


No se trata de hablar,
ni tampoco de callar:
se trata de abrir algo
entre la palabra y el silencio.
Quizá cuando transcurra todo,
también la palabra y el silencio,
quede esa zona abierta
como una esperanza hacia atrás.
Y tal vez ese signo invertido
constituya un toque de atención
para este mutismo ilimitado
donde palpablemente nos hundimos.


La Drôlesse [1979]



"La Drôlesse", quinta película del director francés Jacques Doillon ("Ponette"), es un drama minimalista que involucra a dos jóvenes en un secuestro que parece inofensivo, pero que, desde un punto de vista adulto, aparece profundamente inquietante. Doillon es uno de esos raros cineastas que tiene una peculiar afinidad con los jóvenes marginados y perturbados, y también la capacidad de llevarnos a su mundo y hacernos ver las cosas desde su perspectiva, sin tener que recurrir a un sentimentalismo endulzado ni otros trucos baratos. "La Drôlesse" es una de las películas más simples de Doillon y sin embargo deja un hondo impacto, haciéndonos conscientes de la brecha insondable que existe entre la mente de un adulto, que ve el mal en todo, y la de un niño, para quien todo es un juego no contaminado por el cinismo y el prejuicio moral. Doillon es conocido por conseguir excelentes actuaciones de sus jóvenes actores, y en "La Drôlesse" está particularmente bien servido por Madeleine Desdevises, una encantadora niña de once años que colma la película de carisma y una sorprendente naturalidad. De no haber muerto casi tres años después, a sus quince, de leucemia, Desdevises hubiera disfrutado de una exitosa carrera en la actuación. La trama de "La Drôlesse" se puede resumir en una frase, que tiene que ver con el desarrollo de la relación entre dos personas marginadas y solitarias, un retrasado de veinte años de edad, François, y una niña de once años, Mado, que él secuestra y lleva al ático de su casa de campo, donde vive con sus indiferentes y conservadores padres. Desde el principio, Doillon nos obliga a simpatizar con estos dos individuos infelices que parecen igualmente faltos de afecto y sin embargo son tan manifiestamente capaces de darlo. Lejos de ser una relación "secuestrador-prisionero", lo que se desarrolla entre François y Mado es la casta imitación infantil de un matrimonio, y es más que evidente que la chica más joven, la más inteligente de los dos, es la que está al mando de la situación. Es quizás ese amor puro y desinteresado lo que los adultos nunca entenderán y terminarán castigando, confirmando una vez más que nuestra sociedad no está fundada en sus valores más profundos, sino en una ética superficial y corrupta que premia lo costumbrista y legalmente sagrado, y castiga lo diferente y genuinamente humano.

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La Drôlesse [1979]


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La bici de Morrissey [2]


Nunca quise ser controvertido, pero es muy fácil ser
controvertido en la música pop, porque nadie lo es
. 
[Morrissey]

Listen To Me Marlon [2015]



"Deja que tu mente vaya hacia atrás, muy atrás en el tiempo. A la época en que eras joven y te levantabas muy temprano, cuando todos dormían, y caminabas por el borde del sendero, en Omaha, hasta sentarte debajo de un gran árbol. Ves cómo el árbol deja pasar la luz, la sombra sobre las hojas. Todo es como un sueño, mientras el suave viento te llama; puedes confiar en ese viento. Tú eres esas memorias". A Marlon Brando no le gustaba hablar de él, no le gustaba hablar de su vida. Fue una de las mayores estrellas que ha tenido el cine y probablemente una de las más secretas con su intimidad. Sin embargo, el documental "Listen To Me Marlon", estrenado en el Festival de Sundance de 2015, descubre que al actor sí le gustaba hablar de él, sí le gustaba hablar de su vida. Eso sí, sólo con él mismo. "Listen To Me Marlon" es la frase con la que empezaba sus grabaciones de autohipnosis que practicó durante los últimos años de su vida, recluido en su casa de Los Ángeles, luchando contra el dolor personal. Estas sesiones son sólo una parte de las más de 200 horas de grabaciones nunca escuchadas hasta ahora, a las que el director Stevan Riley tuvo acceso cuando le encargaron el documental desde la cadena Showtime. Además de las autohipnosis, Brando guardaba cintas de conversaciones privadas (tenía micrófonos escondidos en todas las habitaciones de su casa), grabaciones que hacía mientras preparaba sus personajes, sesiones de meditación y diarios de recuerdos y opiniones sobre compañeros de profesión ("Coppola es un idiota", dice en un momento). Todas ellas componen una ventana a su alma que él mismo había ido develando poco a poco en sus papeles. Hacia el final del documental, el actor dice: "Me colocarán un micrófono especial en mi ataúd, para que cuando me despierte ahí, a dos metros bajo tierra, pueda decir: "Hazlo diferente". Deseo casi cumplido. De una forma más magnética que macabra, Marlon Brando, fallecido hace casi diez años, habla desde el pasado y es el espectador el que acaba hipnotizado con su voz y el descubrimiento del hombre que vivió detrás del ícono.

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Listen To Me Marlon [2015]


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La ira

> Por Biciman.©
 




El silencio no vive / gen arcaico en su apogeo / subo y bajo las persianas / me persigo y me cacheo / se me piantan los faroles / ya no guio / ya no veo / ya no escucho / sólo siento / se me sale el espinazo / me atraviesa el argumento / el recato se desangra / el refunfuño supura / el arrebato se inflama / se cocina el estampido / el estruendo / el zambombazo / y reviento como un sapo / ácido / denso / abrasivo / las entrañas / el meollo / hasta el tuétano me embrollo / me cago en mis sanidades / en la flexión de la vida / la mierda traga saliva / escupe puntualidades / y ni la madre se salva / ni su hermana / ni su tía / todas merecen escarnio / el ultraje / el vilipendio / el pellejo denigrado / la culpa tiene salida / es la precisa / la ira / la que encuentra a los culpables / de que la culpa sea mía.

Michel Petrucciani [2011]



El pianista Michel Petrucciani fue un genio del jazz que a finales del siglo XX protagonizó una de las historias de superación más asombrosas que se recuerdan, no sólo en el plano musical sino personal. Petrucciani nació en Orange, Francia, en 1962, y murió en Nueva York en 1999, a los 36 años. Tenía una terrible enfermedad degenerativa, llamada osteogénesis imperfecta, de modo que sus huesos estaban malformados y tan débiles que se rompían con un pequeño golpe, y como consecuencia Petrucciani medía tan sólo un metro de altura y era incapaz de caminar. Sin embargo, hijo de un hombre enamorado del jazz, Michel escuchó desde pequeño muchos discos de grandes figuras, como Miles Davis, Django Reinhardt, Art Tatum y Bill Evans. A los cuatro años, cuando ya se sabía muchas melodías de memoria, su vida cambió al ver por televisión a Duke Ellington. Desde entonces quiso ser pianista. El director Michael Radford ofrece un estupendo documental centrado en un hombre verdaderamente único, un enanito de una fuerza y personalidad impresionantes. Aunque sólo fuera por méritos musicales, Petrucciani será recordado entre los más grandes pianistas de jazz, pero su minusvalía física lo ha engrandecido hasta convertirlo en una leyenda. La película ahonda en el genio musical de Petrucciani, su excepcional oído, su insuperable habilidad y rapidez al tocar las teclas, y su capacidad autodidacta. Pero también habla mucho de su carácter y su relación con multitud de amigos y personas a las que conoció. La extroversión era sin duda uno de los rasgos más llamativos de su carácter, junto a su falta de autocompasión y su insaciable necesidad de sacarle todo el jugo a cada minuto de la vida, algo que tuvo también mucho que ver con su prematura muerte. Porque Petrucciani quiso probarlo todo: las drogas, el alcohol y la vida desordenada, bohemia, insomne. A todo este material humano Radford adjunta muchos de los mejores momentos musicales de Petrucciani al piano, un instrumento que "le hablaba". Un documento repleto de piezas de conciertos míticos, de magia jazzística, del mejor swing, un tributo al arte y a la vida misma.

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Michel Petrucciani [2011]


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La bici de Isabelle & Yves


La peor cobardía es saber qué es lo justo y no hacerlo. 
[Yves Montand, con Isabelle Adjani]

jueves, 31 de diciembre de 2015

David Bowie: Five Years [2013]



"Tienes que acomodar tus pasados dentro de tu persona, eso te ayuda a reflejar lo que eres ahora". [David Bowie]
 
Con imágenes nunca antes vistas, procedentes de su archivo personal y de esa videoteca universal que es la BBC británica, "David Bowie: Five Years" es el retrato definitivo de una de las estrellas de rock más influyentes de todos los tiempos. Bowie está considerado como uno de los intérpretes más atrevidos e innovadores del siglo XX, un artista que logró un enorme éxito, tanto de crítica como comercial, desde sus comienzos en la década de 1960 y que, desde entonces, se ha convertido en un referente de la cultura popular. Dotado de una vertiginosidad que hace justicia a la estela del camaleón del rock, el director Francis Whately desarbola los cinco años, los cinco puntos de giro en la historia de David Bowie: comienza con el año 1971 y la creación del andrógino Ziggy Stardust, el liricista marciano del declive y el exceso; continúa en 1975, el año del álbum "Young Americans" y de la aparición del personaje Thin White Duke, el dandy que desmontó con su blanca curiosidad la furia negra y prodigiosa del soul; sigue con 1977, año de su vampiresca estancia en Berlín, donde succionó los matices electrónicos del Krautrock y creó esos dos monstruos contemporáneos que son "Low" y "Heroes"; llega 1980, de la mano de "Ashes to Ashes", una de las canciones más icónicas de la década; y termina en 1983, el año de su gran lanzamiento a la estratosfera comercial con "Let's Dance". Brian Eno, Robert Fripp, Carlos Alomar, Luther Vandross, Rick Wakeman, Tony Visconti, Camille Paglia y Nile Rodgers son sólo algunos de los nombres que cuentan y confirman la leyenda. Encandilantes imágenes inéditas y testimonios reveladores sobre el proceso de realización de las obras discográficas, advierten a tiempo completo que este documento sólo busca perpetuar al mito.

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David Bowie: Five Years [2013]


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