viernes, 19 de junio de 2015

B.B. King: The Life of Riley [2012]



"La gente me llama el rey del blues, pero yo no pienso eso. Creo que muchas personas pueden hacer lo mismo que yo, y muchas pueden hacerlo mejor, pero no son B.B. King". [B.B. King]
 
Riley B. King o Riley Ben King (Itta Bena, Misisipi, 16 de septiembre de 1925 - Las Vegas, Nevada, 14 de mayo de 2015), más conocido como B.B. King, fue un músico, cantante y compositor estadounidense. Es ampliamente considerado uno de los músicos de blues más influyentes de todos los tiempos, ganando el apodo de "el Rey del Blues" y el renombre de "uno de los tres reyes (kings) de la guitarra blues" junto a Albert King y Freddie King. Según Edward M. Komara, King "introdujo un sofisticado estilo de solos basados en fluidas cuerdas (de guitarra) dobladas y brillantes vibratos que influirían prácticamente a todos los guitarristas de blues eléctrico que le siguieron". La revista Rolling Stone lo situó en el puesto seis de la lista de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos y figura en el puesto 17 de la lista "Top 50 Guitarists of All Time" elaborada por Gibson. King fue introducido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1987. Con los años, King desarrolló un estilo de guitarra identificable de su obra musical, con elementos prestados de Blind Lemon Jefferson, T-Bone Walker y otros y la fusión de géneros musicales como el blues, el jazz, el swing y el pop. Su guitarra eléctrica Gibson ES-335, apodada "Lucille", también da nombre a una línea de guitarras creada por la compañía en 1980. King es también reconocido por su prolífica cuenta de presentaciones en vivo, con un promedio de 250 o 300 conciertos anuales durante la década de 1970. En el año 2012, el documentalista Jon Brewer se unió a la BBC británica para producir un dossier que revela la verdadera historia del músico, desde sus humildes comienzos trabajando en las plantaciones de algodón sureñas, pasando por sus primeras actuaciones en vivo y su evolución musical hasta convertirse en una leyenda del blues. Narrado por Morgan Freeman, "B.B. King: The Life of Riley" incluye apariciones y contribuciones de Aaron Neville, Bill Cosby, Bill Wyman, Bono, Mick Jagger, Bonnie Raitt, Bruce Willis, Buddy Guy, Carlos Santana, Dr. John, Eric Clapton, George Benson, Joe Bonamassa, Johnny Winter, Mick Taylor, Ringo Starr y Ronnie Wood, entre muchos otros.

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https://kat.cr/b-b-king-the-life-of-riley-2012-t10800691.html


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El destino del guerrero

> Por Biciman.©

La llevamos bastante bien, ¿no? Ya no la cago tanto. Ya no las miro tanto. No me les enamoro así nomás. ¿Y ese era el embudo del dilema? Era uno más. Tengo una lista. Pero me la quepo en el bolsillo. No quiero agitar las urnas. Si vamos a votar por algo, decidamos qué decir. Siempre hay que decir algo. Que estuvimos en la guerra. ¿Qué guerra? La de tu hermana la perra, ¿lo qué te importa? Loco ando más loco que nunca. Más muerto. Pero la peleo más. Si ya tengo donde caer muerto, ¿lo qué me importa lo demás? La luz de Sueiro está al final de un solo camino. El de la paz si vas silbando, el de la guerra si lo tranqueás. Pero ya no la cagamos tanto. Ya no tanto demonio mío. Ahora la llevamos en carretilla. Hay que musculizar la espalda, el eje de todos los sentidos. Hay que ladear el tiempo para medirle la vuelta. Hay que callarse las roscas para mirar. Siempre hay un detalle que ilumina. Y esa es luz nueva. Es luz que veo, in the spectacular now. La otra está siempre prendida. Prendida de las piernas, de los hombros, de la nuca. Por eso hay que ejercitar, para bancarse el peso sin perder la gula. Quiero la última luz de frente, con los brazos fuertes para abrazarla como una almohada y apagarla yo mismo. Es el destino del guerrero, caer parado y ganar la siesta, después de los pasos perdidos. Y vamos juntos mi leviatán. En medio de la trifulca lo digo. Brindando lo digo. Esa es mi forma. Desato vertebras con disciplina, me choco espejos con bastante soltura, y brindo con todos mis miedos por los cien infiernos que vamos a visitar, antes que el diablo sepa que estamos muertos.

Once Upon a Time in New York [2007]



Nueva York a comienzos de los años setenta era una ciudad sitiada por la corrupción, la falta de oportunidades y la delincuencia. Y culturalmente, mientras el oeste californiano florecía de la mano del "flower power", los neoyorquinos estaban huérfanos de una escena musical propia. Pero si algo enseña la historia, es que de toda crisis nace algo nuevo, algo que ilumina un camino tan innovador como necesario. Y a diferencia de sus primos hippies, los jóvenes de la gran manzana no la veían tan fácil. Lo que se veía y se vivía en las calles no era justamente paz y amor. Eran tiempos de cambios, de revoluciones callejeras, de enfrentamiento con la mayoría moralista de la ciudad. Y siempre es el arte el que pega primero, el que utiliza sus canales clandestinos para reflejar el descontento popular. Desde el corazón de Manhattan y extendiéndose hasta lugares rebeldes como el Bronx, comenzaron a surgir nuevos gurúes y nuevas experiencias, que con el tiempo se volvieron tendencias, hasta convertirse en géneros musicales que trascendieron aquellos tiempos y aquella ciudad. Por primera vez Nueva York tenía su propia escena. Nueva York era disco, era hip-hop, y era punk. La decadencia se había convertido en vanguardia, desarrollada por nombres propios que no dejarían de sonar hasta nuestros días: Andy Warhol, The Velvet Underground, Blondie, The Ramones, The New York Dolls, Talking Heads, Patti Smith, Television, Chic, Cool Herc, Afrika Bambataa, por nombrar sólo algunos. Ya fuera en las calles, en los parques, o en lugares bohemios como el CBGB, o exclusivos como Studio 54, los nuevos sonidos arrasaban la ciudad y la volvían a poner en el centro de atención del arte mundial. Esta época dorada de la música neoyorquina es lo que la BBC británica retrata en "Once Upon a Time in New York", un documento obligatorio para todos aquellos interesados en conocer las raíces históricas, políticas y culturales de la música que hoy suena en las radios y los ipods en cualquier rincón del mundo.

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https://kat.cr/once-upon-a-time-in-new-york-2007-t10814644.html


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La bici de Leo

 
Las compañías contaminantes no merecen parte 
de nuestros impuestos, merecen nuestro control. 
[Leonardo DiCaprio] 


Música para la bici 18 - Electric Blue Ride



>Tracklist

01- 21'12 Beat - Blue Bits
02- The World of Sex - The Jon Spencer Blues Explosion
03- Pull A U - The Kills
04- The Prowl - Dan Auerbach
05- Do I Wanna Know? - Arctic Monkeys
06- Rocking Horse - The Dead Weather
07- Balls and Biscuits - The White Stripes
08- Blue Veins - The Raconteurs
09- God Will Cut You Down - Robin Loxley & Jay Hawke
10- Martha's Dream - Nick Cave & Warren Ellis


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https://kat.cr/musica-para-la-bici-18-electric-blue-ride-t10795591.html


Nos une

> Por Mario Morales.
Nos une,
el silencio que no hemos dicho,
los días infinitos, la lluvia, la tristeza,
la ternura y sus ojos ciegos, pero azules.
Nos une,
algo oscuro como delirio y cenizas,
como la palabra adiós cuando la soledad calla, pero vence.
¿Sabés lo que es la vida cuando se ama pero estamos solos?
Es no poder decirlo y ser una herida sin respuesta.
Es abrir los brazos y encontrar la ausencia
y escribir nada más que un eco,
una campana de oro sepultada en la bruma.
Es gritar la palabra recuerdo
en la mitad de un beso, en la mitad de un verso,
tan violento y tan inútil como todo el recuerdo.
Es amarnos con el corazón vacío, como un pájaro cuando nace.
Pero amarnos hasta el fin,
en la soledad,
en el día interminable,
aniquilado.


The Cook, The Thief, His Wife & Her Lover [1989]



Por su formación académica (estudió arte y pintura en el Walthamstow College of Art), el cine del director británico Peter Greenaway posee una visión vanguardista, que busca ser innovadora y alejarse de las formas narrativas tradicionales. Esto le ha acarreado tanto simpatías como aversiones. Y su obra, sobretodo la que ha realizado en años recientes, no es fácil de acceder (o de comprender a cabalidad) por su elevado contenido y referentes intelectuales, por lo que de alguna forma, el suyo es un cine para públicos restringidos, muy particulares. Ello le ha costado que sus películas hayan sido calificadas como "elitistas", "pretenciosas", "snobs", entre otros. Sin embargo, durante la década de los ochenta, el cine de Greenaway gozó de una gran proyección y éxito a nivel mundial. Quizá fuera por lo (en ese entonces) novedoso de su propuesta o quizá influyeran otros factores, lo cierto es que de ese período datan las cintas más recordadas del realizador: "The Draughtsman's Contract" (1982), "A Zed & Two Noughts" (1985), "The Belly of an Architect" (1987) y el film con el que cerró la década: "The Cook, The Thief, His Wife & Her Lover" (1989). Sobre una anécdota en apariencia sencilla (los amoríos secretos entre la esposa de un criminal y un caballero culto, solapados por el cocinero que es a la vez empleado del mafioso) se construye un relato de alcances cuasi-operísticos y que es a la vez un ejercicio de barroquismo e impresionante despliegue formal. La riqueza plástica de "The Cook, The Thief, His Wife & Her Lover" es simplemente exuberante. El realizador (haciendo equipo con su colaborador de muchos años, el ya fallecido fotógrafo francés Sacha Vierny, y con el enfant terrible de la moda Jean-Paul Gaultier) arma paletas en colores cromáticos, de forma que en cada elemento del escenario predomina un solo color: azul para la entrada del restaurante, rojo para el interior del mismo, verde para la cocina y blanco para los sanitarios. Cada escenario es presentado por medio de espectaculares travellings laterales, situados desde el punto de vista del espectador, y cuyo suave movimiento da la sensación de estar viendo un enorme fresco colgado en una pared, y recorrerlo como si se caminara a lo largo de él. El concepto de orden también es visible en sus personajes de forma cardinal, dan sentido al film representando diferentes aspectos de la naturaleza humana: la creatividad y sensibilidad artística (el cocinero), la brutalidad y la maldad (el ladrón), el deseo y la sexualidad (su esposa) y la bondad y el amor (el amante). Personajes (y conceptos) que se oponen, se confrontan y se aniquilan mutuamente, pero que también se complementan, se buscan, se aman y coexisten entre sí: la brutalidad junto a la creatividad, lo vulgar junto a lo refinado, el sexo junto a la muerte, y lo excelso junto a lo grosero. Todo combinado en un impresionante lienzo que avanza a través de suculentos banquetes, brutalidades y vulgaridades varias, momentos escatológicos, alardes de poder, amor y sexo desbordado, y violencia y crueldad sin freno, acompañados por las impecables composiciones musicales de Michael Nyman. Al final, todo confluye en una climática venganza, sublime y bella pero a la vez grotesca y estremecedora, en uno de los finales más recordados en la historia de la cinematografía mundial.

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https://kat.cr/the-cook-the-thief-his-wife-and-her-lover-1989-t10800713.html


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La bici de Drew [2]

 
El sexo es un juego de manos, 
gana el que encuentra el punto exacto del amor. 
[Drew Barrymore] 


The Woodmans [2010]



"Soy exigente, y mi vida en este momento es como el sedimento de un viejo café. Y preferiría morir joven dejando algunos logros, algún trabajo, mi amistad contigo y algún otro artefacto intacto, en vez de borrar sin orden ni concierto todas estas cosas delicadas". [Francesca Woodman]
 
A pesar de que su obra no fue valorada y apreciada hasta después de su trágico suicidio en 1981, cuando contaba con sólo 22 años de edad, Francesca Woodman provenía de una familia de artistas. Su padre, George Woodman, pintor y fotógrafo; y su madre, Betty, ceramista y escultora. Estadounidense de nacimiento pero criada y formada entre Nueva York y la Toscana italiana, la fotógrafa dejó más de 800 fotografías, mayormente autorretratos, en las que mostraba un ego tortuoso y obsesivo, derruidos escenarios teatrales de esencia surrealista y una gran y poderosa fuerza erótica. En ellas se observa una búsqueda compulsiva de la propia identidad y un reflejo de la sociedad limitadora que Francesca explora con las diferentes partes de su cuerpo, extrapolando al exterior todos los fantasmas que habitaban en su mente. "The Woodmans", documental ganador en el Tribeca Film Festival de Nueva York del 2010, es también un retrato desgarrador de unos padres que tienen que hacer frente al dolor de la pérdida de su hija, tratando de buscar ese consuelo a través del conocimiento de la obra de Francesca al mundo. Sus diarios, sus cuadernos y videos, sacados aquí a la superficie, delatan una ambición innegable de una artista que, a pesar de su corta vida, ya ha conseguido ser una de las grandes referentes en la historia de la fotografía y el arte contemporáneo.

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https://kat.cr/the-woodmans-2010-t10795505.html


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Sin consentidos

> Por Biciman.©



No la veas. Hoy no la veas. Ni su frenillo entregado, ni su pómulo guerrero, ni muriendo intimada detrás de tus orejas. Inventá un cosmos donde lo hay, donde siempre hubo un agujero hasta que alguien lo tapó. No la escuches. Abrí las ventanas, el viento no nombra nada, es sólo aire que se mueve entre el mundo y vos. Y sigue, el aire sigue mojando y el sol sigue quemando porque jamás explotó. No la huelas, no te huelas. Si tu sexo tiene su olor es porque el amor no se lavó. El perfume se irá, todo químico pierde su esencia cuando cambia de condición. No la toques, no hagas de tu cama una montaña. Las sábanas no son fantasmas, debajo hay más sábanas y debajo el colchón. Y debajo el piso y debajo el cajón. O un sótano lleno de vinos para añejar el cajón. No le hables, por favor hoy no le hables. Tu vida está cansada de tus palabras que le hablan tan existencialmente a una vida que nunca existió.

Keep On Keepin' On [2014]

 

Filmada en el transcurso de cuatro años por el novel cineasta Al Hicks, "Keep On Keepin' On" relata la extraordinaria historia de la leyenda del jazz Clark Terry. Un monumento vivo de la época de oro del jazz, Terry, de 93 años de edad y mentor de Miles Davis, es uno de los pocos artistas que tocó en las dos grandes bandas de aquella era, las de Count Basie y Duke Ellington. En la década de 1960, rompió la barrera del color al ser el primer músico afroamericano en ser parte del staff de "The Tonight Show" de la NBC. Hoy en día, luego de una vida dedicada a trabajar y enseñar a las figuras más totémicas de la historia del jazz, Terry sigue atrayendo y cultivando futuros talentos. "Keep On Keepin' On" retrata su amistad con el joven virtuoso Justin Kauflin, un prodigio del piano de 23 años de edad, ciego, que sufre de pánico escénico. No mucho tiempo después de que Kauflin es invitado a competir en un concurso de jazz de élite, la salud de Terry empeora. A medida que el reloj avanza, vemos a los dos amigos enfrentarse a los retos más difíciles de sus vidas. El trabajo de Kauflin en la banda sonora de la película junto al compositor Dave Grusin, establece el tono perfecto para un relato que se extiende por décadas y por toda la historia del jazz moderno, complementado con anécdotas reveladoras de Quincy Jones y Herbie Hancock. "Keep On Keepin' On" es un documento conmovedor realizado con sensibilidad por Hicks, otro ex estudiante de Terry, como homenaje a un gran maestro, uno de esos que inspiran y cambian vidas.

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https://kat.cr/keep-on-keepin-on-2014-t10810098.html


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La bici de Robert [2]

 
Escucha, sonríe, asiente... Y luego haz la misma 
jodida cosa que ibas a hacer de todos modos. 
[Robert Downey Jr.] 


martes, 30 de diciembre de 2014

Omnivos

> Por Biciman.©

Me despierto y te veo, en el sueño donde te vi. Me lavo tus dientes de piano sin teclas negras, aunque dudo porque yo tengo un par de oscuridades en el marfil. Te inspiro en el aire, te amochilo y pedaleo, hay un sol que ciega pero veo el norte con tus ojos de sur y todo se despeja. Se despelleja tu nariz de boxeadora, me pongo del color de tu vergüenza o de tu ira que no conocí, pero debe ser parecida a mi vergüenza cuando te adentro. Te llego a destino, que es parecido al sueño donde te vi. Que es el mismo lugar de donde partí, porque tu recuerdo es un cilindro y yo el ratón que te circula buscando ese lado donde siempre me encuentro. Me canso y me siento sobre tus nalgas de oso Ted. Me regodeo en ellas y quiero alabarlas con tus manos y resbalar un dedo pero el túnel duerme y respeto las señales. Te expiro en el aire, ahora todo huele como tu aliento. Te fumo y me mareo y te aboco y me noqueo. Y te sueño de nuevo, pero ahora tengo hambre y me hago un plato al mentón de tu carretilla que no para de traer tus órganos mis vitales que devoro a la velocidad de tu sur, que calculo y persigo hasta el agobio porque me comí tus pulmones y respiro con tu último aliento. Ya estás toda adentro y va a doler sacarte pero tenés que salir. No puedo con un corazón y menos con dos. Y me despierto y te veo, en el sueño que te comí. Y me estiro cual queso y me rugen tus huesos y me martilla el pecho tu revolución. Clamo tu calma y mi sereno y te saco a pasear por mi cordura, y como si fueras a responderme taquicardicamente te pregunto, ¿sabés qué horas son, mi corazón? (Son horas de comerte de nuevo, pero no en sueños).

Badlands [1973]



"Badlands", la ópera prima del genial director estadounidense Terrence Malick, contiene las claves y características que definirían buena parte de su corta pero imprescindible obra. Fuerza visual, fotografía preciosista, imágenes que son pura poesía. "Badlands" está llena de ellas: el incendio de la casa, la visita a la mansión de un hombre rico, el joven con el rifle a la espalda mirando perplejo el espectáculo de la llanura bajo la luna. Una rústica visión de Estados Unidos cercana a la de pintores realistas como Hopper y Wyeth, con sus casas de listones blancos de madera y llanuras desoladas bajo cielos infinitos e implacables. Malick envuelve en un tono poético un duro relato basado en hechos reales (unos jóvenes que cometen un asesinato y huyen), ayudado por unas interpretaciones excepcionales tanto de Martin Sheen como de Sissy Spacek, convertidos en personajes que pueden cometer crímenes y actos brutales, de los que no se les culpa ni se buscan sus motivaciones. Porque detrás de un asesinato puede no existir ninguna razón para cometerlo, y eso lo hace más inquietante y terrible. A Malick sólo le interesa la mera exposición de los hechos, y ahí reside precisamente el tremendo magnetismo de su obra. No hay que intentar comprender sus películas exclusivamente por la vía de la razón, debemos dejar que nos entren por los sentidos y la sensibilidad. Si lo conseguimos, la experiencia puede ser única.

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https://kickass.to/badlands-1973-t10017927.html

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La bici de Brad

 
Tenemos empleos que odiamos 
para comprar mierda que no necesitamos. 
[Brad Pitt en "Fight Club"] 


The Blue Note Collection Vol 5



>Tracklist

01- The Love Theme [Nostalgia 77 Version] - Natural Self
02- Adagio In Wot Minor - Get The Blessing
03- New World - James Taylor Quartet
04- The Moon - Nostalgia 77 [Feat. Capstone & Lizzy Parks]
05- Dark Jazz - Parov Stelar
06- You and Me - Nostalgia 77
07- Quiet - Get The Blessing
08- Stop To Make A Change - Nostalgia 77
09- 68 On Third - Unforscene
10- The Fog - Parov Stelar [Feat. Jerry Di Monza]


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https://kickass.so/the-blue-note-collection-vol-5-t10017923.html


Oración

> Por Juan Gelman.


Habítame, penétrame.
Sea tu sangre una con mi sangre.
Tu boca entre a mi boca.
Tu corazón agrande el mío hasta estallar.
Desgárrame.
Caigas entera en mis entrañas.
Anden tus manos en mis manos.
Tus pies caminen en mis pies, tus pies.
Árdeme, árdeme.
Cólmeme tu dulzura.
Báñeme tu saliva el paladar.
Estés en mí como está la madera en el palito.
Que ya no puedo así, con esta sed
quemándome.
Con esta sed quemándome.
La soledad, sus cuervos, sus perros, sus pedazos.

Easy Riders, Raging Bulls [2003]

 

A finales de los años sesenta y principios de los setenta, si uno era joven, ambicioso y talentoso, no había en la tierra mejor lugar que Hollywood. El rumor empezó a atraer a las escuelas de cine a los mejores y más brillantes hijos del "baby boom", el impresionante aumento de la natalidad que siguió a la Segunda Guerra Mundial en Estados Unidos. Todo el mundo quería entrar en ese ambiente. Norman Mailer quería hacer cine más que escribir novelas, Andy Warhol quería hacer cine más que producir latas de sopa Campbell. Las estrellas del rock, como Bob Dylan, Mick Jagger y The Beatles, no veían el momento de ponerse delante, y en el caso de Dylan detrás, de la cámara. En palabras de Steven Spielberg: “En los setenta se levantó por primera vez una especie de restricción a la edad, a la gente joven se la dejó pasar, con toda su ingenuidad y su sabiduría y con todos los privilegios de esa juventud. Fue una avalancha de grandes y nuevas ideas, y por eso fue una década crucial.” Fue la última vez que Hollywood produjo obras de riesgo y alta calidad, películas más centradas en los personajes que en el argumento, que desafiaban las tradicionales convenciones narrativas y la tiranía de la corrección técnica, que rompían los tabúes del lenguaje y del comportamiento, que se atrevieron a tener un final no feliz. Este movimiento, bautizado “Nuevo Hollywood” por la prensa, estaba liderado por una nueva generación de directores: Peter Bogdanovich, Francis Coppola, Warren Beatty, Stanley Kubrick, Dennis Hopper, Mike Nichols, Woody Allen, Bob Fosse, Arthur Penn, John Cassavetes, Robert Altman, Martin Scorsese, Steven Spielberg, George Lucas, Paul Schrader, Brian De Palma y Terrence Malick. Estos son sólo algunos de los nombres detrás del fenómeno, cineastas que en base a una actitud irreverente y provocativa, pudieron plasmar en celuloide algunas de las obras más originales e iconoclastas que hayan salido del país del norte. "Easy Riders, Raging Bulls: How the Sex, Drugs and Rock 'N' Roll Generation Saved Hollywood" es un documental producido por la BBC y dirigido por Kenneth Bowser, basado en el libro homónimo de Peter Biskind, que refleja, a través de entrevistas, secuencias fílmicas e imágenes de archivo, los trece años transcurridos entre "Bonnie & Clyde" (1967) y "Heaven’s Gate" (1980), que delimitan la última época en que hacer cine en Hollywood fue realmente emocionante, la última vez que la gente pudo estar, y con razón, orgullosa de las películas que hacía, la última vez que una comunidad en su conjunto alentó el trabajo bien hecho, la última vez, también, que hubo un público capaz de sostenerlo.

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https://kickass.to/easy-riders-raging-bulls-2003-t10020738.html


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La bici de Lauren

 
Esta es la prueba para saber si tu misión en la vida
está completa: si sigues vivo, no lo está.
 
[Lauren Bacall] 


sábado, 18 de octubre de 2014

Inside Björk [2003]



"Sueño que mi voz es un volcán que escupe amor y descongela todos los sueños". [Björk]
 
Björk Guðmundsdóttir (Reikiavik, Islandia, 21 de noviembre de 1965), conocida simplemente como Björk, es una cantautora, multiinstrumentista, compositora y productora islandesa. Pasó sus primeros años en Reikiavik, donde se convirtió en vocalista profesional a los once años al publicar su primer álbum, "Björk". El álbum fue exitoso en Islandia pero no fue publicado fuera del país. Tras haber formado algunas bandas post-punk, Björk saltó a la fama como una de las cantantes principales del grupo de rock alternativo The Sugarcubes, que tuvo un seguimiento de culto en Estados Unidos e Inglaterra. Tras la desintegración del grupo, Björk se mudó a Londres, donde comenzó una carrera en solitario. "Debut", su segundo álbum lanzado en 1993, estableció su nueva dirección artística y se convirtió en un éxito internacional. Siguió lanzando una serie de álbumes en los que adoptó diversos géneros músicales, desde el jazz hasta la electrónica y la música experimental, obteniendo aclamación por la crítica y trabajando con importantes diseñadores de moda, productores y fotógrafos. Sus videos musicales, dirigidos por reconocidos directores como Michel Gondry, también han sido aclamados por la crítica. En el año 2000, Björk protagonizó la película "Dancer in the Dark" del director danés Lars von Trier, la cual ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Su interpretación le valió el premio a la mejor actriz de dicho festival y una nominación al Globo de Oro a la mejor actriz. Considerada como una de las figuras más importantes en la música contemporánea, Björk es conocida por su música ecléctica, videos provocadores y sentido de la moda extravagante. Cada uno de sus álbumes incluye una éstetica y mensaje propios, y su voz ha sido elogiada por su poder y estilo únicos. En el año 2003, su productora One Little Indian editó el documental "Inside Björk", que refleja, a través de entrevistas a la cantante y a famosos admiradores de su arte como Sean Penn, Thom Yorke, Elton John, Lars Von Trier y Beck, entre otros, los primeros pasos musicales en su tierra natal y su rápido ascenso internacional, incluyendo fragmentos de sus videos más aclamados y sus conciertos. El torrent también incluye el documental "When Björk Met Attenborough" del año 2013, dossier realizado por la BBC británica para documentar el proceso de creación y desarrollo de su último trabajo, "Biophilia", que contó con la colaboración del célebre biólogo británico David Attenborough.

Link [Opción 1]
http://thepiratebay.se/torrent/11230694/Inside_Bjork_[2003]


Link [Opción 2]
https://kickass.to/inside-bjork-2003-t9719975.html


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A tus zapatos

> Por Biciman.©




A destiempo a desviento juaneteando encallado por los cordones sin cuneta ni luna ni teta ni el más impreciso vestigio de cuero de lonja para rozar para esperanzar el rabo legitimizar el decreto de amor que me imponen las manos y los pasos deshacen los callos y te caminan y te acordonan el rancho pero tus dos ventanas al frente y una puerta por atrás son tu blindaje al amado armado contra la tiranía de mis borcegos bravucones que se pliegan a tus repliegues miniciclones de vulvas que salto mortal por un rato hasta que caigo y reboto en la duda de si me cambio botines por mocasines y brillo tanto que ya no trato y camino porque hay un piso y un camino y yo lo piso hasta el final de todo y de tanto en tanto y de vez en cuando me siento lejos de todo y me siento a mi costado y me pienso a tu costado y te dejo acá al costado un par de zapatillas limpias y simples por si algún día querés caminar simplemente a mi lado y me levanto y me levanto y sigo gastando las suelas de mis tendones guerreros que se rompen pero no se doblan porque son viejos pero sinceros como un sol redondo después de una tormenta de cuadrados.

Le Fils du Requin [1993]



Dicen que Agnes Merlet, la directora francesa de "Le Fils du Requin" (Son of the Shark), basó el guión de esta película en la historia verdadera de dos hermanos de once y doce años que habitaron y transgredieron las buenas costumbres de un pueblo costero galo a finales de los años 80. Y que esa transgresión no fue oportunista, sino más bien anarquista. La infancia de Martin y Simon Vanderhoes no fue normal porque nunca convalidaron las normas. Si la norma era convivir en un departamento suburbano con un padre alcohólicamente resignado descargando frustaciones a mansalva, en ausencia de una madre autoexiliada de la familia, y bajo la diaria supervisión de una educación estatal autoritaria y aburrida, los hermanos Vanderhoes no eran normales. Ni tranquilos. Ni buenos. Ni malos. Eran inocentes y culpables de un método de crianza falible, niños creando caos en el silenciado caos primermundista. Y robando y molestando y quebrando todas las reglas, las del pueblo y las instituciones juveniles que intentaban separarlos y domesticarlos. Niños que aprendían a su manera. Y jugaban y sobrevivían a su manera, una manera tan violenta e irresponsable como genuina. Y también soñaban con días mejores y con alguna niña. Y con ser hijos de tiburones y desaparecer en lo profundo del océano con miles de peces dorados bailando alrededor. "Le Fils du Requin", que un crítico de cine describió como "Los 400 golpes de Truffaut pero con los niños pasados de crack", estuvo nominada a los premios Cesar de Francia y ganó el FIPRESCI del Festival de Venecia y el European Film Award como mejor film en la categoría jóvenes realizadores. Y su reconocimiento no es en vano, la ópera prima de Agnes Merlet destila realismo social, fantasía púber y poesía vital por todo el metraje, y lo hace con soltura, apoyada en la sorprendente naturalidad de sus dos jóvenes actores y una visión personal tan humana como antimoralista.

Link [Opción 1]
http://thepiratebay.se/torrent/11209780/Le_Fils_du_Requin_[1993]

 
Link [Opción 2]
https://kickass.to/le-fils-du-requin-1993-t9705565.html


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La bici de John


El arte siempre elige la verdad. Incluso cuando está mintiendo. 
[John Malkovich] 


Funk Off ! Vol 6



>Tracklist

01- Take 'em On - The Herbaliser
02- Syrup - Nightmares On Wax
03- Sad Thing - Nostalgia 77
04- Happy - Max Sedgley
05- Crimes and Misdemeanours - The Herbaliser [Feat. Twin Peaks]
06- Swamp Fever - Nightmares On Wax
07- Clean the House - Fat Freddy's Drop
08- Setting Up - The Herbaliser
09- The Hour Glass Effect - Shawn Lee's Ping Pong Orchestra
10- Crowded Places - Blundetto [With Akale Horns]


Link [Opción 1]
http://thepiratebay.se/torrent/11189105/Funk_Off_Vol_6

 
Link [Opción 2]
https://kickass.so/funk-off-vol-6-t9689868.html


La Erótica

> Por Leopoldo Marechal.

Tuve un segundo encuentro en el Tuyú
junto al mar que bramaba como un toro
y en cierto mediodía de salitre.
Acostado en las algas vi al Amor
doble y uno en su forma de andrógino admirable:
la parte del Varón (crines y bronces)
y la de la Mujer (plumas y rosas)
buscaban la unidad en un abrazo
de dos metales puestos en crisol.
Y digo que, a mi vista, la región de la hembra
se iba trocando en la región del macho
y la del macho en la de la mujer,
las crines y las plumas en fusión,
los bronces y las rosas confundidos,
hasta no ser ni el macho ni la hembra,
sino los dos en uno y en ninguno.
Con el primer encuentro se puede hablar de Amor:
con el segundo nace la Erótica Infinita.

Upside Down: The Creation Records Story [2010]



Sexo, drogas y rock and roll. ¿Existe una frase mejor para describir el mundo de una estrella de rock? ¿Y si en vez de un músico, la estrella fuera el fundador de un sello discográfico que comía, respiraba y sufría rock? Porque según Alan McGee, el rock también se sufre, sobretodo después de 15 años de fiesta. ¿Y quién es Alan McGee? ¿Y dónde es la fiesta? Alan McGee es un escocés pelirrojo histriónico que dejó Glasgow por Londres con el pretexto de ser parte de una banda de rock que nunca hizo un disco ni dio un concierto, pero lo ayudó a contactarse con el lado más inadaptado de la cultura pop británica de los años 80. Y no sólo lo contactó, sino que lo ayudó a organizarse y a dar sus primeros conciertos en una Inglaterra donde agonizaba el conservadurismo Thatcher y asomaba una revolución alucinógena de la mano de artistas experimentales y masivos eventos de música electrónica que bombardeaban la típica calma inglesa al ritmo del éxtasis, la droga de moda. Y en medio de todo el barullo, McGee tuvo la mejor de las ideas para explotar su don de gente y armar su propia fiesta: crear un sello discográfico independiente para dar a conocer las bandas que más influían en ese ambiente pero que ninguna corporación multinacional quería. No por falta de talento, sino por falta de obediencia a las reglas de la industria, que requieren un mínimo de decoro y disciplina. Reglas que indudablemente esos músicos no seguían, ni McGee. El flamante e innovador sello se llamó Creation Records, que con el paso del tiempo (y de las bandas y las drogas y las modas) se convertiría en el semillero de la música indie británica de los 90, y fuente de inspiración para las generaciones venideras. Oasis, Jesus and Mary Chain, Primal Scream, My Bloody Valentine, Ride, Super Furry Animals, Teenage Fanclub, son sólo algunas de las bandas que desfilaron por las inestables oficinas de McGee y asociados, y que gracias al ímpetu rebelde y obsesivo del escocés, pudieron plasmar en vinilo algunas de las obras musicales más excelsas e irreverentes de la época y más allá. "Upside Down: The Creation Records Story" es un viaje alucinante a la médula del espíritu independiente del rock, ese que también necesita dinero para sobrevivir, pero que no podría nacer si no fuera por la visión y pasión de los distintos. Como Alan McGee, el pelirrojo escocés que sólo fue a Londres a enfiestarse.

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La bici de Catherine


La belleza no se tapa: el oro no es oro bajo la tierra. 
[Catherine Zeta-Jones] 


Liv & Ingmar [2012]



Él nació en Suecia en 1918, ella en Tokio en 1938. Los reunió una película en 1966: "Persona". Ingmar Bergman ya había realizado varios filmes y era reconocido como uno de los mejores directores de su época. Liv Ullmann era una actriz noruega de teatro. Ingmar la conoció y vio en ella todo lo necesario para que fuera la protagonista de su película. "Persona" se convertiría en una de las máximas obras del genio sueco y significaría la unión profesional de Ingmar y Liv para doce películas más. Y en medio del arte hubo amor. Y una hija. Y celos y odios y oscuridad. Y una amistad que duraría por siempre. La historia compartida entre estos dos artistas es lo que el director indio Dheeraj Akolkar quiso retratar y que le valió el premio al Mejor Documental en el Festival Internacional de Cine de Chicago. Contada desde el punto de vista de Liv, el documental narra, a través de un collage de imágenes, fotografías y fragmentos de las doce películas que hicieron juntos, los 42 años de relación entre la legendaria actriz y el cineasta.

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Teoría de uno

> Por Biciman.©

No empezamos de cero. Empezamos de uno. Uno soy yo. Estoy entero. No tengo ni un primo. Ni un anterior. Soy singular y finito. Pero cero diviendo a uno es nada. Necesito otro uno. Pero si suma o resta ya no soy uno. Y si divide o multiplica tengo otros unos. Parecidos a uno. Y entonces soy otro uno o un distorsivo o un no soy uno. ¿Cómo le hago tablas a otro uno? Siendo dos unos, en el tablero mayor de unos, hay mucho de uno por todos lados. Y me tengo que prorratear para ser proporcional y resolver el problema de uno, antes de empezar de cero de nuevo. O de uno. Pero después de la cuenta, uno ya no es igual a uno. Es un binario. Lleno de unos y nadas. Hay quienes dicen que uno se adapta a los cambios. Que es mejor replicar para no quedarse en uno. A los duplicantes yo les resto este planteo: si me divido por cero soy nada, si me divido por otro soy otro uno, pero si me divido por uno mismo soy el mismo uno más todos los ceros. Y en algunas ecuaciones, es más rentable multiplicar la nada que deducirse uno entero. 

Hi-Fidelity Dub Sessions XI



>Tracklist

01- Wild Wild Dub - Zenzile
02- Tuk Tuk - The Black Seeds
03- Sky Rhythm - Dub Specialist
04- A New Dub - Roots Manuva
05- Roosters At War - Zenzile
06- Welcome To Extravagance - The Herbaliser
07- Hercules Dub - Blundetto
08- Blackbird - Fat Freddy's Drop
09- Dirty Old Cut - Zenzile
10- Alam Dub - Bill Laswell & Jah Wobble


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La bici de Salvador


Sólo hay dos cosas malas que pueden pasarte en la vida:
ser Pablo Picasso o no ser Salvador Dalí. 
[Salvador Dalí] 


Nordvest [2013]



Si hay algo que destaca al cine danés de los últimos tiempos es el realismo extremo de muchas de sus producciones. Desde el Dogma de Lars Von Trier y Thomas Vinterberg, hasta la trilogía Pusher de Nicolas Winding Refn, los daneses se han empecinado en mostrar el lado más puramente oscuro del ser humano, y en ocasiones, como en Pusher y la aquí presentada Nordvest, esos seres se revuelcan en el barro de la marginalidad urbana de Dinamarca, porque en la perfecta Dinamarca también existe el barro, y la envidia y la codicia y las armas y las drogas. En Nordvest, los actores no profesionales y también hermanos en la vida real, Gustav y Oscar Giesen, son Casper y Andy, dos hermanos que sobreviven en los suburbios proletarios de Copenhague en base a robos en casas vacías y la transa a baja escala de drogas. Pero Casper, el mayor y más ambicioso, no se resigna al crimen minorista controlado por la banda árabe del áspero Jamal, y en plena búsqueda de nuevos negocios conoce a Bjorn, regenteador profesional de un grupo de prostitutas de europa del este de alto nivel, que está en expansión y en planes de contratar guardias para brindar protección a las mujeres en sus traslados por la ciudad. Casper ve la oportunidad y no la desaprovecha, y pronto se convierte en el mimado del rudo Bjorn, y las horas se cobran en billetes y drogas y fiestas y regalos para su familia. Pero la realidad es cliché, como el cine, y después de la fiesta llega la resaca. Y ahí está el desairado Jamal reclamando su parte, el callado hermano menor Andy escondiendo una rabia secreta, y el implacable Bjorn que no perdona errores. Y están los soles cada vez más negros de una Copenhague auténtica.

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Un átomo de lluvia

> Por El Tomi Müller.

Si el primer intento fue imprudente el segundo fue descabellado. Y es que el paso a paso de la seducción pierde siempre con el salto mortal del sexo instintivo. De nada había servido el escarnio del reposo obligado a causa de la fracasada conquista, ni las inspiradas palabras de amor como caricias del cielo sobre la tierra que me había memorizado para decirle, ni el cálculo preciso del tiempo impasible que me tomaría descorrer el telón de sus bombachas e ir descubriendo el escenario de sus glúteos níveos, todo lo cual, lejos de serenar mis impulsos, me había jugado en contra. Fue esto lo que me llevó en volandas a intentar acceder por la retaguardia sin premeditación y con alevosía. Volví a encaramarme sobre los endebles peldaños de mi escala de valores hasta que mi heredad machista se apoderó nuevamente de mi escroto. Se dispararon incontrolables las imágenes libidinosas de sus piernas abiertas en medio de las cuales brillaban los pliegues secretos de su vagina y las íntimas tonalidades del orificio anal entre sus nalgas. Entonces me empezó a temblar el pulso del pene y como un ser independiente de mi control se desbocó por cuenta propia como un géiser y eyaculó una cucharada de miel blanca que resbaló por la suavidad del muslo femenino como un esquiador por la falda de las montañas. Ella sintió la humedad como el átomo de una gota de lluvia. Otro intelecto más que se agigantaba, ¿será por eso que dicen que todas las mujeres son iguales? No lo sé, pero ésta también empujó muy suavecito la escalera con el índice y yo volví a caer como caen los alpinistas, hecho un pequeño guijarro hipnotizado por el vértigo de los precipicios. Y otra vez con la líbido en cuarentena, los huesos del erotismo hechos pedazos y el nivel de semen por las nubes, altísimo, por allá donde el cerebro de las féminas vuela planeando sabiamente el espacio como un águila en celo y la brutalidad masculina aletea con el desorden propio de los buitres carroñeros.

Queens of Jazz: The Joy and Pain of the Jazz Divas [2013]



¿Qué tienen en común Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Peggy Lee, Sarah Vaughan y Nina Simone? Que nacieron y crecieron en el mismo país y la misma época, que eligieron el mismo destino musical, y que gracias a su desmesurado talento se convirtieron en referencias indiscutibles del cancionero jazz de todos los tiempos. El país era Estados Unidos, la época mediados del siglo 20, y el destino era la gloria y la consiguieron, pero para algunas el costo de la felicidad fue muy alto. La BBC nos brinda un documento elegante y revelador, donde las reinas del jazz ascienden talentosas a los glamorosos escenarios de los años 50, pero también bajan y viven una era cargada de racismo y discriminación sexual, mientras intentan desarrollar una entereza humana basada en el amor por el arte usando un instrumento propio y liberador, sus voces, las voces femeninas del mejor jazz de la historia, las voces que marcaron un estilo y una generación imposible de olvidar.

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La bici de Claudia [2]


Si esto es la decadencia, es lo mejor que me pasó en la vida. 
[Claudia Schiffer] 


viernes, 28 de febrero de 2014

Reggae Britannia [2011]



A mediados del siglo 20 las cosas en Jamaica no marchaban del todo bien. Las condiciones deplorables de vida y la pobreza generada por el saqueo y esclavitud perpetuados durante siglos en la isla por los británicos, obligó a sus habitantes a buscar refugio y mejores oportunidades del otro lado del océano, al norte de su originario continente africano, y en el seno mismo de la nación que generó esas condiciones: Inglaterra. Los inmigrantes jamaiquinos instalados en Inglaterra importaron su cultura y su música, elementos que les ayudaron a configurar y conservar su propia identidad en una tierra que les era totalmente ajena. El integrarse a la sociedad inglesa siendo personas de color no fue tarea fácil. Racismo y problemas legales con inmigración fueron constantes para limitar las oportunidades de empleo y educación. Es en este contexto que la música reggae se yergue y encuentra en Gran Bretaña el escaparate perfecto para que el mundo conozca su inconfundible y magnífico ritmo. "Reggae Britannia" es otro excelente dossier de la serie de documentales "Britannia" de la BBC, que hace un exhaustivo repaso sobre la llegada y el desarrollo del reggae en Inglaterra, desde los primeros "Sound Systems" y el desembarco del ska, hasta su influencia en el rock, el pop y el punk, en plena época en que Margaret Thatcher se dedicaba a cerrar fábricas y a oprimir a una juventud británica que no tardaría en revelarse cultural y socialmente. Big Youth, Bob Marley, The Clash, Madness, The Specials, Lee "Scratch" Perry, The Police, UB40, Culture Club, Max Romeo y Prince Buster son sólo algunos de los grandes nombres que desfilan por la pantalla, entre sorprendentes imágenes de archivo y entrevistas con aquellos que contribuyeron al legado del reggae en la música y la sociedad británica, en ese entonces y para siempre.

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La imparable sensualidad del caer


> Por Biciman.©



Hay que fondear los pedales para que el alma ruede, acelerar en las culpas para salir mal parados pero siempre con faros por naufragios pasados que ya no existen pero que están están. Hay que acribillar abrazazos la rutina serial, denunciar la suerte de la normalidad, matar a piña dopada la oscuridad de los días con las mechas prendidas de las noches dinamitas, llenar de sexo los bolsillos sucios y manosearlos y sacarlos y convidarlos como las últimas monadas de la humanidad. Hay que desfigurarse a besos y aplastar los celos a bofetones de palabras perfumadas de rococó supertibio que rompe vientos y cuece caprichos y los posa intimamente sobre nalgas ahogadas en sus propios jugos que desarman ansiedades y contagian impiedad. Hay que lujuriar el orden de las cosas con estilo, castigar la perfección de las facultades para saborear la resina de lo que queda en el piso, larvarizarse, refregarse en la hundición de los sentidos hasta el más básico latido de la sinrazón, y salir del tiempo, baldosear el espacio, violarse la mente y caer tan profundo, que el golpe final nos eleve tan alto que nos veamos al otro día en el altar de la vida brindando con nuestra sangre derramada por todos los destinos con la impresa y negligente sabiduría de creernos tan vivos que tenemos que morir de vez en cuando por no poder parar de estallar.

The Selfish Giant [2013]



Inspirado en la historia homónima de Oscar Wilde, este largometraje de la directora británica Clio Barnard ha sido catalogado como uno de los mejores films británicos del 2013. Continuando con la tradición inglesa del cine de realismo social, en la línea de "Kes" de Ken Loach y "Ratcacher" de Lynne Ramsay, "The Selfish Giant" es un relato crudo sobre amistades, egoísmos e injusticias que se desarrolla en los suburbios pobres de las afueras de Yorkshire. Lejos del universo fantástico del cuento de Oscar Wilde (al que pide prestado el título y en el cual se inspira de manera muy libre), la película se centra en dos amigos adolescentes, Arbor y Swifty, y en la relación de explotación que los une a Kitten, el propietario de una chatarrería local. A Arbor y Swifty los expulsaron de la escuela y, en esos días de incertidumbre, ambos empiezan a recoger (y robar) trozos de metal que luego venden a Kitten. En paralelo, la película retrata una costumbre local: las sulkys, carreras de pequeños carruajes tirados por caballos que son objeto de apuestas entre los habitantes. Swifty tiene un don para los caballos y el chatarrero Kitten empieza a utilizarlo en las carreras en las que apuesta. A Arbor, cada vez más problemático, le sienta mal esa relación de supuesta complicidad entre su amigo y quien él considera ser su modelo. Con una atmósfera oscura y una trama social en la que parecen percibirse los ecos de Ken Loach, Clio Barnard construye un guión fuertemente centrado en los personajes y en el que se cuestionan las fronteras entre la ayuda y el oportunismo. Kitten, el “gigante egoísta”, surge como un personaje distante, cuya supuesta “oportunidad” que ofrece a los dos chicos esconde en realidad su propio interés económico y su intención de hacerlos partícipes en actividades ilícitas. Con agilidad y una gran interpretación de los dos jóvenes actores, la historia se desarrolla sin dejar cabos sueltos. Y la violencia social que prevalece a lo largo del film es sin duda más horrorosa que cualquier escena de disparos o decapitaciones. Es una violencia anunciada. Lo cual desde el principio hace intuir que no habrá lugar para finales felices.

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La bici de Frida


Pies, para qué los quiero, si tengo alas para volar. 
[Frida Kahlo]


Música para la bici 17 - Resistencia urbana



>Tracklist

01- All Things to All Men - The Cinematic Orchestra [Feat. Roots Manuva]
02- What You Asked For - The Herbaliser
03- In Between The Lines - Bonobo [Nostalgia 77 Remix]
04- Tapestry - Nightmares On Wax
05- The Trap - Saru
06- Around the Block - Pretty Lights
07- Juggle Tings Proper - Roots Manuva
08- Mother Dove - The Herbaliser
09- Time is The Enemy - Quantic
10- Eastwind - Nostalgia 77


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Ausencia

> Por Juan Gelman.


Cómo será pregunto.
Cómo será tocarte a mi costado.
Ando de loco por el aire
que ando que no ando.
Cómo será acostarme
en tu país de pechos tan lejano.
Ando de pobre cristo a tu recuerdo
clavado, reclavado.
Será ya como sea.
Tal vez me estalle el cuerpo todo lo que he esperado.
Me comerás entonces dulcemente
pedazo por pedazo.
Seré lo que debiera.
Tu pie. Tu mano.