Jimi Hendrix: Electric Church [2015]

Casi cuatrocientas mil personas asistieron a la actuación más multitudinaria en la carrera de Jimi Hendrix, la que tuvo lugar en la segunda edición del Atlanta Pop Festival en 1970. Fue a unos cien kilómetros al sur de Atlanta, cerca de la ciudad de Byron, en el Estado de Georgia, donde se celebró el también llamado "Woodstock del Sur" y valorado ahora como el último gran festival de rock de Estados Unidos, con más 30 actuaciones musicales entre las que se contaron las de Bob Seger, B.B. King y The Allman Brothers. La actuación de Hendrix no sólo fue de importancia a nivel musical, sino también en términos socio-políticos. Los organizadores querían contrarrestar la división cultural que en el sur profundo de Estados Unidos era muy evidente. Asumían que el público rural no recibiría de buen grado a las bandas de "pelo largo", y esos artistas negros y blancos no podrían compartir fácilmente el mismo cartel; Atlanta Pop se propuso desafiar estas creencias. La música y mensaje de amor universal de Hendrix lo convirtieron en el artista ideal para representar esta visión, y, convenientemente, fue el primer artista contratado para el festival. En el agobiante calor de Georgia, entre motoqueros intimidantes contratados como seguridad, cientos de miles de jóvenes fans de la música llegaron a la localización del festival, derribando vallas y no dejando a los organizadores más opción que declarar el festival como un evento gratuito. Las fuerzas de la ley, que no estaban equipadas para controlar tal cantidad de gente, adoptaron la política de no intervenir en el control de la multitud, el uso de drogas y la desnudez. Contra todo pronóstico, el evento resultó ser muy pacífico. Para cuando Jimi Hendrix Experience se subió al escenario la tarde del 4 de Julio, el público había aumentado a más de trescientas mil personas. "Jimi Hendrix: Electrical Church" presenta la historia de cómo la emergente cultura de festivales de música rock descendió en masa al pequeño pueblo rural de Byron, Georgia, y fue testigo de la inolvidable actuación de Hendrix.La película detalla el esfuerzo realizado por el promotor de Atlanta, Alex Cooley, para crear el festival musical definitivo. Este documento histórico incluye entrevistas con los miembros de la banda Experience de Hendrix, Billy Cox y el fallecido Mitch Mitchell, y también de Paul McCartney, Steve Winwood, Rich Robinson, Kirk Hammett, Derek Trucks, Susan Tedeschi, el organizador del festival Alex Cooley y muchos otros. La película contiene impresionantes imágenes de 16mm en color de la actuación de Jimi Hendrix en el Día de la Independencia, a tan sólo dos meses de su prematura muerte. Algunas de las interpretaciones destacadas incluyen clásicos como "Hey Joe", "Voodoo Child", "Purple Haze" y extraordinarias versiones de canciones como "Room Full Of Mirrors", "Freedom" y "Straight Ahead". Según Bill Mankin, que trabajó en el armado del festival, "en el centro del remolino estaba el mago maestro con su guitarra: la personificación de una vida vivida plena y salvajemente, sin barreras, sin límites, y dirigiéndose hacia las estrellas a toda velocidad".

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Jimi Hendrix: Electric Church [2015]

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Los yetas

> Por Biciman.©   


El derrame (una propina de pena) de la burguesía estandarizada hasta el agote (pigmentados apenas) colesteriza la grasa centenaria de las capitales y fluye en fáctica mente hacia un vertedero inviable cercado por las fallas randómitas de una falaz prescindible innovación. Modernizar el sueño con un pasado setenta años mejor, subterraneando la conciencia como si la historia fuera un caño que se anula por omisión, es servil a las corporaciones de dudas que fabrican empanadas para todas las preguntas y atragantan a los palo$ al bicho cuestionador. Las larvas son larvas por nuevas o por viejas. Hay gusanos voladores y otros viven bajo tierra, subliminales carnadas de poblaciones muertas. En la guerra de las dietas, los colmillos sin coronas se afilan en los bordes con el hambre de respuestas. Las empanadas aguantan el retorcijón de los yetas. La felicidad descongelada menudea la revuelta, al calor unánime de la originaria receta: se acabó la resistencia, ¡ahora el contraataque!

Shot! The Psycho-Spiritual Mantra of Rock [2016]

Crear una estrella es básicamente crear la imagen de una estrella. Mick Rock, el fotógrafo protagonista del documental de Barnaby Clay, lo entendió perfectamente, y se dedicó durante décadas a inmortalizar a algunas de las más célebres estrellas del rock, a quienes supo dotar de una imagen única. El artista, nacido en Londres en 1948, pasó primero por la Universidad de Cambridge, donde estudió Lenguas Modernas, para luego incursionar definitivamente en la fotografía. Sus inicios fueron azarosos y un tanto caóticos: comenzó tomando fotos casi como un juego, bajo los efectos del LSD. Su amistad con Syd Barrett y una serie de retratos que le hizo al músico fueron el pasaporte a la fotografía de figuras del rock, que rápidamente se multiplicarían. David Bowie, Iggy Pop y Lou Reed fueron algunas de las celebridades que entonces posaron para su lente, a los que se sumaron bandas como Queen y los Ramones. El consumo sistemático de drogas y la práctica frecuente de yoga fueron sus principales fuentes de inspiración, y fueron marcando el pulso de sus creaciones. En ese universo de creatividad, euforia y excesos se sumergió Barnaby Clay con "Shot! The Psycho-Spiritual Mantra Of Rock", proponiéndole al espectador una suerte de viaje a través de la vida y obra del fotógrafo. Al igual que el protagonista de su película, Clay conocía de cerca el universo de las bandas de rock cuando realizó el film, ya que se había desempeñado como director de videoclips musicales de bandas como Yeah Yeah Yeahs y Dave Gahan, además de trabajar en comerciales y cortometrajes. En su documental sobre Mick Rock cruzó relatos en primera persona del propio Mick con imágenes de archivo, diversas fotografías que el artista fue tomando con el correr del tiempo y la dramatización de uno de los momentos más duros de su vida, cuando debió ser internado en un hospital y sometido a un cuádruple by-pass. Mientras que lo primero es sumamente interesante, la dramatización de la internación de Mick (interpretada por el propio fotógrafo) se detiene en los pormenores de la salud del artista, en su adicción a la cocaína y en los modos en los que fue resolviendo diversos problemas personales. Pero es, sobretodo, infinitamente fascinante conocer el proceso que derivó en la tapa de Transformer, el célebre disco de Lou Reed; o acceder a la historia de la portada del álbum de Queen "Queen II", cuya foto se inspiró en una imagen de la diva cinematográfica Marlene Dietrich. Estos y algunos otros datos históricos son sin lugar a dudas el fuerte de la película, que consigue reunir una buena cantidad de información sobre los procesos creativos del universo del rock durante las décadas del setenta y ochenta. Desde el ascenso del glam rock en Londres hasta el desarrollo del punk neyorquino, todo está registrado por Clay de la mano de Mick Rock, en un film valiosísimo por la cantidad y calidad de los testimonios y documentos que reúne.

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Shot! The Psycho-Spiritual Mantra of Rock [2016]

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La bici de Michelle

El matrimonio es una guerra de porcentajes. 
[Michelle Williams]

Funk Off Vol 7

>Tracklist

01- A New Funky Generation - The Messenger
02- Instrumental One - Prince
03- Chemical Funk - Da Damn Phreak Noize Phunk
04- The Original Sound - Low Fidelity Jet Set Orchestra
05- Make Your Mind Up - Instant Cities
06- Bitches & Friends - DJ Rodriguez
07- Instrumental Six - Prince
08- Fluid - Jestofunk
09- Four Channel Sound - Low Fidelity Jet Set Orchestra
10- At Home In Space - Fila Brazillia

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Funk Off Vol 7

Insociable

> Por Arthur Schopenhauer.




El hombre inteligente tenderá, ante todo, a evitar cualquier dolor, cualquier molestia, y a encontrar el reposo y el ocio; buscará pues, una vida tranquila, modesta, defendida de los inoportunos, después de haber mantenido durante algún tiempo relaciones con lo que se llama los hombres, preferirá una existencia retirada, y, si es un espíritu muy superior, escogerá la soledad. Porque cuanto más posee en sí mismo un hombre, menos útiles le pueden ser los demás. Así pues, la superioridad de la inteligencia conduce a la insociabilidad.

Nico, 1988 [2017]

El 22 de julio de 1988, cuatro días después de su muerte, The New York Times publicaba un escueto obituario: "Nico, que cantó con el grupo pop Velvet Underground y se convirtió en una de las estrellas del cine de Andy Warhol, murió el lunes tras caerse de una bicicleta en la isla española de Ibiza. Tenía 49 años". Poco quedaba ya del ícono de los 60 y los 70, de aquella chica alemana que hablaba en inglés, cantaba en inglés y, probablemente, pensaba en inglés -tuvo una relación complicada con su país de origen, habiendo nacido en los albores de la Segunda Guerra Mundial- y que quiso convertirse en modelo, cantante, actriz y musa de la subcultura sesentera. Lo consiguió. Y lo perdió por culpa del enganche al ácido y a la heroína, y sumergida en sus últimos años en giras decadentes al lado de grupos de segunda categoría, desapareció en la oscuridad de su propia sombra en la soleada Ibiza. La directora italiana Susanna Nicchiarelli presentó en 2017 "Nico, 1988", una biopic centrada en los dos últimos años de vida de la artista, antes de que una hemorragia cerebral acabase por llevársela. "He estado en lo más alto. He estado en lo más bajo. Y los dos sitios están vacíos". En los últimos años de su vida, el lóbrego escepticismo y la languidez marca Nico -si no impostada, al menos seductora para el underground- degeneraron en un escepticismo real, en la estampa difícil de mirar de una espiral de autodestrucción consciente, de picos de heroína en un tobillo marcado por las agujas, de exabruptos erráticos humillantes y de pequeños momentos de lúcida calidez, sobretodo hacia un hijo, Ari, trastocado por los mismos demonios que su madre. La película de Nicchiarelli desmonta el mito para retratar a una mujer superada y rebelde, que se maneja tan bien como mal cuando el foco se apaga. Es esa dicotomía, la de una artista capaz de comportarse como una diva caprichosa y subversiva y la de una madre que no sabe bien cómo amar a su hijo -que Alain Delon nunca reconoció como suyo-, deja entrever esa fragilidad con la que es difícil no conectar. Una mujer que debe seguir reconociéndose como Nico, la rubia lánguida de voz grave y pestañas infinitas, y como Christa -su nombre real y por el cual la llaman sus conocidos-, una cincuentona deteriorada por el abuso de drogas y en la que prácticamente es imposible reconocer al mito de la moda de veinte años antes, que se arrastra por salas de mala muerte consciente de que el interés que despierta es el de una leyenda caída. Una cantante empeñada en quitarse la muletilla de "Nico, ¿la de la Velvet Underground?" y demostrar ser una artista por derecho propio.

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Nico, 1988 [2017]

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La bici de Manu

La resignación es un suicidio permanente. 
[Manu Chao]

Maria by Callas [2017]

¿Qué se sabe de la cantante de ópera Maria Callas que no se haya dicho? Probablemente nada. Por eso con ella, como con tantos mitos que conocemos a través de decenas de documentales, libros y hasta de biopics, quizás no quede otra que seleccionar, recortar y pegar. Un trabajo que no quita dignidad a quien lo hace, siempre y cuando lo haga con extraordinaria sensibilidad e inteligencia. Es lo que hizo el realizador y fotógrafo francés Tom Volf en “Maria by Callas”, un documental que no deja de conmover a lo largo y ancho del mundo por el retrato que hace de la soprano más popular y trascendente del siglo XX. Se nota la sensibilidad visual de Volf, quien para hacer este documental encaró uno de los trabajos de rastreo y selección más extraordinarios en torno a la figura de Maria Anna Cecilia Sofia Kalogeropoúlos (1923-1977). No solo recopiló cientos de fotografías, raras entrevistas televisivas, videos caseros y todo aquello que tuviera que ver con ella. En el proceso sacó del polvo registros insólitos: Maria en el yate de Aristóteles Onassis, Maria enojada con el director del Met, Maria oliendo flores o respondiendo preguntas a los reporteros que la acorralan al bajar de un avión. Y entre esos registros, la reveladora entrevista que le dio al británico David Frost, en 1970, que fue televisada y que se creía perdida. Él la encontró y tomó de ella el eje estructurador del relato: “Hay dos personas dentro mío. Me gustaría ser Maria, pero también está La Callas, a la que tengo que responder. Así que debo lidiar con ambas lo mejor que puedo”, le dijo a Frost esa vez la diva, y el documental sostiene estas dos dimensiones: ella fue una mujer que supo crear un mito sobre sí misma, pero a la vez era una persona común, con su costumbre de recortar recetas de cocina y pasear a sus perros. En este sentido, el documental habla con una desnudez emocional que conmueve. El montaje de Volf es perfecto y minucioso, ya que encontró la forma de que solo las palabras de “La Divina” vayan articulando su historia. Y cuando no es ella misma, es Fanny Ardant quien lee sus cartas (algunos la recordarán interpretándola en “Callas Forever”, de Franco Zeffirelli). En una dimensión más amplia, este trabajo no deja de contar lo que significaba ella para la cultura efervescente de los años de posguerra. Pero las secuencias más sensibles son otras: cuando Volf descubre los puntos de contacto entre su biografía y las arias que cantaba. Escuchadas en contraste con su vida, todo tiene nuevos significados. La música es el lenguaje más poderoso y Volf lo sabe, y como la propia Maria nos dijo, toda su vida está en su legado, y su legado fue la música. Si quisiéramos conocer realmente a Maria Callas bastaría oírla en “Casta Diva” o “Ah non credea mirarti”. Ese es el testimonio más fiel, y todo el resto será literatura. En este caso, de la buena.

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Maria by Callas [2017]

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Brillar

> Por Biciman.©   




De tanto insistir
solo
brillando
el efecto
del afecto
va a causar
(preferiblemente de noche)
un gran apagón
de la soledad.

Alejandra [2013]

La poeta argentina Alejandra Pizarnik (1936-1972) es un referente de la literatura contemporánea latinoamericana y un mito acrecentado por su tragedia personal y temprano suicidio. Fue un ser poco convencional, pero que hizo de la poesía su vida. "No quiero ir / nada más / que hasta el fondo", escribió en la pizarra de su habitación antes de ingerir 50 pastillas de seconal que le quitaron la vida. Era el 25 de septiembre de 1972 y la poeta de 36 años había salido con permiso del hospital psiquiátrico de Buenos Aires, donde se encontraba internada por un grave estado depresivo y dos intentos de suicidio. Fue así que a poco de andar, no demoró tomarse su muerte como ingrediente para la leyenda de poeta maldita. Aunque imitada en su escritura y en su forma de vestir (en su velorio aparecieron chicas vestidas y peinadas como ella), es la forma en que trabajó el lenguaje lo que le dio un papel relevante en la poesía latinoamericana. Flora Alejandra Pizarnik nació el 29 de abril de 1936 en Avellaneda, al sur de Buenos Aires. Allí sus padres se instalaron tras dejar Rovne, una aldea ruso-polaca. El matrimonio tuvo dos hijas: Myriam y Flora, y se dedicó al comercio de joyas. Dos hechos marcaron la vida de la poeta. La primera, la reiterada comparación que hacía su madre con su hermana Myriam y por otro, su condición de inmigrante. Mientras su hermana crecía delgada, bonita y femenina, Alejandra vivió una adolescencia con problemas de acné, los que se sumaron a su tartamudez, asma y tendencia a engordar. Su pavor a la gordura fue tal que la llevó a ingerir anfetaminas, que por entonces se conseguían fácilmente. En la secundaria, Pizarnik fue una estudiante rebelde que escribía de noche en una pequeña libreta negra mientras leía a Faulkner y Sartre, además de los franceses Artaud, Baudeleire, Mallarmé, Rilke, Rimbaud, y se fascinaba con el surrealismo. En 1954 ingresó a la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires, donde se cambió de la carrera de Filosofía a la de Periodismo, luego a Letras y finalmente al taller del pintor Juan Batlle Planas, pero luego abandonó todo estudio formal. Allí conoció a Juan Bajarlía, quien la acercaría a los movimientos de vanguardia y la ayudó a corregir su primer libro: "La tierra más ajena", el cual costeó su padre y lo firmó con su nombre completo: Flora Alejandra Pizarnik. La escritora soñaba con ir a Francia y pudo vivir en París durante cuatro años (1960 -1964); años fundamentales para la evolución de su estilo y para poder disfrutar una intensa vida social y cultural. Con el escritor Julio Cortázar mantuvo una amistad hasta su muerte e incluso se llegó a decir que el personaje de La Maga de la obra "Rayuela" se habría inspirado en ella, pero Cortázar, aunque no lo desmintió públicamente, escribió a un amigo que cuando la conoció ya había terminado el libro. En 1964 regresó a Buenos Aires como una poeta madura. En lo personal, según sus amigos, volvió más torturada y viviendo una agudización de sus tendencias obsesivas, hasta su desenlace fatal en 1972. El film documental "Alejandra" de Virna Molina y Ernesto Ardito, narra la vida de la Pizarnik, desde los principales conflictos que fueron dejando una profunda marca en su obra, bajo el contexto de ruptura y vanguardia de los años 60’ y 70’. Con un lenguaje cinematográfico intimista y sensorial, y un relato cargado de tensiones psicológicas y pasionales, la puesta sumerge al espectador en el universo interno de Alejandra, para comprenderla desde su núcleo creativo y humano. Así, sus diarios personales, sus cartas, sus poemas, el relato de sus amigos y familiares; son la herramienta que arrojan pistas sobre el misterioso camino que la llevó a su autodestrucción. Hoy, luego de su muerte y tras ser censurada por la dictadura, fue redescubierta por las nuevas generaciones, quienes la convirtieron en un mito, siendo la poeta argentina más leída.

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Alejandra [2013]

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La bici de Juliette & Giovanni

De joven moría de risa, ahora de melancolía. 
[Juliette Lewis, con Giovanni Ribisi]