lunes, 3 de julio de 2017

Pulp: A Film About Life, Death and Supermarkets [2014]



Pulp fue un grupo creado en Sheffield, Inglaterra, a finales de los 70, aunque su primer disco se editó en 1983. Del grupo destaca su carismático líder, Jarvis Cocker, uno de los estandartes del britpop. La destreza a la hora de componer letras de Cocker fue creciendo y obtuvo su mayor reconocimiento en la mitad de los 90 con discos alabados como "His 'n' Hers" o "Different Class". Pulp apostó también por una estética de grupo uniforme muy bien cuidada, ya que se han visto influenciados por grupos como Roxy Music o cantantes como David Bowie. La cumbre de la popularidad de Pulp llegó con la edición en 1995 de "Different Class", para muchos su mejor disco. Los sencillos más conocidos de este álbum son: "Common People", "Disco 2000", "Something Changed", entre otros. En 1998 publicaron "This Is Hardcore", para muchos el disco más oscuro de Pulp. Sus ventas no igualaron a "Different Class", pero fue bien recibido por la crítica. El último disco de Pulp, "We Love Life", fue editado en 2001. A causa de las bajas ventas de este disco, su discográfica les rescindió el contrato tras la publicación en el 2002 de un grandes éxitos en formato CD y DVD. Desde entonces, Jarvis Cocker ha aprovechado para experimentar con un grupo de música electrónica llamado "Relaxed Muscle" y ha tenido participaciones en películas y documentales. "Pulp: A Film About Life, Death and Supermarkets", documental dirigido por el neozelandés Florian Habitch , retrocede hasta el 8 de diciembre de 2012 y traslada al espectador hasta Sheffield, la ciudad inglesa que vio nacer al conjunto y que fue elegida como el destino final de su gira de reunión, que había comenzado un año antes, tras casi una década de inactividad. Una decisión acertada que se traduce en la emoción de ver a Jarvis Cocker, Mark Webber, Steve Mackey, Nick Banks y Candida Doyle hablando sobre todo lo que ha pasado antes de ese día y sintiendo la nostalgia de volver a esas calles que inspiraron y vieron nacer canciones como “Disco 2000”. Los testimonios de los integrantes, sin dobles discursos ni actuaciones, se mezclan con el antes, durante y después de aquel show que marcó el fin de Pulp. Cómo se preparan los técnicos, los habitantes y los fanáticos (en resumen, la ciudad misma) antes de esta esperada presentación en su tierra natal, es el hilo conductor de este interesante y entretenido viaje. Si efectivamente ese concierto fue el último de Pulp, el registro que quedará para la posteridad será una postal precisa y sin adornos. Una oportunidad única de ver a cinco músicos en el mejor lugar posible: la ciudad que los vio nacer.

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Pulp: A Film About Life, Death and Supermarkets [2014]


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Presentismo

> Por Biciman.©   

Es lo obvio en mí. Parar todo salvo respirar. Disolver el mundo con un apretón de párpados. Sus párpados. Debo tener un gen, o cromosoma o como sea, que si lo busco subjetivamente le encuentro su nombre científico parecido a su nombre. Un cannabinoides, un receptor preparado, un síntoma latente, un enchufe hembra cenicienta en el que sólo entra ella. ¿Edípico? Puede ser. La madre de todos los besos. El seno de la felicidad. El refriegue de los sentidos, el repliegue de la razón. Loco de amor. Muerto de amor. Porque tanta necesidad mata. Mata mis otras cosas. Corta mi electricidad con una bomba atómica. No hay resistencia, se me parte el caparazón. Y está mal, claro que está mal. Entregarse así. La dignidad, el cuerpo, el futuro, la ética de lo propio, la compresión de lo ajeno, de la energía transitoria. Rebelde el que no se entrega. Guerrero el que no abandona. Tal vez la estrategia sea que no haya estrategia. Que sea ensayo en vez de guerra. ¿Por qué hacer un Everest de un paseo por las nubes? Yo quiero ir y volver, de donde sea. Sólo de la muerte no se vuelve. De ella se vuelve. Se vuelve de lo obvio. Porque lo obvio se lleva como una deformidad inoperable, algo que ya estaba ahí antes de que ella apareciera. Y me descubriera. El agujero en la sien. Mínimo, invisible al resto de los ojos. Parar todo salvo sus ojos. Que me ven otro. Con ella soy otro. Un cuerpo extraño. Que gusta y asusta. Y la quiero y no me quiero. Porque no quiero dejar de ser lo que soy sin ella. ¿Cómo obviar lo obvio? Hacerlo parte sin ser parte. Partir el todo en muchos todos. Potenciar el antes y después, mientras estoy con ella. Tal vez deba estar más solo cuando estoy con ella. Estar solo y con ella. Pensar que ella no está ahí. Porque es obvio que está ahí. Porque ella es lo obvio. Tan obvio que ya ni lo pienso.

One More Time With Feeling [2016]



“Es el cambio entre un mundo conocido y un mundo desconocido que deviene una prisión. Y cuando sales fuera, ese mundo es el mismo pero cambiaste. Encuentras a un amigo en la calle que te dice algo amable y lloras en sus brazos. Y entonces te das cuenta de que en realidad no es tan amigo tuyo. Te descubres rodeado de ojos amables y te preguntas: ¿cuándo me he convertido en un objeto de lástima y compasión?”. Quien habla es Nick Cave. Quien lo filma, Andrew Dominik. La película: “One More Time with Feeling”, una obra testimonial que toma como eje los temas del último disco de estudio de Nick Cave & the Bad Seeds, “Skeleton Tree”, para meditar sobre el luto de Cave, que perdió a su hijo adolescente Arthur en julio de 2015 en trágicas circunstancias. Filmado en 3D y en blanco y negro, el documental es un ejercicio fílmico profundamente minimalista, que transcurre casi por completo en el estudio de grabación y en la casa familiar de Cave, donde el foco narrativo se desplaza con destreza de la mente de Cave a la de Susie Bick, quien en su papel de esposa y madre se alza como una conmovedora y bellísima Pietá. La densidad narrativa del documental, que lejos de mostrar a un Cave articulado y brillante, presenta a un hombre completamente roto que en más de una ocasión se ve superado por la imposibilidad de comunicar el dolor de la pérdida, se marida de forma inmejorable con la descripción del caótico proceso creativo que dio pie al Skeleton Tree, y con la representación en vivo de algunas de las canciones más significativas del disco. Al final lo que queda en pantalla es el bello y demoledor testimonio oral de Susie, de Cave, y de su inseparable compañero de batallas, el músico Warren Ellis. Sin embargo, el inconmensurable dolor del evento que ensombrece y da forma al film sólo es entendible mediante la música de Cave y sus Bad Seeds. El resultado es duro, frágil y crudo, un verdadero testamento de un artista tratando de encontrar su camino en la oscuridad.

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One More Time With Feeling [2016]


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La bici de Emma


Sólo Dios puede perdonar algunas cosas...
Y Dios no existe
. 
[Emma Stone]

Música para la bici 19 - #buendía



>Tracklist

01- One Too Many Mornings - The Chemical Brothers
02- Better Things - Massive Attack
03- Something About Us - Daft Punk
04- Aftermath - Tricky
05- Lucy's Talking - Kid Loco
06- La Femme D'Argent - Air
07- Isobel [Deodato Mix] - Björk
08- Protection - Massive Attack
09- Fountains And Tramways - Beirut
10- It Could Be Sweet - Portishead


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Música para la bici 19 - #buendía


Las seis y lágrima

> Por Jorge Boccanera.

Justo a las seis,
en punto, vendrá a buscarte la ciudad
y esta vez quizá el apuro
no te deje ni lavarte los dientes.
Te busca día a día
con sus codos mojados,
sus ojeras de niebla,
sus manos temblorosas diciendo: ¡te devoro!
Para un golpe en la nuca de oficina,
para oxidarte todos los costados
y arrollarte con su tren de piedra.
Te busca la ciudad
con sus alcantarillas espías,
sus torres de tic-tac echando humo,
su tristeza mordiéndote la lengua.
En el viaje, colgado de tu saco,
pensás en unas manos,
simplemente unos dedos,
que te roben los lápices,
te acaricien el pelo
y maten el reloj seis menos cinco.


Hjartasteinn [2016]



"Hjartasteinn", traducida al inglés como "Heartstone" (Corazón de piedra), es una película islandesa dirigida por Guðmundur Arnar Guðmundsson, que retrata la vida de unos jóvenes amigos de un pueblo pesquero del este de Islandia. La película trata sobre la amistad y el amor, y la delgada línea que a veces separa ambos conceptos. Thor (Baldur Einarsson), uno de los dos amigos protagonistas en el film, está enamorado de una chica del pueblo, y no hace más que demostrarlo ante su amigo Christian (Blær Hinriksson). Este, en lugar de alegrarse por su amigo, cada vez se muestra más tenso, a medida que descubre que no sólo siente amistad por él. La exquisita fotografía de Sturla Brandth Grøvlen contiene en sus planos una exteriorización de emociones que conmueve, en medio de un paisaje tan bello y salvaje como desolador. Los sentimientos de Christian por su amigo, sus contradicciones, los traumas familiares, forman parte de un mundo caótico dentro de la mente del adolescente, que aflora a la superficie de manera magistral, en ese mantenimiento de planos de las largas y significativas miradas, y en esas palabras que no se dicen pero se intuyen. Los silencios cobran así una gran importancia en el film, para mostrar esa pasión controlada y reprimida por miedo, por rechazo, por temor a ser diferente y a no ser correspondido. "Hjartasteinn" es infinitamente sensorial y táctil: texturas, colores, sombras, todo adquiere un tono más sombrío, dramático, de gran realismo, para mostrarnos el interior atormentado de dos jóvenes en su despertar sexual. Premiada en festivales de todo el mundo, "Hjartasteinn" es una pequeña gema del mejor cine independiente europeo, salida de la tierra de Björk y los volcanes, con toda la sensibilidad que eso conlleva.

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Hjartasteinn [2016]


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La bici de Christian


Por ahora, mi único temor es ser aburrido. 
[Christian Bale]

Ingrid Bergman: In Her Own Words [2015]



En una época donde los estudios dirigían los destinos personales y profesionales de los actores, la actriz Ingrid Bergman tomó las riendas de su carrera (y de su vida) y no firmó contrato con ninguno de ellos, algo que no impidió que se convirtiera en una de las estrellas más legendarias del cine del siglo 20. Nació en Estocolmo un 29 de agosto de 1915. Huérfana desde niña, se crió con sus tíos y se mudó de Suecia a Estados Unidos, de ahí a Italia, a Francia y finalmente a Londres. Su vida adulta tampoco resultó nada convencional. Se casó con el médico Petter Lindström, padre de su hija Pia. Durante el rodaje de "Stromboli" conoció al director Roberto Rossellini y quedó embarazada de él. Aquel hecho la convirtió en persona non grata en Estados Unidos y le hizo perder los derechos de visita de su primera hija. Fruto de su relación con Rossellini nacieron su hijo Roberto y las gemelas Isota e Isabella (también actriz). Bergman, que participó en más de cuarenta películas, fue la favorita de Alfred Hitchcock y está considerada por el American Film Institute la cuarta estrella más importante de la historia del cine tras Katharine Hepburn, Bette Davis y Audrey Hepburn. La película "Casablanca", en la que enamoraba a un inolvidable Humphrey Bogart, la encumbró a la categoría de mito. Se hizo con tres Oscar, dos a la mejor actriz y uno a mejor actriz de reparto, por "Gaslight" (1944), "Anastasia" (1956) y "Murder on the Orient Express" (1974), respectivamente. Ícono de estilo y elegancia, fue una madre ausente para sus hijos, pero una mujer adelantada a su tiempo, vivió la vida como la vivían los hombres de la época. Murió de cáncer en su mansión de Londres, el día en que cumplía 67 años. Y a pesar de que falleció en 1982, Ingrid Bergman sigue manteniendo un aura especial donde su presencia y distinción llegó a fascinar a aquellos que tuvieron la oportunidad de apreciarla como actriz. De allí que habiéndose conmemorado hace poco el centenario de su nacimiento, su compatriota sueco Stig Björkman decidió rendirle un tributo a su persona. "Ingrid Bergman: In Her Own Words" es el título del film que no puede ser más apropiado, porque parte del mismo se refleja a través de las palabras volcadas en su diario personal y cartas escritas por ella y narradas por la actriz Alicia Vikander, que testimonian su vida interior, tanto en lo profesional como en lo personal, complementado con películas hogareñas que la actriz filmó con su cámara y fotos por ellas captadas, un importante material inédito de archivo, como así también entrevistas efectuadas por Björkman a sus hijas y allegados. Un fino homenaje a una leyenda centenaria que sigue brillando desde el recuerdo de su gloriosa carrera.

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Ingrid Bergman: In Her Own Words [2015]


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Ausentismo

> Por Biciman.©   




No más ausencias,
no entran más en esta habitación.
No caben,
no pasan.
Mi sanidad vigila,
mi locura descansa.
No sueño más.
Fulmino ideales con mi lema:
"No más ausencias en esta habitación".






Jaco [2015]



John Francis Anthony Pastorius III (Norristown, 1 de diciembre de 1951 - Fort Lauderdale, 21 de septiembre de 1987), conocido como Jaco Pastorius, fue un bajista, compositor y arreglista estadounidense de funk, jazz fusión y jazz. Hijo de músico, heredó la pasión por las notas, particularmente de los elementos de base rítmico-armónica: inició su formación como baterista y siguió el camino hasta convertirse en un verdadero prodigio del bajo eléctrico. Influenciado principalmente por los sonidos cubanos y el rythm & blues, Pastorius se convertiría en un meteorito que deslumbraría al mundo, cuyo final sería tan impactante y definitivo como el de cualquier estrella cuando se apaga. La lista de agrupaciones con las que Jaco colaboró es larga, e incluye a figuras relevantes como Pat Metheny, Joni Mitchell y Herbie Hancock, pero si se tuviera que mencionar sólo una de entre aquellas que sirvieron de impulso a su carrera y popularidad, ésa es Weather Report: surgida en 1970 y representada por el austríaco Joe Zawinul, fue una banda estadounidense de jazz que marcó la historia del desarrollo del género en la época de la posguerra. Uno de sus más grandes éxitos fue "Birdland", del disco "Heavy Weather", tema que en la actualidad es ícono y referente de los estándares melódicos asincopados. Después de dejar Weather Report, Jaco formó su propia banda, Word Of Mouth, con la cual también grabó varios discos y realizó numerosas giras hasta el año 1984. Notables músicos fueron parte de aquella banda, entre ellos el baterista de Weather Report, Peter Erskine, el trompetista Randy Brecker, el saxofonista Bob Mintzer y el percusionista Don Alias. A partir de mediados de la década de los 80, Jaco comenzó a sufrir las primeras manifestaciones de trastornos mentales y se le diagnosticó como maníaco depresivo. Las drogas que le habían recetado le impedían concentrarse, lo adormilaban, lo que le imposibilitaba componer o le dormían los dedos, lo cual no le permitía tocar el bajo. Jaco rehusó tratarse, cayendo en una espiral de conflictos familiares y conductas autodestructivas. Se volvió alcohólico, tomando por costumbre vagar por las calles de Nueva York y convivir con mendigos y vagabundos. En septiembre de 1987 fue víctima de un violento altercado a la salida de un club nocturno neoyorkino, que lo dejó en coma farmacológico del que nunca se recuperaría, hasta su deceso unos días más tarde. Producido por el bajista de Metallica Robert Trujillo, el documental "Jaco" es el fruto de varios años de investigación por parte del músico metalero, la familia de Pastorius y una exitosa campaña de crowdfunding. El relato se centra en la vida del artista, su inicio, desarrollo e influencia que abarca a exponentes de diversos estilos, con testimonios de figuras destacadas como Flea, Geddy Lee, Sting, Joni Mitchell, Carlos Santana y Herbie Hancock, entre otros. Todo acompañado por imágenes y grabaciones inéditas que retratan la vida y obra del gran Jaco, genuinamente llamado "el Jimmy Hendrix del bajo".

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Jaco [2015]


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La bici de Woody & Diane


El sexo sin amor es una experiencia vacía...
Pero como experiencia vacía es de las mejores
. 
[Woody Allen, con Diane Keaton]

martes, 14 de marzo de 2017

B-Movie: Lust & Sound in West-Berlin 1979-1989 [2015]



¿Qué puede hacer un joven en una ciudad industrial en la que las fábricas van cerrando una tras otra? ¿Qué futuro puede tener en una ciudad que parece no tenerlo? El joven Mark Reeder encontró una pequeña luz en su Manchester natal, sumida en la pobreza de la post-Segunda Guerra y durante los inicios del Thatcherismo: la música. Primero como músico en sí, fundando la banda The Frantic Elevators junto a Mick Hucknall (quien posteriormente se haría famoso con Simply Red) y luego como vendedor en una pequeña tienda de Virgin Records en el centro de Manchester. Allí expandió su horizonte musical, del punk furioso de Sex Pistols y Buzzcocks a la experimentación alemana en la electrónica, como Tangerine Dream, Kraftwerk y Neu! Pero la pobre, sucia y fría Manchester se sentía demasiado pequeña, demasiada lejana a aquello que tanto deseaba, así que un día Mark Reeder decidió irse a vivir a Berlín Occidental. “B-Movie: Lust & Sound in West Berlin 1979-1989” es, a falta de una mejor expresión, un collage audio-visual. Es la atmósfera de una ciudad dividida y a punto de estallar, un enclave capitalista en medio de la órbita soviética, un imán para artistas, decadentes, okupas y desertores, y la película captura esa adrenalina, ese exceso, esos deseos de libertad en una situación tan mala (o peor) que en Manchester, con una edición caótica-pero-controlada, usando material de archivo, grabaciones nunca antes vistas, y la narración de Mark Reeder para guiarnos a través de su historia, que es tanto la historia de un extranjero que se vuelve berlinés, como la historia del underground de la ciudad. Reeder nos guía a través de estas coloridas aguas turbulentas con una línea firme: la música. Su relación con diversos artistas (como los punks de Die Toten Hosen y Die Ärzte y las experimentales new-wave de Malaria!) forman la espina dorsal del relato, pero hay una que sobresale: la figura lánguida y desaliñada de Blixa Bargeld. Bargeld, fundador de la influyente banda industrial Einstürzende Neubaten y co-fundador, junto a Nick Cave, de The Bad Seeds, es una presencia magnética cada vez que aparece en pantalla, con una particular (y muy lúcida) visión de Berlín y una pureza artística envidiable. Aparte de los ya mencionados, también hacen aparición una joven Tilda Swinton, la famosa cantante Nena (con el primer hit mundial en alemán), los endiosados Joy Division y posteriormente los novísimos New Order, la estrella adolescente Christiane F. y el mismísimo Nick Cave, quien se fue a Berlín buscando la inspiración que le parecía esquiva en ese momento de su vida. "B-Movie" es un documental con mucho espíritu punk, abiertamente rebelde y contra-cultural, pero nunca particularmente violento. Es una pequeña ventana a una ciudad que parece gris y opaca en su exterior, pero está llena de colores y chillidos en los detalles, en cada rincón, en cada grieta. Una de las mayores riquezas de la película consiste en el material de archivo que nos muestra, in-situ y sin filtro, la vida al borde de la Cortina de Hierro, lo que es absolutamente impagable. Una mirada de menos de dos horas a ese epicentro de creatividad y de excesos que era Berlín Occidental y que cayó, en cierto sentido, cuando también cayó el Muro.

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B-Movie: Lust & Sound in West-Berlin 1979-1989 [2015]


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Ruleta rusa

> Por Biciman.©  

¿Cómo sé que adentro de esta decisión hay un amor? Sé lo que puede hacerle a mi cabeza. Bien o mal es moral de la inconsciencia, estas cosas no se piensan, se aprenden pero no se piensan. Todos somos inmortales hasta demostrarnos lo contrario. ¿Quién no quisiera morir y nacer, en otro o el mismo? Jugar a que quiero más de lo que puedo, jugar a enfermarse, a la fiebre, a la víctima, a la consecuencia de mis actos. Es lindo volarse los sexos con otros cuerpos, morderse las colas, abrirse las penas. Pero después de unos tajos, de unos buenos malos tajos, el andar es instinto, uno quiere el olor sin las flores, la boca sin la risa, buscar lo preciso, ser justo sin ley, dar sin que pidan, no pedir lo que me dan. No es fácil hacer lo que se piensa, pero más revelador es no pensar, rendirse al miedo, filetearse, perder las banderas, las marcas, los talones. Es cambiar aceite por gas, la línea imaginaria por la contingente, por eso que nunca podías imaginar. Es un proceso de revuelco cíclico, arrastrarse hasta que salgan ruedas en los codos, rodar como loco por los egos circundantes, hasta chocar con algo, o con alguien, no es lo mismo, es lo que pasa, cuando lo único seguro es que algo va a pasar. La moneda va a caer, por eso de la gravedad, por esa cosa animal de tener un cuerpo, una cara, una huella, un vestigio, una cabeza para perder, un amor para ganar. Entonces cargate de miedo y tentate la sien, y que el deseo fluya my dear, que la sangre corra, que el pálpito decida. Y si podés perder la cabeza con el filo de la suerte, tal vez mejor morir de amor que no amar hasta la muerte.



Daft Punk: Unchained [2015]



Daft Punk es un dúo de música electrónica formado por los músicos franceses Guy Manuel de Homem-Christo (nacido el 8 de febrero de 1974) y Thomas Bangalter (nacido el 3 de enero de 1975). Daft Punk alcanzó gran popularidad en el estilo house a finales de la década de los '90, en Francia, y continuó con su éxito los años siguientes, usando el estilo synthpop. Daft Punk es conocido por sus elaborados conciertos en los que incorporan efectos visuales y por el énfasis que ponen en la historia y los componentes visuales de sus producciones musicales. También porque desde 2001 en sus actuaciones o apariciones públicas aparecen disfrazados de robots. En muy raras ocasiones conceden entrevistas o aparecen en televisión. "Daft Punk Unchained" es un documental del 2015 dirigido por Hervé Martin-Delpierre y producido por Canal+ y la BBC. La película es un recorrido narrativo desde los inicios noventosos en el circuito musical, mostrando su evolución y la forma en que han ayudado a definir la escena electrónica actual, posicionándose como la mejor banda del género, provocando grandes expectativas en cada uno de sus nuevos trabajos y presentaciones en vivo. Presenta sus influencias y los momentos decisivos de su carrera, el lanzamiento de su segundo y tercer disco, la recordada actuación en el festival de Coachella en 2006, momento que puso en lo más alto de su carrera a los Punks y que sirvió para que muchas personas que no estaban relacionadas con este tipo de movimiento entendieran de qué se trataba. "Daft Punk Unchained" intenta además presentar el perfil artístico del dúo que, a pesar de lo que se podría pensar dada la naturaleza de su trabajo, se remite a la disciplina y el control sobre los dispositivos con los que trabajan y los sonidos que componen. Como parte de los antecedentes de su éxito están la amplitud de sus referentes y un profundo entendimiento de la escena musical y la industria, ambos factores que les han permitido trabajar con relativa soltura artística y mantener los pies en la tierra. El documental explora esta revolución cultural sin precedentes que revela un dúo de artistas en una búsqueda permanente de la creatividad, la independencia y la libertad. Entre la ficción y la realidad, la magia y el secreto, el futuro y la reinvención, la teatralidad y la humildad, los robots han construido un mundo único. La película combina raras imágenes de archivo con entrevistas exclusivas con sus más cercanos colaboradores, incluyendo a Pharrell Williams, Giorgio Moroder, Nile Rodgers y Michel Gondry, entre muchos otros.

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Daft Punk: Unchained [2015]


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La bici de Ellen


Soy lesbiana y estoy cansada de mentir por omisión. 
[Ellen Page]

The Blue Note Collection Vol 6



>Tracklist

01- Play It - Bugge Wesseltoft
02- Value For Money - Low Fidelity Jet Set Orchestra
03- Hard Twelve - Beat Assailant
04- Summertime - Patchworks
05- Venice - Robert Kanford
06- Cantaloop Island - DJ Cam [With Tassel & Naturel]
07- Isabelle - Cassius Mc Fawner
08- Dolce Vita - Nick Edwardson
09- The Rustlers - Low Fidelity Jet Set Orchestra
10- Clauss It - Bugge Wesseltoft


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The Blue Note Collection Vol 6


Los amores imposibles

> Por Darío Jaramillo Agudelo.


A estas alturas rodando,
literalmente rodando,
asumo mi destino,
araño cielos, tiento paraísos,
busco la clave que me traspase,
sin buscarla la busco,
la llave es un torso, un gesto,
la sonrisa de un amor imposible
o de otro amor imposible.
Los amores imposibles
-es tan evidente que siempre lo olvido-
son partes de ese mundo imposible
que es mi mundo verdadero.


Shell [2012]



"Shell" es el primer largometraje del escocés Scott Graham, quien ya en 2007 firmó un corto con el mismo título, igualmente rodado en las Highlands de su país y ligeramente parecido en su temática a esta historia. Sobria, sutil y poderosa son algunos de los adjetivos que la crítica mundial ha usado para calificar esta transición del corto al largometraje. Shell (Chloe Pirrie, ganadora del Premio del Cine Independiente Británico a la Revelación más Prometedora por este trabajo), es la protagonista con nombre de gasolinera (conveniente, por cierto, al trabajar en una) pero cuando le sacan la broma ella prefiere decir que "shell" (concha o caparazón en inglés) es ese bonito objeto que uno encuentra en el mar, el mismo que posiblemente nunca haya visto en su vida. Shell vive en las Tierras Altas de Escocia, en mitad de ese paisaje tan fantástico como demoledor, que encanta a turistas pero que puede resultar desesperante si uno lleva toda su vida conviviendo con él. La madre de Shell se marchó hace muchos años y la dejó sola con su padre, Pete (Joseph Mawle), el dueño de esa gasolinera en medio de la nada, un mecánico que sufre ataques de epilepsia y depresión. A sus 17 años, Shell no sólo tiene las hormonas en efervescencia, sino que la atraviesa un deseo de evasión física y mental. ¿Pero qué hacer con su padre? ¿Cómo cargar con la culpa, con la peligrosa ambigüedad de la relación paterno-filial y el miedo a lo desconocido, más allá de las eternas carreteras de las Highlands? Con un fuerte material dramático entre manos, Graham elabora un complejo retrato de una adolescente atípica en el cual, afortunadamente, casi no hay lugar para el voyeurismo ni el maniqueísmo fácil. El guión apuesta por diálogos sobrios y abre espacio para que los silencios y el lenguaje corporal nos den pistas sobre los acontecimientos. Alrededor de Shell y de su padre, hay una galería de personajes que cortan momentáneamente el aislamiento enfermizo en que viven y, por consiguiente, acaban por intensificar el deseo de un cambio jamás verbalizado. Como en el final de "Fish Tank", de Andrea Arnold, ese cambio, cuando por fin ocurre, deja un regusto amargo en la boca pero apunta hacia un futuro que se espera menos sofocante. "Shell" es una película intensísima en su austeridad y la prueba de que la vieja fórmula "un buen guión, buenos actores y un buen director” puede dispensar del apoyo de efectos especiales y grandes presupuestos para hacer una obra que quede por mucho tiempo en nuestra memoria.

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Shell [2012]


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La bici de Prince


No soy una mujer ni soy un hombre.
Soy algo que nunca entenderás
. 
[Prince]

National Lampoon: Drunk Stoned Brilliant Dead [2015]



"National Lampoon" fue una revista de humor estadounidense que se editó entre 1970 y 1998. La revista logró gran popularidad durante la década de 1970 y dio lugar a películas, programas de radio, teatro, grabaciones y libros. Muchos miembros del personal creativo de la revista triunfaron posteriormente en otros medios de comunicación. Durante muchos años la revista fue una parodia surrealista del modo de vida americano, con toques de historietas y dibujos, cómic y fotografías que repasaban el sentir de la juventud estadounidense. Casi todos los asuntos tratados, incluidos los textos más breves, partían de la hilaridad. Contenía una sección de elementos noticiosos reales (bautizada "Hechos Ciertos"), a la que se añadían historietas y tiras de cómic. Otras páginas incluían los llamados "Foto Funnies" o "Fumetti", a menudo presentando desnudos mezclados con un humor descarnado. El resultado era una mezcla inusual de humor inteligente e ingenio desbordante, combinados ambos con golpes brutales e inesperados saltos al vacío. El documental "National Lampoon: Drunk Stoned Brilliant Dead" de Douglas Tirola, reconstruye la historia de la mítica revista surgida de la contracultura universitaria en los años '70 y devenida luego en una institución cultural con fuerte influencia en el rock, el cine, la radio y la TV. En sus primeros segundos aparecen desde John Goodman hasta Judd Apatow, Billy Bob Thornton y Kevin Bacon, hablando de la importancia que para su generación tuvo el fenómeno "National Lampoon". Es que prácticamente nada del humor actual (desde el programa televisivo Saturday Night Live hasta Los Simpson, pasando por la Nueva Comedia Americana) habría sido posible sin la irreverencia y la posterior popularidad de "National Lampoon". Buena parte del film está dedicado a Doug Kenney y Henry Beard, los estudiantes de Harvard que iniciaron una publicación satírica y terminaron construyendo un emporio sustentado en la provocación y la incorrección política. Del underground neoyorquino a la masividad (llegaron a tener 12 millones de lectores), los escenarios (la banda Lemmings) y finalmente a Hollywood (Colegio de animales, Vacaciones), por la franquicia "National Lampoon" pasaron notables escritores y dibujantes, y múltiples figuras como Gilda Radner, John Belushi, Harold Ramis, John Landis, Bill Murray, Christopher Guest, John Hughes y Chevy Chase, varios de los cuales aparecen por este documental que expone la genialidad y los excesos (sexo, drogas y rocanrol en toda su dimensión) de aquellos tiempos. Con un impresionante despliegue de testimonios e imágenes (ahí está hasta el erudito Marshall McLuhan analizando el fenómeno "National Lampoon") el documental se convierte no sólo en una fascinante reconstrucción de un éxito impensado sino también en un valioso ensayo sobre la historia del humor estadounidense de los últimos 45 años.

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National Lampoon: Drunk Stoned Brilliant Dead [2015]


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Deseo

> Por Biciman.©


Redeformar
este deseo.
Que tanto rayo
no espante.
Yo soy lo que vos me hacés.
Nada.
Amigo.
Amante.


Django Reinhardt: Three Fingered Lightning [2010]



Jean Baptiste "Django" Reinhardt (Liberchies, Bélgica, 23 de enero de 1910 - Fontainebleau, Francia, 16 de mayo de 1953) es considerado uno de los mejores guitarristas de jazz de todos los tiempos, y el primer jazzista europeo en realizar importantes contribuciones para el desarrollo del instrumento. Luego de que dos de sus dedos quedaran paralizados debido a las quemaduras que sufrió durante un incendio, Reinhardt utilizó solamente el índice y el medio de su mano izquierda para tocar, desarrollando un estilo completamente nuevo para los guitarristas de jazz, a veces llamado “hot jazz guitar”, y que desde entonces se ha convertido en una tradición musical en la cultura gitana-francesa. Jean “Django” Reinhardt pasó la mayoría de su primera juventud en campamentos gitanos cerca de París, donde comenzó a tocar el violín, el banjo y la guitarra. Su familia se dedicaba a la construcción de muebles de caña, pero el clan también incluía a unos cuantos músicos amateur que incentivaron al pequeño Django. Reinhardt se vio atraído por la música a temprana edad, tocando primero el violín. A los doce recibió su primer banjo de regalo y aprendió a tocar rápido, copiando el movimiento de los dedos de los músicos que miraba. A los 13 ya podía sustentarse gracias a la música. Recibió muy poca educación formal y fue iletrado la mayor parte de su vida adulta. Entre 1929 y 1933 fueron años de formación musical para Reinhardt. Se dedicó por completo a la guitarra y escuchó por primera vez el jazz norteamericano, quedando especialmente impresionado con Louis Armstrong. En 1934 formó el quinteto "Hot Club de Francia", que carecía de instrumentos de percusión y era conformado solamente por cuerdas. Además de tocar con el famoso quinteto, Reinhardt también tocó y grabó con varios jazzistas norteamericanos y participó en una jam-session con Louis Armstrong. Más tarde llegaría a tocar, en Francia, con Dizzy Gillespie. En 1951, Reinhardt se retiró a Samois-Sur-Seine, cerca de Fontainebleau, donde vivió hasta el final de su vida. Continuó tocando en los clubes de jazz de París y empezó a familiarizarse con la guitarra eléctrica. Sus últimas grabaciones con el “Nuevo Quinteto” lo muestran moviéndose en una nueva dirección musical, habiendo asimilado el vocabulario del bebop y fusionándolo con su propio estilo melódico. Una noche, caminando cerca de la estación de trenes de Avon luego de un show, colapsó antes de llegar a su casa, debido a una hemorragia cerebral. Fue declarado muerto ese mismo domingo en el hospital de Fontainebleau. Tenía 43 años. "Django Reinhardt: Three Fingered Lightning" es un documental francés del 2010 que retrata con respetuosa fidelidad e inéditas imágenes de archivo, el devenir musical de un guitarrista tan genial como instintivo, descripto por el gran Jeff Beck como: "Por lejos, el más sorprendente guitarrista de todos los tiempos".

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Django Reinhardt: Three Fingered Lightning [2010]


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